👗🥻Для создания невероятных костюмов модельерам всегда требуется портновский манекен, а магазинам, для показа одежды — демонстрационные. Но когда же появились эти немые модники?
По-видимому, манекен изобретали несколько раз: в разные эпохи он то появлялся, то исчезал. Первый «намек» на манекен был обнаружен в гробнице Тутанхамона: он представлял собой деревянный торс, копировавший фигуру правителя. Портные не имели права прикасаться к телу фараона, но готовая одежда должна была прийтись ему впору, поэтому египетские портные использовали искусственную модель.
Манекены не для создания, а для демонстрации одежды стали широко использоваться лишь во Франции XIX века — их делали из дерева и папье-маше. А чуть позже, для большей натуралистичности, их начали изготавливать из воска, иногда дополняя настоящими волосами и даже зубами! Такие манекены мгновенно стали «хитами» и пользовались большим успехом. Правда, вскоре от воска решили отказаться — из-за солнечных лучей и света ламп такие фигуры таяли и пачкали наряды.
Менялись стандарты красоты, менялись и манекены. Сегодня их производство стало гигантской индустрией, в которой задействованы представители самых разных профессий. Безликие и натуралистичные, неброские и разноцветные — дизайнерские манекены являются неотъемлемой частью современных витрин, помогая покупателям сделать правильный выбор. Манекены появились даже в виртуальном пространстве: многие онлайн-магазины, в специальных приложениях, предлагают оценить, как будет смотреться понравившаяся одежда на фигуре с вашими параметрами. А вы когда-нибудь пользовались такой функцией на ваших устройствах?
По-видимому, манекен изобретали несколько раз: в разные эпохи он то появлялся, то исчезал. Первый «намек» на манекен был обнаружен в гробнице Тутанхамона: он представлял собой деревянный торс, копировавший фигуру правителя. Портные не имели права прикасаться к телу фараона, но готовая одежда должна была прийтись ему впору, поэтому египетские портные использовали искусственную модель.
Манекены не для создания, а для демонстрации одежды стали широко использоваться лишь во Франции XIX века — их делали из дерева и папье-маше. А чуть позже, для большей натуралистичности, их начали изготавливать из воска, иногда дополняя настоящими волосами и даже зубами! Такие манекены мгновенно стали «хитами» и пользовались большим успехом. Правда, вскоре от воска решили отказаться — из-за солнечных лучей и света ламп такие фигуры таяли и пачкали наряды.
Менялись стандарты красоты, менялись и манекены. Сегодня их производство стало гигантской индустрией, в которой задействованы представители самых разных профессий. Безликие и натуралистичные, неброские и разноцветные — дизайнерские манекены являются неотъемлемой частью современных витрин, помогая покупателям сделать правильный выбор. Манекены появились даже в виртуальном пространстве: многие онлайн-магазины, в специальных приложениях, предлагают оценить, как будет смотреться понравившаяся одежда на фигуре с вашими параметрами. А вы когда-нибудь пользовались такой функцией на ваших устройствах?
#чтопочитать
На сайте Buro 24/7 вышло интервью Дарьи Красовской, почему обязательно стоит съездить на выставку «Под знаком Рубенса»
А у меня для вас небольшой сюрприз:
12.02 в 13:30 по мск я проведу для Вас небольшую онлайн-экскурсию по выставке. На ней вы узнате о развитие жанра натюрморта в 17 веке во Фландрии.
Трансляцию можно будет посмотреть на канале!
На сайте Buro 24/7 вышло интервью Дарьи Красовской, почему обязательно стоит съездить на выставку «Под знаком Рубенса»
А у меня для вас небольшой сюрприз:
12.02 в 13:30 по мск я проведу для Вас небольшую онлайн-экскурсию по выставке. На ней вы узнате о развитие жанра натюрморта в 17 веке во Фландрии.
Трансляцию можно будет посмотреть на канале!
BURO.
Почему стоит посетить выставку Рубенса?
Спросили у Дарьи Красовской, ассистента куратора Вадима Садкова, на что еще стоит обратить внимание на выставке.
