ОТВЕТ НА ЗАГАДКУ
Нож для приготовления пирогов.
С помощью такого ножа можно «обжимать» коржи для пирога, проделывать отверстия в верхней части коржа для выхода пара, а также создавать декоративные узоры на коржах.
Аж готовить захотелось 🥧
Нож для приготовления пирогов.
С помощью такого ножа можно «обжимать» коржи для пирога, проделывать отверстия в верхней части коржа для выхода пара, а также создавать декоративные узоры на коржах.
Аж готовить захотелось 🥧
О чем думает девушка в белом платье?
Любовь по расчету невозможна, а вот брак – вполне. В XIX веке состоятельные мужчины в возрасте часто искали молодых жен, и семьи девушек поощряли такие союзы. Русские художники не раз обращались к подобным сюжетам. В таких случаях свадьба была не праздником любви, а своеобразной сделкой, актом купли-продажи. Выдавая дочь за богача, семья получала связи и уверенность, что ребенок не будет нуждаться. Но неужели деньги важнее эмоциональной привязанности?
На картине Владимира Маковского «К венцу (Прощание)» (1894) отец поводит время с дочерью перед церемонией. По выражению лиц заметно, что брак заключается не по любви.
В основе сцены «Прерванное венчание (Двоеженец)» (1877, Национальный музей искусств Азербайджана) Василия Пукирева лежит иная драма. Свадьба становится невозможной: выясняется, что у жениха уже есть другая женщина.
«Сватовство майора» (1848, Третьяковская галерея) Павла Федотова посвящено третьему аспекту браков по расчету. Жених беден, но с титулом, в невестах – купеческая дочка. В середине XIX века подобные свадьбы случались нередко. Жених в результате получал деньги, купец – связь с дворянством. В сцене, написанной Федотовым, майор стоит в дверях, а девушка боится встречи и готова бежать, но мать удерживает ее за юбку. По-моему, спокойствие в этот момент сохраняет только кот. Вы его сразу заметили?
Любовь по расчету невозможна, а вот брак – вполне. В XIX веке состоятельные мужчины в возрасте часто искали молодых жен, и семьи девушек поощряли такие союзы. Русские художники не раз обращались к подобным сюжетам. В таких случаях свадьба была не праздником любви, а своеобразной сделкой, актом купли-продажи. Выдавая дочь за богача, семья получала связи и уверенность, что ребенок не будет нуждаться. Но неужели деньги важнее эмоциональной привязанности?
На картине Владимира Маковского «К венцу (Прощание)» (1894) отец поводит время с дочерью перед церемонией. По выражению лиц заметно, что брак заключается не по любви.
В основе сцены «Прерванное венчание (Двоеженец)» (1877, Национальный музей искусств Азербайджана) Василия Пукирева лежит иная драма. Свадьба становится невозможной: выясняется, что у жениха уже есть другая женщина.
«Сватовство майора» (1848, Третьяковская галерея) Павла Федотова посвящено третьему аспекту браков по расчету. Жених беден, но с титулом, в невестах – купеческая дочка. В середине XIX века подобные свадьбы случались нередко. Жених в результате получал деньги, купец – связь с дворянством. В сцене, написанной Федотовым, майор стоит в дверях, а девушка боится встречи и готова бежать, но мать удерживает ее за юбку. По-моему, спокойствие в этот момент сохраняет только кот. Вы его сразу заметили?
Когда свадьба???
Этот вопрос родственники задают девушкам по всей земле, даже на Таити.
В 2015 году картина Гогена «Когда свадьба?» (1892) была продана Музейному ведомству Катара за $210 млн (изначально ходили слухи, что за 300). Гогену позировала таитянская жена Техура, которой в то время было 13 лет.
Прическу девушки в цветастом парео украшает цветок за ухом. По местной традиции этот символ сообщал: она ищет жениха. Вторая героиня одета в
наряд по европейской моде, которую на Таити принесли христианские миссионеры.
Есть несколько трактовок композиции. Одни считают, что Гоген изобразил двух подруг, чтобы подчеркнуть встречу культур, другие полагают, что девушка в розовом – это своеобразный ангел-хранитель героини с цветком, который защищает ее от необдуманных поступков. Можно предположить, что главный персонаж здесь – потенциальная невеста, но ведь Гоген поместил в центр картины не ее, а девушку в розовом…
Этот вопрос родственники задают девушкам по всей земле, даже на Таити.
