ОТВЕТ НА ЗАГАДКУ
Нож для приготовления пирогов.
С помощью такого ножа можно «обжимать» коржи для пирога, проделывать отверстия в верхней части коржа для выхода пара, а также создавать декоративные узоры на коржах.
Аж готовить захотелось 🥧
Нож для приготовления пирогов.
С помощью такого ножа можно «обжимать» коржи для пирога, проделывать отверстия в верхней части коржа для выхода пара, а также создавать декоративные узоры на коржах.
Аж готовить захотелось 🥧
О чем думает девушка в белом платье?
Любовь по расчету невозможна, а вот брак – вполне. В XIX веке состоятельные мужчины в возрасте часто искали молодых жен, и семьи девушек поощряли такие союзы. Русские художники не раз обращались к подобным сюжетам. В таких случаях свадьба была не праздником любви, а своеобразной сделкой, актом купли-продажи. Выдавая дочь за богача, семья получала связи и уверенность, что ребенок не будет нуждаться. Но неужели деньги важнее эмоциональной привязанности?
На картине Владимира Маковского «К венцу (Прощание)» (1894) отец поводит время с дочерью перед церемонией. По выражению лиц заметно, что брак заключается не по любви.
В основе сцены «Прерванное венчание (Двоеженец)» (1877, Национальный музей искусств Азербайджана) Василия Пукирева лежит иная драма. Свадьба становится невозможной: выясняется, что у жениха уже есть другая женщина.
«Сватовство майора» (1848, Третьяковская галерея) Павла Федотова посвящено третьему аспекту браков по расчету. Жених беден, но с титулом, в невестах – купеческая дочка. В середине XIX века подобные свадьбы случались нередко. Жених в результате получал деньги, купец – связь с дворянством. В сцене, написанной Федотовым, майор стоит в дверях, а девушка боится встречи и готова бежать, но мать удерживает ее за юбку. По-моему, спокойствие в этот момент сохраняет только кот. Вы его сразу заметили?
Любовь по расчету невозможна, а вот брак – вполне. В XIX веке состоятельные мужчины в возрасте часто искали молодых жен, и семьи девушек поощряли такие союзы. Русские художники не раз обращались к подобным сюжетам. В таких случаях свадьба была не праздником любви, а своеобразной сделкой, актом купли-продажи. Выдавая дочь за богача, семья получала связи и уверенность, что ребенок не будет нуждаться. Но неужели деньги важнее эмоциональной привязанности?
На картине Владимира Маковского «К венцу (Прощание)» (1894) отец поводит время с дочерью перед церемонией. По выражению лиц заметно, что брак заключается не по любви.
В основе сцены «Прерванное венчание (Двоеженец)» (1877, Национальный музей искусств Азербайджана) Василия Пукирева лежит иная драма. Свадьба становится невозможной: выясняется, что у жениха уже есть другая женщина.
«Сватовство майора» (1848, Третьяковская галерея) Павла Федотова посвящено третьему аспекту браков по расчету. Жених беден, но с титулом, в невестах – купеческая дочка. В середине XIX века подобные свадьбы случались нередко. Жених в результате получал деньги, купец – связь с дворянством. В сцене, написанной Федотовым, майор стоит в дверях, а девушка боится встречи и готова бежать, но мать удерживает ее за юбку. По-моему, спокойствие в этот момент сохраняет только кот. Вы его сразу заметили?
Когда свадьба???
Этот вопрос родственники задают девушкам по всей земле, даже на Таити.
В 2015 году картина Гогена «Когда свадьба?» (1892) была продана Музейному ведомству Катара за $210 млн (изначально ходили слухи, что за 300). Гогену позировала таитянская жена Техура, которой в то время было 13 лет.
Прическу девушки в цветастом парео украшает цветок за ухом. По местной традиции этот символ сообщал: она ищет жениха. Вторая героиня одета в
наряд по европейской моде, которую на Таити принесли христианские миссионеры.