#ктородился
Леон Бакст
В день рождения, публикуем занимательные истории из его жизни
🔸Был период, когда художник оказался заложником своей прислуги. Вскоре после революции Бакст узнал, что в России от голода умерла его сестра Розалия. Художник слег с нервным срывом. У него обострилась чувствительность, он резко реагировал на любой раздражитель: звук, свет, прикосновения. В этот период возле него не было никого из близких, а лишь прислуга, некая Линда. Вместо того, чтобы ухаживать за больным, она терроризировала его. Все деньги, которые приходили на его имя- забирала себе, требовала, чтобы он вписал в завещание ее и мужа.
🔸 После персональной выставки в 1912 году в Англии супруги Дороти и Джемс де Ротшильд пригласили Льва Бакста для оформления интерьеров своего нового дома в Лондоне. Художник предложил в качестве тематики для интерьеров сказку Шарля Перро "Спящая красавица". В качестве моделей для панно ему позировали сами Ротшильды. Эти работы Бакста были недоступны широкому зрителю 70 лет.
🔸К выводу о преимуществах чтения лекций перед созданием художественных полотен Леон Бакст пришел в 1923 году, после того как выступил в нью-йоркском отеле Плаза со своей самой известной лекцией о моде и дизайне «L'Art du Costume et les lois, ces applications selon toute individualite». Гонорар за мероприятие составил две тысячи долларов. Текст лекции был опубликован в журнале Vogue. Баксту это дело чрезвычайно понравилось, и он написал сестре, что желает еще таких лекций.
🔸Американский бизнесмен Артур Селиг занимался производством шелка. В 1923 году он заказал Леону Баксту создать рисунки тканей. Но его компаньоны эту инициативу не поддержали. Выбирая между Бакстом и партнерами, Селиг поставил на Бакста — и не прогадал. В итоге он открыл новое дело, сменив в названии компании свою фамилию на Zelig , и открыл магазин в Нью-Йорке. Успех был ошеломительным, Бакст, побывав в магазине, пришел в восторг от такой отличной реализации. А вот бывшие компаньоны Артура Селига вряд ли радовались собственной недальновидности.
Леон Бакст
В день рождения, публикуем занимательные истории из его жизни
🔸Был период, когда художник оказался заложником своей прислуги. Вскоре после революции Бакст узнал, что в России от голода умерла его сестра Розалия. Художник слег с нервным срывом. У него обострилась чувствительность, он резко реагировал на любой раздражитель: звук, свет, прикосновения. В этот период возле него не было никого из близких, а лишь прислуга, некая Линда. Вместо того, чтобы ухаживать за больным, она терроризировала его. Все деньги, которые приходили на его имя- забирала себе, требовала, чтобы он вписал в завещание ее и мужа.
🔸 После персональной выставки в 1912 году в Англии супруги Дороти и Джемс де Ротшильд пригласили Льва Бакста для оформления интерьеров своего нового дома в Лондоне. Художник предложил в качестве тематики для интерьеров сказку Шарля Перро "Спящая красавица". В качестве моделей для панно ему позировали сами Ротшильды. Эти работы Бакста были недоступны широкому зрителю 70 лет.
🔸К выводу о преимуществах чтения лекций перед созданием художественных полотен Леон Бакст пришел в 1923 году, после того как выступил в нью-йоркском отеле Плаза со своей самой известной лекцией о моде и дизайне «L'Art du Costume et les lois, ces applications selon toute individualite». Гонорар за мероприятие составил две тысячи долларов. Текст лекции был опубликован в журнале Vogue. Баксту это дело чрезвычайно понравилось, и он написал сестре, что желает еще таких лекций.
🔸Американский бизнесмен Артур Селиг занимался производством шелка. В 1923 году он заказал Леону Баксту создать рисунки тканей. Но его компаньоны эту инициативу не поддержали. Выбирая между Бакстом и партнерами, Селиг поставил на Бакста — и не прогадал. В итоге он открыл новое дело, сменив в названии компании свою фамилию на Zelig , и открыл магазин в Нью-Йорке. Успех был ошеломительным, Бакст, побывав в магазине, пришел в восторг от такой отличной реализации. А вот бывшие компаньоны Артура Селига вряд ли радовались собственной недальновидности.