В 2015 году картина Гогена «Когда свадьба?» (1892) была продана Музейному ведомству Катара за $210 млн (изначально ходили слухи, что за 300). Гогену позировала таитянская жена Техура, которой в то время было 13 лет.
Прическу девушки в цветастом парео украшает цветок за ухом. По местной традиции этот символ сообщал: она ищет жениха. Вторая героиня одета в
наряд по европейской моде, которую на Таити принесли христианские миссионеры.
Есть несколько трактовок композиции. Одни считают, что Гоген изобразил двух подруг, чтобы подчеркнуть встречу культур, другие полагают, что девушка в розовом – это своеобразный ангел-хранитель героини с цветком, который защищает ее от необдуманных поступков. Можно предположить, что главный персонаж здесь – потенциальная невеста, но ведь Гоген поместил в центр картины не ее, а девушку в розовом…
Выставки Марта
«Всеобщий язык»
История многовекового общения народов через искусство и старинные документы.
До 19 марта, успевайте в последний вагон!
📍Пушкинский музей, Волхонка, 12
«Метанойя»
Выставка Алины Федотовой под кураторством Нади Октябрь, в которой художница обращается к теме экологии и нравственности. Интригующая выставка, учитывая, что художница – океанолог и научный сотрудник Института океанологии РАН.
📍SISTEMA Gallery, Бобров переулок, 4 строение 3
«Мой учитель Леонардо»
Выставка, посвященная творчеству гениального московского художника Анатолия Зверева с неопубликованными трактатами.
📍Музей AZ, 2-ая Тверская-Ямская, 20-22
«Коробка в форме сердца»
Выставка молодой уральской художницы Алисы Горшениной в VLADEY. Основное направление ее творчества — «самоискусствление» — сращивание ее самой с созданными ей произведениями. Каждая из работ выставки — автопортреты-метафоры, артефакты личного архива эмоций.
📍4-й Сыромятнический переулок 1/8с9
«Портреты света»
Персональная выставка Марии Джонас Фарел, которая открылась недавно в новой Postrigay Gallery в Cube.Moscow! В экспозиции представлены работы в смешанной технике, которые помогают зрителю вырваться из рамок собственного восприятия и увидеть уникальность привычного явления.
📍Тверская, 3
«Всеобщий язык»
История многовекового общения народов через искусство и старинные документы.
До 19 марта, успевайте в последний вагон!
📍Пушкинский музей, Волхонка, 12
«Метанойя»
Выставка Алины Федотовой под кураторством Нади Октябрь, в которой художница обращается к теме экологии и нравственности. Интригующая выставка, учитывая, что художница – океанолог и научный сотрудник Института океанологии РАН.
📍SISTEMA Gallery, Бобров переулок, 4 строение 3
«Мой учитель Леонардо»
Выставка, посвященная творчеству гениального московского художника Анатолия Зверева с неопубликованными трактатами.
📍Музей AZ, 2-ая Тверская-Ямская, 20-22
«Коробка в форме сердца»
Выставка молодой уральской художницы Алисы Горшениной в VLADEY. Основное направление ее творчества — «самоискусствление» — сращивание ее самой с созданными ей произведениями. Каждая из работ выставки — автопортреты-метафоры, артефакты личного архива эмоций.
📍4-й Сыромятнический переулок 1/8с9
«Портреты света»
Персональная выставка Марии Джонас Фарел, которая открылась недавно в новой Postrigay Gallery в Cube.Moscow! В экспозиции представлены работы в смешанной технике, которые помогают зрителю вырваться из рамок собственного восприятия и увидеть уникальность привычного явления.
📍Тверская, 3
AZ Museum
Мой учитель Леонардо
В Музее AZ откроется масштабная выставка «Мой учитель Леонардо» — это уже одиннадцатый проект музея, посвященный легендарному московскому художнику Анатолию Звереву. Одним из главных событий этой выставки станет показ архивного собрания трактатов Зверева…
Любовь и голуби в жизни Пикассо 🕊️
Основам рисунка маленький Пабло научился у отца, учителя рисования Хосе Руиса Бласко. Согласно распространенной арт-байке, однажды Пабло написал на картине родителя голубей. Тот настолько впечатлился талантом сына, что бросил искусство.