Есть несколько трактовок композиции. Одни считают, что Гоген изобразил двух подруг, чтобы подчеркнуть встречу культур, другие полагают, что девушка в розовом – это своеобразный ангел-хранитель героини с цветком, который защищает ее от необдуманных поступков. Можно предположить, что главный персонаж здесь – потенциальная невеста, но ведь Гоген поместил в центр картины не ее, а девушку в розовом…
Этот вопрос родственники задают девушкам по всей земле, даже на Таити.
В 2015 году картина Гогена «Когда свадьба?» (1892) была продана Музейному ведомству Катара за $210 млн (изначально ходили слухи, что за 300). Гогену позировала таитянская жена Техура, которой в то время было 13 лет.
Прическу девушки в цветастом парео украшает цветок за ухом. По местной традиции этот символ сообщал: она ищет жениха. Вторая героиня одета в
наряд по европейской моде, которую на Таити принесли христианские миссионеры.
Есть несколько трактовок композиции. Одни считают, что Гоген изобразил двух подруг, чтобы подчеркнуть встречу культур, другие полагают, что девушка в розовом – это своеобразный ангел-хранитель героини с цветком, который защищает ее от необдуманных поступков. Можно предположить, что главный персонаж здесь – потенциальная невеста, но ведь Гоген поместил в центр картины не ее, а девушку в розовом…
Выставки Марта
«Всеобщий язык»
История многовекового общения народов через искусство и старинные документы.
До 19 марта, успевайте в последний вагон!
📍Пушкинский музей, Волхонка, 12
«Метанойя»
Выставка Алины Федотовой под кураторством Нади Октябрь, в которой художница обращается к теме экологии и нравственности. Интригующая выставка, учитывая, что художница – океанолог и научный сотрудник Института океанологии РАН.
📍SISTEMA Gallery, Бобров переулок, 4 строение 3
«Мой учитель Леонардо»
Выставка, посвященная творчеству гениального московского художника Анатолия Зверева с неопубликованными трактатами.
📍Музей AZ, 2-ая Тверская-Ямская, 20-22
«Коробка в форме сердца»
Выставка молодой уральской художницы Алисы Горшениной в VLADEY. Основное направление ее творчества — «самоискусствление» — сращивание ее самой с созданными ей произведениями. Каждая из работ выставки — автопортреты-метафоры, артефакты личного архива эмоций.
📍4-й Сыромятнический переулок 1/8с9
«Портреты света»
Персональная выставка Марии Джонас Фарел, которая открылась недавно в новой Postrigay Gallery в Cube.Moscow! В экспозиции представлены работы в смешанной технике, которые помогают зрителю вырваться из рамок собственного восприятия и увидеть уникальность привычного явления.
📍Тверская, 3
«Всеобщий язык»
История многовекового общения народов через искусство и старинные документы.
До 19 марта, успевайте в последний вагон!
📍Пушкинский музей, Волхонка, 12
«Метанойя»
Выставка Алины Федотовой под кураторством Нади Октябрь, в которой художница обращается к теме экологии и нравственности. Интригующая выставка, учитывая, что художница – океанолог и научный сотрудник Института океанологии РАН.
📍SISTEMA Gallery, Бобров переулок, 4 строение 3
«Мой учитель Леонардо»
Выставка, посвященная творчеству гениального московского художника Анатолия Зверева с неопубликованными трактатами.
📍Музей AZ, 2-ая Тверская-Ямская, 20-22
«Коробка в форме сердца»
Выставка молодой уральской художницы Алисы Горшениной в VLADEY. Основное направление ее творчества — «самоискусствление» — сращивание ее самой с созданными ей произведениями. Каждая из работ выставки — автопортреты-метафоры, артефакты личного архива эмоций.
📍4-й Сыромятнический переулок 1/8с9
«Портреты света»
Персональная выставка Марии Джонас Фарел, которая открылась недавно в новой Postrigay Gallery в Cube.Moscow! В экспозиции представлены работы в смешанной технике, которые помогают зрителю вырваться из рамок собственного восприятия и увидеть уникальность привычного явления.