Франция при поддержке компании LVMH купила картину Гюстава Кайботта
Произведение было приобретено за $47 млн.
Холст «Гребец в цилиндре» (1877) войдет в коллекцию Музея Орсэ. Картина была продана потомками Кайботта.
Это была одна из немногих крупных работ художника, которая до сих пор оставалась в частных собраниях.
Бернар Арно, владелец LVMH, предоставившей всю сумму для покупки, регулярно фигурирует в списках топ-200 коллекционеров ARTnews.
LVMH поддерживала предыдущие проекты Музея Орсэ, в том числе выставку 2012 года, посвященную импрессионизму и моде.
Это вторая крупная картина Кайботта, которая попала в музейные собрания за последние два года. В ноябре 2021 года, во время продажи произведений импрессионистов на Christie’s, Музей Гетти в Лос-Анджелесе приобрел картину «Молодой человек у окна» (1876) за $53 млн, что стало рекордом для художника.
📸 Гюстав Кайботт. Гребец в цилиндре. 1877. Холст, масло. Музей Орсэ, Париж
Произведение было приобретено за $47 млн.
Холст «Гребец в цилиндре» (1877) войдет в коллекцию Музея Орсэ. Картина была продана потомками Кайботта.
Это была одна из немногих крупных работ художника, которая до сих пор оставалась в частных собраниях.
Бернар Арно, владелец LVMH, предоставившей всю сумму для покупки, регулярно фигурирует в списках топ-200 коллекционеров ARTnews.
LVMH поддерживала предыдущие проекты Музея Орсэ, в том числе выставку 2012 года, посвященную импрессионизму и моде.
Это вторая крупная картина Кайботта, которая попала в музейные собрания за последние два года. В ноябре 2021 года, во время продажи произведений импрессионистов на Christie’s, Музей Гетти в Лос-Анджелесе приобрел картину «Молодой человек у окна» (1876) за $53 млн, что стало рекордом для художника.
📸 Гюстав Кайботт. Гребец в цилиндре. 1877. Холст, масло. Музей Орсэ, Париж
Среди проектов, приуроченных к столетию со дня образования СССР, большая часть которых взяла курс на историческую составляющую темы, выставка в «Манеже», пожалуй, самая грандиозная и многоплановая. Она соединила тринадцать разделов, посвященных архитектуре, живописи, скульптуре, графике, кино, театру, музыке и фотографии.
В экспозиции нашлось место и мозаикам Надежды Ходасевич-Леже, и поискам в области беспредметного искусства (Казимир Малевич), и суровому стилю (Гелий Коржев, Таир Салахов), и эскизам проектов мавзолея, и фотографиям Евгения Халдея, запечатлевшего повседневную жизнь советских граждан.
В экспозиции нашлось место и мозаикам Надежды Ходасевич-Леже, и поискам в области беспредметного искусства (Казимир Малевич), и суровому стилю (Гелий Коржев, Таир Салахов), и эскизам проектов мавзолея, и фотографиям Евгения Халдея, запечатлевшего повседневную жизнь советских граждан.
Бог против вашего успеха и самореализации?
Быть верующим, значит, быть бедным?
Если вы согласны хотя бы с одном из этих утверждений, самое время взглянуть на истории реальных людей в Библии.
Авраам
До встречи с Богом:
Жил в доме своего отца, женился, занимался разведением скота.
После:
Открыл новые земли. Общался с Богом и Ангелами. Зачал ребенка в возрасте ≈100 лет. Стал родоначальником нескольких народов и одним из самых богатых людей на планете в свое время.
Моисей
До встречи с Богом:
Вырос в чужой семье, жил не своей жизнью, совершил преступление, бежал в пустыню, стал пастухом овец, женился.
После:
Освободил от рабства целый народ. Творил невероятные чудеса. Разговаривал с Богом лицом к лицу. Получил 10 заповедей, которые впоследствии стали «моральным кодексом» практически для всего человечества. Написал пять книг Ветхого Завета.
Давид
До встречи с Богом:
Был младшим сыном в семье, пас овец.
После:
Стал великим полководцем и царем Израиля. Написал Псалмы, которые до сих пор поют в церквях по всему миру. Вошёл в историю как царь «по сердцу Божьему».
Матфей
До встречи с Богом:
Предал свой народ, работал на римлян сборщиком податей.
После:
Стал одним из двенадцати апостолов и автором одного из четырех Евангелий. Спустя более 2000 лет его книгу читают миллионы людей ежедневно. Изгонял бесов, исцелял больных и творил другие чудеса.
Быть верующим, значит, быть бедным?
Если вы согласны хотя бы с одном из этих утверждений, самое время взглянуть на истории реальных людей в Библии.
Авраам
До встречи с Богом:
Жил в доме своего отца, женился, занимался разведением скота.
После:
Открыл новые земли. Общался с Богом и Ангелами. Зачал ребенка в возрасте ≈100 лет. Стал родоначальником нескольких народов и одним из самых богатых людей на планете в свое время.
Моисей
До встречи с Богом:
Вырос в чужой семье, жил не своей жизнью, совершил преступление, бежал в пустыню, стал пастухом овец, женился.
После:
Освободил от рабства целый народ. Творил невероятные чудеса. Разговаривал с Богом лицом к лицу. Получил 10 заповедей, которые впоследствии стали «моральным кодексом» практически для всего человечества. Написал пять книг Ветхого Завета.
Давид
До встречи с Богом:
Был младшим сыном в семье, пас овец.
После:
Стал великим полководцем и царем Израиля. Написал Псалмы, которые до сих пор поют в церквях по всему миру. Вошёл в историю как царь «по сердцу Божьему».
Матфей
До встречи с Богом:
Предал свой народ, работал на римлян сборщиком податей.
После:
Стал одним из двенадцати апостолов и автором одного из четырех Евангелий. Спустя более 2000 лет его книгу читают миллионы людей ежедневно. Изгонял бесов, исцелял больных и творил другие чудеса.
#ктородился
Герард Доу – первый ученик Рембрандта
🔸Герард (Геррит) Доу жил и творил в очень благоприятное для художника время. Он родился в 1613 году в городе Лейдене. Отец был мастером по изготовлению витражей, он и дал сыну первые навыки рисования и гравюры. С девяти лет мальчик был отдан на обучение к граверу Варфоломею Долендо, затем повышал мастерство у художника по стеклу Петера Коухорна. Когда же Доу исполнилось пятнадцать, его преподавателем стал Рембрандт, тоже житель Лейдена
🔸Это обстоятельство должно, казалось бы, подчеркнуть особенное дарование и талант молодого лейденца, на самом же деле все обстояло чуть проще – Рембрандту на тот момент было всего лишь двадцать два, и сам он лишь искал свой стиль. Доу вместе со своим наставником участвовал в этих поисках. Первые работы Герарда Доу действительно несут на себе отпечаток ранней манеры Рембрандта. Считается, что на картине «Женщина, читающая Библию» Доу изобразил мать своего учителя, хотя не все искусствоведы придерживаются этого мнения. В 1631 году Рембрандт уехал из родного города в Амстердам, и Доу продолжил свой самостоятельный путь в искусстве.
🔸Большинство картин Доу – маленькие, самым большим стало полотно под названием «Знахарь», 83 на 112 сантиметров. Небольшой размер и большое количество деталей как будто подчеркивали особенную ценность картины. Доу использовал для работы увеличительное стекло, а также собственноручно изготовленные кисти – «тоньше человеческого ногтя», как отзывался о них один из его коллег-художников.
🔸В те времена у Доу не было отбоя от почитателей и покупателей. Он предоставил агенту шведской королевы Питеру Спирингу «право первого отказа», то есть возможность купить любое созданное произведение художника; за это право Спиринг платил Доу ежегодно пятьсот гульденов. Мастер писал и портреты, за работу он брал по шесть гульденов в час. За один день простой рабочий – как, впрочем, и простой художник – в то время получал около одного гульдена.