📍Тверская, 3
AZ Museum
Мой учитель Леонардо
В Музее AZ откроется масштабная выставка «Мой учитель Леонардо» — это уже одиннадцатый проект музея, посвященный легендарному московскому художнику Анатолию Звереву. Одним из главных событий этой выставки станет показ архивного собрания трактатов Зверева…
Любовь и голуби в жизни Пикассо 🕊️
Основам рисунка маленький Пабло научился у отца, учителя рисования Хосе Руиса Бласко. Согласно распространенной арт-байке, однажды Пабло написал на картине родителя голубей. Тот настолько впечатлился талантом сына, что бросил искусство.
Любовь к разведению голубей основатель кубизма тоже унаследовал от отца.
Первый вариант "Голубя мира" нарисован с птицы, подаренной Матиссом. Этот реалистичный рисунок выбрал для афиши Конгресса движения за мир, проходившего в 1949 году, писатель и общественный деятель Луи Арагон. Самый известный вариант эмблемы – летящего голубя с веточкой оливы в клюве – художник создал спустя 10 с лишним лет.
Дочь Пикассо и Француазы Жило родилась в день открытия Конгресса. Ее назвали Паломой, что с испанского переводится как «голубка». Ирония в том, что Пикассо всю жизнь наблюдал за голубями и не считал их миролюбивыми. Однажды его птицы накинулись на новоприбывшую голубку, которая им не понравилась, и просто разорвали ее.
Возможно, воспоминания об этой сцене вдохновили мастера на картину «Птицы в клетке» (1937). Это метафора сражения двух женщин Пикассо: Марии-Терезы Вальтер и Доры Маар. Как-то Мария-Тереза пришла в мастерскую художника, где он работал над «Герникой», и застала там Дору Маар. Девушка потребовала от мастера определиться, но Пикассо сказал, что не станет никого выбирать: «Можете за меня побороться».
На фото: «Ребенок и голубь» (1901), фото Пикассо в детстве (ок. 1886), «Птицы в клетке» (1937), «Голубь мира» 1949 и 1966.
Любовь и голуби в жизни Пикассо 🕊️
Основам рисунка маленький Пабло научился у отца, учителя рисования Хосе Руиса Бласко. Согласно распространенной арт-байке, однажды Пабло написал на картине родителя голубей. Тот настолько впечатлился талантом сына, что бросил искусство.
Любовь к разведению голубей основатель кубизма тоже унаследовал от отца.
Первый вариант "Голубя мира" нарисован с птицы, подаренной Матиссом. Этот реалистичный рисунок выбрал для афиши Конгресса движения за мир, проходившего в 1949 году, писатель и общественный деятель Луи Арагон. Самый известный вариант эмблемы – летящего голубя с веточкой оливы в клюве – художник создал спустя 10 с лишним лет.
Дочь Пикассо и Француазы Жило родилась в день открытия Конгресса. Ее назвали Паломой, что с испанского переводится как «голубка». Ирония в том, что Пикассо всю жизнь наблюдал за голубями и не считал их миролюбивыми. Однажды его птицы накинулись на новоприбывшую голубку, которая им не понравилась, и просто разорвали ее.
Возможно, воспоминания об этой сцене вдохновили мастера на картину «Птицы в клетке» (1937). Это метафора сражения двух женщин Пикассо: Марии-Терезы Вальтер и Доры Маар. Как-то Мария-Тереза пришла в мастерскую художника, где он работал над «Герникой», и застала там Дору Маар. Девушка потребовала от мастера определиться, но Пикассо сказал, что не станет никого выбирать: «Можете за меня побороться».
На фото: «Ребенок и голубь» (1901), фото Пикассо в детстве (ок. 1886), «Птицы в клетке» (1937), «Голубь мира» 1949 и 1966.
Британский художник Jake Chapman создал серию работ "Spare prick at a royal wedding", где высмеивает мемуары принца Гарри.