Герард Доу – первый ученик Рембрандта
🔸Герард (Геррит) Доу жил и творил в очень благоприятное для художника время. Он родился в 1613 году в городе Лейдене. Отец был мастером по изготовлению витражей, он и дал сыну первые навыки рисования и гравюры. С девяти лет мальчик был отдан на обучение к граверу Варфоломею Долендо, затем повышал мастерство у художника по стеклу Петера Коухорна. Когда же Доу исполнилось пятнадцать, его преподавателем стал Рембрандт, тоже житель Лейдена
🔸Это обстоятельство должно, казалось бы, подчеркнуть особенное дарование и талант молодого лейденца, на самом же деле все обстояло чуть проще – Рембрандту на тот момент было всего лишь двадцать два, и сам он лишь искал свой стиль. Доу вместе со своим наставником участвовал в этих поисках. Первые работы Герарда Доу действительно несут на себе отпечаток ранней манеры Рембрандта. Считается, что на картине «Женщина, читающая Библию» Доу изобразил мать своего учителя, хотя не все искусствоведы придерживаются этого мнения. В 1631 году Рембрандт уехал из родного города в Амстердам, и Доу продолжил свой самостоятельный путь в искусстве.
🔸Большинство картин Доу – маленькие, самым большим стало полотно под названием «Знахарь», 83 на 112 сантиметров. Небольшой размер и большое количество деталей как будто подчеркивали особенную ценность картины. Доу использовал для работы увеличительное стекло, а также собственноручно изготовленные кисти – «тоньше человеческого ногтя», как отзывался о них один из его коллег-художников.
🔸В те времена у Доу не было отбоя от почитателей и покупателей. Он предоставил агенту шведской королевы Питеру Спирингу «право первого отказа», то есть возможность купить любое созданное произведение художника; за это право Спиринг платил Доу ежегодно пятьсот гульденов. Мастер писал и портреты, за работу он брал по шесть гульденов в час. За один день простой рабочий – как, впрочем, и простой художник – в то время получал около одного гульдена.
🌳Есть ли у вас фотография, где первый план занимает ветка дерева?
Этот эффектный прием был введен классиком пикториализма Юрием Ерёминым и одно время так и назывался — «ерёминская ветка». Один из его известнейших снимков «Гурзуф» был сделан в Крыму в 1920-х годах. Фотограф вспоминал, что туманы в Крыму случались нечасто и ему пришлось долго ждать нужной погоды, чтобы сделать снимок. Наконец туман сгустился, но совсем не надолго: фотограф успел сделать единственный кадр - и он оказался удачным.
С помощью тонального контраста переднего и дальнего планов, Еремин создал ощущение глубины кадра и сумел передать «туманный воздух». Этот прием не только дал снимку воздушную перспективу, но и позволил лучше представить, что же находится за пределами — что помимо береговой линии где-то на возвышении раскинулся лес. Так, с помощью одной лишь ветки дерева изображенный пейзаж стал шире и объемнее.
Фотография экспонировалась на выставках в 27 странах и получила 14 наград, а ветка на переднем плане стала расхожим композиционным приемом в мировой фотографии. Снимок «Гурзуф» был показан в МАММ в 2014 году на выставке фотографий Юрия Еремина.
Делитесь в комментариях своими фотографиями с «ереминской веткой»!
📸 Юрий Ерёмин. Гурзуф. Авинда. 1920-е.
Этот эффектный прием был введен классиком пикториализма Юрием Ерёминым и одно время так и назывался — «ерёминская ветка». Один из его известнейших снимков «Гурзуф» был сделан в Крыму в 1920-х годах. Фотограф вспоминал, что туманы в Крыму случались нечасто и ему пришлось долго ждать нужной погоды, чтобы сделать снимок. Наконец туман сгустился, но совсем не надолго: фотограф успел сделать единственный кадр - и он оказался удачным.
С помощью тонального контраста переднего и дальнего планов, Еремин создал ощущение глубины кадра и сумел передать «туманный воздух». Этот прием не только дал снимку воздушную перспективу, но и позволил лучше представить, что же находится за пределами — что помимо береговой линии где-то на возвышении раскинулся лес. Так, с помощью одной лишь ветки дерева изображенный пейзаж стал шире и объемнее.
Фотография экспонировалась на выставках в 27 странах и получила 14 наград, а ветка на переднем плане стала расхожим композиционным приемом в мировой фотографии. Снимок «Гурзуф» был показан в МАММ в 2014 году на выставке фотографий Юрия Еремина.
Делитесь в комментариях своими фотографиями с «ереминской веткой»!
📸 Юрий Ерёмин. Гурзуф. Авинда. 1920-е.
А я к вам с загадкой 🙃
Перед вами автопортрет Рубенса с его первой женой Изабеллой Брант. 1609 год, пара только поженилась.
По сути, это свадебный портрет, и критики обычно интерпетируют его как иллюстрацию брака равных людей (обратите внимание на жест их рук: она не вложила свою ладонь в его, как это было, например, в «Портрете четы Арнольфини» у ван Эйка, а накрыла сверху).
Но я хочу обратить ваше внимание на другую деталь. Левой рукой Рубенс держит шпагу, которую в его время во Фландрии не всякий имел право носить. Это очень важный момент, который, возможно, вообще меняет смысл всей картины.
Как думаете, зачем Рубенс изобразил себя именно с этим аксессуаром?
P.S те кто были на моих лекциях, уверена, что помнят правильный ответ. Поэтому прошу вас не писать его в комментариях🙏
Перед вами автопортрет Рубенса с его первой женой Изабеллой Брант. 1609 год, пара только поженилась.
По сути, это свадебный портрет, и критики обычно интерпетируют его как иллюстрацию брака равных людей (обратите внимание на жест их рук: она не вложила свою ладонь в его, как это было, например, в «Портрете четы Арнольфини» у ван Эйка, а накрыла сверху).
Но я хочу обратить ваше внимание на другую деталь. Левой рукой Рубенс держит шпагу, которую в его время во Фландрии не всякий имел право носить. Это очень важный момент, который, возможно, вообще меняет смысл всей картины.
Как думаете, зачем Рубенс изобразил себя именно с этим аксессуаром?
P.S те кто были на моих лекциях, уверена, что помнят правильный ответ. Поэтому прошу вас не писать его в комментариях🙏
В год, когда был написан этот автопортрет, Рубенс был на заре своей карьеры художника. Подавал большие надежды, но все-таки это еще не тот Рубенс, о котором мы привыкли читать в учебниках))
Добавим к этому пару нюансов в положении художников в обществе: их относительно недавно перестали считать ремесленниками.
Шпага - как атрибут дворянского титула и высокого положения обществе - говорит нам об амбициях Рубенса. Он как бы заявляет зрителю: я успешен и стану еще успешнее. У меня хороший брак, жена - благопристойная дворянка с хорошим положением в обществе, я талантлив и честолюбив. Сегодня вы заказываете мне картины, а завтра я буду стоять с вами на одной ступени в социальной иерархии.
Как вам такой ход?)
P.S. Кстати, к слову о дворянском титуле Рубенса: по одной версии, он был из дворян, но обедневших. По другой, просто из семьи приличных буржуа. В любом случае, права носить рыцарскую шпагу у него тогда еще не было 😎
Добавим к этому пару нюансов в положении художников в обществе: их относительно недавно перестали считать ремесленниками.
Шпага - как атрибут дворянского титула и высокого положения обществе - говорит нам об амбициях Рубенса. Он как бы заявляет зрителю: я успешен и стану еще успешнее. У меня хороший брак, жена - благопристойная дворянка с хорошим положением в обществе, я талантлив и честолюбив. Сегодня вы заказываете мне картины, а завтра я буду стоять с вами на одной ступени в социальной иерархии.
Как вам такой ход?)
P.S. Кстати, к слову о дворянском титуле Рубенса: по одной версии, он был из дворян, но обедневших. По другой, просто из семьи приличных буржуа. В любом случае, права носить рыцарскую шпагу у него тогда еще не было 😎
🎨В Музее русского импрессионизма открыли выставку «Отличники».
🖼Если коротко- она посвящена европейским путешествиям отечественных художников — выпускников Императорской Академии художеств и Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
Проект покажет, как художники переосмысляли приемы европейских мастеров, какой опыт получали за границей и как их поездки повлияли на отечественное искусство в целом.