Мы нет-нет, да и следим иногда за британскими роялами (после интервью Опре игнорировать Меган и Гарри стало просто невозможно). 10 января младший сын леди Ди выпустил книгу "Spare" о жизни в королевской семье, над обложкой которого и поработал художник))
Продает свои mockery, кстати, недешево — от 1000 до 3500 фунтов
Мы нет-нет, да и следим иногда за британскими роялами (после интервью Опре игнорировать Меган и Гарри стало просто невозможно). 10 января младший сын леди Ди выпустил книгу "Spare" о жизни в королевской семье, над обложкой которого и поработал художник))
Продает свои mockery, кстати, недешево — от 1000 до 3500 фунтов
Для чего Энди Уорхол увековечил суп?
В 60-х годах пару-тройку банок консервированного супа Campbell’s можно было найти на любой американской кухне. Продукт стал спасением домохозяек: добавляешь воды, разогреваешь – и обед готов! В этом и заключалась ирония Уорхола: он продемонстрировал, что суп быстрого приготовления стал одним из символов, которые объединяют всех членов общества потребления.
Энди Уорхол, который пришел в мир искусства после большого успеха в мире рекламы, умел играть с понятными образами и эмоциями публики. Он знал, как поднять узнаваемость продукта и использовал эти навыки, чтобы сделать популярным себя и свои творения.
Инсталляция «Банки с супом Кэмпбелл» (Campbell’s Soup Cans, Нью-Йоркский музей современного искусства) была презентована в 1962 году. Она состоит из 32 картин, на которых изображены банки с супом разных вкусов: овощной, куриный, грибной…
На то время в США в моде был абстрактный экспрессионизм, ярким примером которого являются картины Джексона Поллока. Это сложное к восприятию искусство. Уорхол же предложил зрителю нечто противоположное: он брал понятные предметы массового производства и возводил их в ранг арт-объектов.
Знаете, как Уорхол аргументировал свою любовь к Кока-Коле и супу Campbell’s? Ему нравилось, что эти продукты всегда имеют одинаковый вкус независимо от того, кто их употребляет – богач или бедняк.
Чем больше я читаю про Уорхола, тем больше понимаю, насколько интересной личностью он был, но не успел раскрыть нам даже сотой части своих секретов… А как вы относитесь к поп-арту и Энди Уорхолу?
В 60-х годах пару-тройку банок консервированного супа Campbell’s можно было найти на любой американской кухне. Продукт стал спасением домохозяек: добавляешь воды, разогреваешь – и обед готов! В этом и заключалась ирония Уорхола: он продемонстрировал, что суп быстрого приготовления стал одним из символов, которые объединяют всех членов общества потребления.
Энди Уорхол, который пришел в мир искусства после большого успеха в мире рекламы, умел играть с понятными образами и эмоциями публики. Он знал, как поднять узнаваемость продукта и использовал эти навыки, чтобы сделать популярным себя и свои творения.
Инсталляция «Банки с супом Кэмпбелл» (Campbell’s Soup Cans, Нью-Йоркский музей современного искусства) была презентована в 1962 году. Она состоит из 32 картин, на которых изображены банки с супом разных вкусов: овощной, куриный, грибной…
На то время в США в моде был абстрактный экспрессионизм, ярким примером которого являются картины Джексона Поллока. Это сложное к восприятию искусство. Уорхол же предложил зрителю нечто противоположное: он брал понятные предметы массового производства и возводил их в ранг арт-объектов.
Знаете, как Уорхол аргументировал свою любовь к Кока-Коле и супу Campbell’s? Ему нравилось, что эти продукты всегда имеют одинаковый вкус независимо от того, кто их употребляет – богач или бедняк.
Чем больше я читаю про Уорхола, тем больше понимаю, насколько интересной личностью он был, но не успел раскрыть нам даже сотой части своих секретов… А как вы относитесь к поп-арту и Энди Уорхолу?