Посетители увидят работы Бориса Кустодиева, Исаака Бродского, Михаила Демьянова, Александра Яковлева, Василия Шухаева и других художников из собраний федеральных и региональных музеев, а также из частных коллекций.
Отдельный раздел выставки посвящен творчеству европейских живописцев, чьи имена встречаются в письмах и воспоминаниях русских художников о зарубежных поездках. На третьем этаже музея можно увидеть картины Камиля Коро, Гюстава Курбе, Эжена Каррьера, Франца фон Штука и других художников из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина.
Таким образом выставка станет прекрасной возможностью для зрителя проследить эволюция русского искусства и раскрыть его самобытность
📌С 9 февраля по 21 мая
🖼Если коротко- она посвящена европейским путешествиям отечественных художников — выпускников Императорской Академии художеств и Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
Проект покажет, как художники переосмысляли приемы европейских мастеров, какой опыт получали за границей и как их поездки повлияли на отечественное искусство в целом.
Посетители увидят работы Бориса Кустодиева, Исаака Бродского, Михаила Демьянова, Александра Яковлева, Василия Шухаева и других художников из собраний федеральных и региональных музеев, а также из частных коллекций.
Отдельный раздел выставки посвящен творчеству европейских живописцев, чьи имена встречаются в письмах и воспоминаниях русских художников о зарубежных поездках. На третьем этаже музея можно увидеть картины Камиля Коро, Гюстава Курбе, Эжена Каррьера, Франца фон Штука и других художников из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина.
Таким образом выставка станет прекрасной возможностью для зрителя проследить эволюция русского искусства и раскрыть его самобытность
📌С 9 февраля по 21 мая
Давайте начнем утро с угадайки! Многие слышали о меняющейся символике предметов в разных странах и эпохах. Мы приготовили об этом мини-сериал из 3 постов, а пока проверьте свою интуицию. Кольцо никогда не было символом:
Anonymous Poll
13%
неограниченной власти
6%
принадлежности к определенному роду
2%
статуса и положения в обществе
8%
укрепления брачного союза
2%
особенной привилегированности
34%
напомания о бренности бытия
5%
знака избранности
38%
Все ответы правильные!
Ответ на угадайку👇
Предлагаем проследить символическое значение предметов, изображенных на полотнах разных эпох. Начнем с обычного кольца на палец.
🔺В античные времена кольцо символизировало статус и положение в обществе. В Древнем Риме его могли носить только сенаторы и всадники. Кольцо передавали в знак признания власти и победы над соперником. В XIII веке появился перстень Папы Римского — “кольцо рыбака” — символ неограниченной власти.
🔸В Древнем Египте носили печатные кольца с именной подписью, чтобы показать свою принадлежность к знатному роду. Эта традиция не умерла. Мастер эпохи Возрождения Лоренцо Лотто в 1518 году написал “Портрет Лючины Брембати”, на котором можно разглядеть кольцо с гербом семьи на левой руке девушки. Это украшение хранит в себе память о роде.
🔹В XVI-XVII веках кольцо приобретает более драматичное значение. Черные перстни с изображениями черепа или скелета стали дарить в память об ушедших как напоминания о бренности бытия. Давайте посмотрим на “Портрет Генри Ризли”, который написал Джон де Критс в 1603 году. А точнее, на левую руку персонажа с черным перстнем на мизинце.
История там такая: Ризли приговорили к казни за участие в заговоре против королевы Елизаветы I, возглавляемом графом Эссексом, но смерть заменили на пожизненное заключение. Генри Ризли освободили в 1603 году после восшествия на престол Якова I, тогда и был написан портрет. Но вот графа Эссекса казнили, и кольцо на пальце Ризли — символ этой утраты.
🔻Обычай обмениваться кольцами в знак укрепления брачного союза зародился еще в Древнем Египте. В старину на Руси новобрачные надевали кольцо на указательный палец правой руки. Обратите внимание, на картине Василия Пукирева “Неравный брак” невеста протягивает священнику именно этот палец
Кстати, по еврейским традициям невесте до сих пор надевают кольцо на указательный палец правой руки. Тут самое время вспомнить картину Рембрандта “Еврейская невеста”. Несколько столетий искусствоведы спорили, кто изображен на этом портрете. Возможно именно по кольцу на указательном пальце они все-таки сошлись во мнении, что это невеста.