#ктородился
Рауль Дюфи
У него были все шансы стать одним из тех художников, чьи картины практически не продавались при жизни автора, а сегодня уходят с молотка на аукционах за миллионы долларов. Он любил жизнерадостные сюжеты: пляжный отдых и скачки, виды Ривьеры, музыкальные вечера, морские пейзажи
Критики ругали его за несерьезность, а его картины продавались плохо. Финансовое положение было плачевным, но встреча с модельером Полем Пуаре изменила все
Пуаре вошел в историю как кутюрье, освободивший женщин от корсетов. Увидев работы Дюфи, он предложил разрабатывать для него эскизы тканей. Он подошел к новой для себя работе со всей серьезностью. Посещал химические лаборатории и наблюдал за процессом тканевой печати, экспериментировал с декоративными эффектами, добиваясь ясности и лаконичности цветов. Еще вчера утонченные парижские дамы не обращали никакого внимания на живопись Дюфи, а сегодня уже выстраивались в очередь, чтобы за любые деньги купить шарф с его дизайном!
Скоро Дюфи переманила к себе лионская компания по производству шелковых тканей. Там его ждал пост главного художника и хорошие деньги. Во время Первой мировой войны он делал плакаты и гравюры для журналов,а потом снова вернулся к созданию тканей
Несмотря на комфортную жизнь и признание в качестве дизайнера, в душе Рауль Дюфи всегда оставался художником. Обеспечив себе финансовую независимость за счет создания эскизов тканей, он смог снять домик, вместе с женой перебраться на Ривьеру и вернуться к живописи. Художник говорил, что лучше всего ему пишется у моря. Видимо, поэтому на его полотнах так много синего цвета
Однажды Рауль Дюфи и вовсе перехватил заказ у Пабло Пикассо. Все тот же Поль Пуаре познакомил Дюфи с Гийомом Аполлинером. В тот момент поэт планировал издать сборник своих стихов «Бестиарий или Кортеж Орфея» и заказал иллюстрации у Пикассо. Только вот знаменитый испанец так долго не приступал к работе, что Аполлинер решил отдать заказ Раулю Дюфи. Результатом его работы стали 30 квадратных гравюр с изображением животных, птиц и рыб
Рауль Дюфи
У него были все шансы стать одним из тех художников, чьи картины практически не продавались при жизни автора, а сегодня уходят с молотка на аукционах за миллионы долларов. Он любил жизнерадостные сюжеты: пляжный отдых и скачки, виды Ривьеры, музыкальные вечера, морские пейзажи
Критики ругали его за несерьезность, а его картины продавались плохо. Финансовое положение было плачевным, но встреча с модельером Полем Пуаре изменила все
Пуаре вошел в историю как кутюрье, освободивший женщин от корсетов. Увидев работы Дюфи, он предложил разрабатывать для него эскизы тканей. Он подошел к новой для себя работе со всей серьезностью. Посещал химические лаборатории и наблюдал за процессом тканевой печати, экспериментировал с декоративными эффектами, добиваясь ясности и лаконичности цветов. Еще вчера утонченные парижские дамы не обращали никакого внимания на живопись Дюфи, а сегодня уже выстраивались в очередь, чтобы за любые деньги купить шарф с его дизайном!
Скоро Дюфи переманила к себе лионская компания по производству шелковых тканей. Там его ждал пост главного художника и хорошие деньги. Во время Первой мировой войны он делал плакаты и гравюры для журналов,а потом снова вернулся к созданию тканей
Несмотря на комфортную жизнь и признание в качестве дизайнера, в душе Рауль Дюфи всегда оставался художником. Обеспечив себе финансовую независимость за счет создания эскизов тканей, он смог снять домик, вместе с женой перебраться на Ривьеру и вернуться к живописи. Художник говорил, что лучше всего ему пишется у моря. Видимо, поэтому на его полотнах так много синего цвета
Однажды Рауль Дюфи и вовсе перехватил заказ у Пабло Пикассо. Все тот же Поль Пуаре познакомил Дюфи с Гийомом Аполлинером. В тот момент поэт планировал издать сборник своих стихов «Бестиарий или Кортеж Орфея» и заказал иллюстрации у Пикассо. Только вот знаменитый испанец так долго не приступал к работе, что Аполлинер решил отдать заказ Раулю Дюфи. Результатом его работы стали 30 квадратных гравюр с изображением животных, птиц и рыб
#вэтотдень
23 Март 1841 года открыто первое фотоателье в Европе - предшественник студии полиграфии и дизайна.
23 Марта 1841 года в Лондоне Ричард Биэрд открыл первое в Европе фотоателье. Похожее ателье появилось на год раньше и в Америке в Нью-Йорке. Его открыл Александр Уолкоттом. Появление такой организации как фотоателье положило начало развитию это ремесла, которое сейчас уже переросло в крупные студии фотографии, рекламы, дизайна и полиграфии одновременно, представителем которым и является наша компания.
Этот вид бизнеса зародился очень давно, сначала в Америке, а потом и в Европе. С момента появления он всегда был и будет востребован, пока общество не измениться настолько, что исчезнут бумажные рекламные носители и не будет необходимости что-либо фотографировать. Хотя, такое общество сложно себе представать. Времена могут быть разные, но даже в самое сложное время без таких организаций не обойтись и они всегда находят своего клиента. Жизнь идет и всегда хочется некоторые её моменты сохранить навсегда и не только в своей памяти, но и в фотографии, которую можно показать другим. И именно такие фотографии, которые хочется показывать другим, являются лучшей основой для рекламы.
23 Март 1841 года открыто первое фотоателье в Европе - предшественник студии полиграфии и дизайна.
23 Марта 1841 года в Лондоне Ричард Биэрд открыл первое в Европе фотоателье. Похожее ателье появилось на год раньше и в Америке в Нью-Йорке. Его открыл Александр Уолкоттом. Появление такой организации как фотоателье положило начало развитию это ремесла, которое сейчас уже переросло в крупные студии фотографии, рекламы, дизайна и полиграфии одновременно, представителем которым и является наша компания.
Этот вид бизнеса зародился очень давно, сначала в Америке, а потом и в Европе. С момента появления он всегда был и будет востребован, пока общество не измениться настолько, что исчезнут бумажные рекламные носители и не будет необходимости что-либо фотографировать. Хотя, такое общество сложно себе представать. Времена могут быть разные, но даже в самое сложное время без таких организаций не обойтись и они всегда находят своего клиента. Жизнь идет и всегда хочется некоторые её моменты сохранить навсегда и не только в своей памяти, но и в фотографии, которую можно показать другим. И именно такие фотографии, которые хочется показывать другим, являются лучшей основой для рекламы.
Ай Вэйвэй создал из Lego вариант картины Клода Моне
Новая 15-метровая работа появится на крупнейшей за последние восемь лет ретроспективе художника в Британии, которая пройдет в Музее дизайна. «Кувшинки №1» стала самым большим его произведением, собранным из Lego, с тех пор как он впервые обратился к этой технике в 2014 году для создания портретов политзаключенных.
Художник изменил цвета по сравнению с оригиналом Моне. Также он персонализировал свою версию: в правой части работы Ай Вэйвэй поместил темный портал — вход в землянку в Синьцзяне, где он и его отец, поэт Ай Цин, жили в принудительном изгнании в 1960-х годах.
«Игрушечные кубики как материал с их качествами прочности и способности к деконструкции отражают атрибуты языка в нашу быстро развивающуюся эпоху, когда человеческое сознание постоянно разделяется», — пояснил свой замысел художник.
Новая 15-метровая работа появится на крупнейшей за последние восемь лет ретроспективе художника в Британии, которая пройдет в Музее дизайна. «Кувшинки №1» стала самым большим его произведением, собранным из Lego, с тех пор как он впервые обратился к этой технике в 2014 году для создания портретов политзаключенных.
Художник изменил цвета по сравнению с оригиналом Моне. Также он персонализировал свою версию: в правой части работы Ай Вэйвэй поместил темный портал — вход в землянку в Синьцзяне, где он и его отец, поэт Ай Цин, жили в принудительном изгнании в 1960-х годах.
«Игрушечные кубики как материал с их качествами прочности и способности к деконструкции отражают атрибуты языка в нашу быстро развивающуюся эпоху, когда человеческое сознание постоянно разделяется», — пояснил свой замысел художник.