🔸Солидные печатки носили на указательном пальце и мужчины, как символ власти и привилегированности. Взгляните на “Портрет Короля Генриха VIII Тюдора” кисти Ганса Гольбейна. Перстни красуются у него на указательных пальцах обеих рук. А Пушкин, например, носил сразу два кольца: на большом и указательном пальцах, как знак своей избранности. Это хорошо видно на его портрете, который написал Василий Тропинин.
Сегодня сакральные значения ношения украшений уже утратились, но сохранилась традиция обмениваться обручальными кольцами. Однако, я думаю, у каждой из нас в шкатулке есть памятное украшение, которое мы бережно храним😊 Расскажите в чате о вашем “талисмане”, мне очень интересно❤️ И скажите, как вам идея моего мини-сериала? 👍 или 👎?
Пост с картинками внизу 👇
Предлагаем проследить символическое значение предметов, изображенных на полотнах разных эпох. Начнем с обычного кольца на палец.
🔺В античные времена кольцо символизировало статус и положение в обществе. В Древнем Риме его могли носить только сенаторы и всадники. Кольцо передавали в знак признания власти и победы над соперником. В XIII веке появился перстень Папы Римского — “кольцо рыбака” — символ неограниченной власти.
🔸В Древнем Египте носили печатные кольца с именной подписью, чтобы показать свою принадлежность к знатному роду. Эта традиция не умерла. Мастер эпохи Возрождения Лоренцо Лотто в 1518 году написал “Портрет Лючины Брембати”, на котором можно разглядеть кольцо с гербом семьи на левой руке девушки. Это украшение хранит в себе память о роде.
🔹В XVI-XVII веках кольцо приобретает более драматичное значение. Черные перстни с изображениями черепа или скелета стали дарить в память об ушедших как напоминания о бренности бытия. Давайте посмотрим на “Портрет Генри Ризли”, который написал Джон де Критс в 1603 году. А точнее, на левую руку персонажа с черным перстнем на мизинце.
История там такая: Ризли приговорили к казни за участие в заговоре против королевы Елизаветы I, возглавляемом графом Эссексом, но смерть заменили на пожизненное заключение. Генри Ризли освободили в 1603 году после восшествия на престол Якова I, тогда и был написан портрет. Но вот графа Эссекса казнили, и кольцо на пальце Ризли — символ этой утраты.
🔻Обычай обмениваться кольцами в знак укрепления брачного союза зародился еще в Древнем Египте. В старину на Руси новобрачные надевали кольцо на указательный палец правой руки. Обратите внимание, на картине Василия Пукирева “Неравный брак” невеста протягивает священнику именно этот палец
Кстати, по еврейским традициям невесте до сих пор надевают кольцо на указательный палец правой руки. Тут самое время вспомнить картину Рембрандта “Еврейская невеста”. Несколько столетий искусствоведы спорили, кто изображен на этом портрете. Возможно именно по кольцу на указательном пальце они все-таки сошлись во мнении, что это невеста.
🔸Солидные печатки носили на указательном пальце и мужчины, как символ власти и привилегированности. Взгляните на “Портрет Короля Генриха VIII Тюдора” кисти Ганса Гольбейна. Перстни красуются у него на указательных пальцах обеих рук. А Пушкин, например, носил сразу два кольца: на большом и указательном пальцах, как знак своей избранности. Это хорошо видно на его портрете, который написал Василий Тропинин.
Сегодня сакральные значения ношения украшений уже утратились, но сохранилась традиция обмениваться обручальными кольцами. Однако, я думаю, у каждой из нас в шкатулке есть памятное украшение, которое мы бережно храним😊 Расскажите в чате о вашем “талисмане”, мне очень интересно❤️ И скажите, как вам идея моего мини-сериала? 👍 или 👎?
Пост с картинками внизу 👇