Любовь к разведению голубей основатель кубизма тоже унаследовал от отца.
Первый вариант "Голубя мира" нарисован с птицы, подаренной Матиссом. Этот реалистичный рисунок выбрал для афиши Конгресса движения за мир, проходившего в 1949 году, писатель и общественный деятель Луи Арагон. Самый известный вариант эмблемы – летящего голубя с веточкой оливы в клюве – художник создал спустя 10 с лишним лет.
Дочь Пикассо и Француазы Жило родилась в день открытия Конгресса. Ее назвали Паломой, что с испанского переводится как «голубка». Ирония в том, что Пикассо всю жизнь наблюдал за голубями и не считал их миролюбивыми. Однажды его птицы накинулись на новоприбывшую голубку, которая им не понравилась, и просто разорвали ее.
Возможно, воспоминания об этой сцене вдохновили мастера на картину «Птицы в клетке» (1937). Это метафора сражения двух женщин Пикассо: Марии-Терезы Вальтер и Доры Маар. Как-то Мария-Тереза пришла в мастерскую художника, где он работал над «Герникой», и застала там Дору Маар. Девушка потребовала от мастера определиться, но Пикассо сказал, что не станет никого выбирать: «Можете за меня побороться».
На фото: «Ребенок и голубь» (1901), фото Пикассо в детстве (ок. 1886), «Птицы в клетке» (1937), «Голубь мира» 1949 и 1966.
Любовь и голуби в жизни Пикассо 🕊️
Основам рисунка маленький Пабло научился у отца, учителя рисования Хосе Руиса Бласко. Согласно распространенной арт-байке, однажды Пабло написал на картине родителя голубей. Тот настолько впечатлился талантом сына, что бросил искусство.
Любовь к разведению голубей основатель кубизма тоже унаследовал от отца.
Первый вариант "Голубя мира" нарисован с птицы, подаренной Матиссом. Этот реалистичный рисунок выбрал для афиши Конгресса движения за мир, проходившего в 1949 году, писатель и общественный деятель Луи Арагон. Самый известный вариант эмблемы – летящего голубя с веточкой оливы в клюве – художник создал спустя 10 с лишним лет.
Дочь Пикассо и Француазы Жило родилась в день открытия Конгресса. Ее назвали Паломой, что с испанского переводится как «голубка». Ирония в том, что Пикассо всю жизнь наблюдал за голубями и не считал их миролюбивыми. Однажды его птицы накинулись на новоприбывшую голубку, которая им не понравилась, и просто разорвали ее.
Возможно, воспоминания об этой сцене вдохновили мастера на картину «Птицы в клетке» (1937). Это метафора сражения двух женщин Пикассо: Марии-Терезы Вальтер и Доры Маар. Как-то Мария-Тереза пришла в мастерскую художника, где он работал над «Герникой», и застала там Дору Маар. Девушка потребовала от мастера определиться, но Пикассо сказал, что не станет никого выбирать: «Можете за меня побороться».
На фото: «Ребенок и голубь» (1901), фото Пикассо в детстве (ок. 1886), «Птицы в клетке» (1937), «Голубь мира» 1949 и 1966.
Британский художник Jake Chapman создал серию работ "Spare prick at a royal wedding", где высмеивает мемуары принца Гарри.
Мы нет-нет, да и следим иногда за британскими роялами (после интервью Опре игнорировать Меган и Гарри стало просто невозможно). 10 января младший сын леди Ди выпустил книгу "Spare" о жизни в королевской семье, над обложкой которого и поработал художник))
Продает свои mockery, кстати, недешево — от 1000 до 3500 фунтов
Мы нет-нет, да и следим иногда за британскими роялами (после интервью Опре игнорировать Меган и Гарри стало просто невозможно). 10 января младший сын леди Ди выпустил книгу "Spare" о жизни в королевской семье, над обложкой которого и поработал художник))
Продает свои mockery, кстати, недешево — от 1000 до 3500 фунтов
Для чего Энди Уорхол увековечил суп?
В 60-х годах пару-тройку банок консервированного супа Campbell’s можно было найти на любой американской кухне. Продукт стал спасением домохозяек: добавляешь воды, разогреваешь – и обед готов! В этом и заключалась ирония Уорхола: он продемонстрировал, что суп быстрого приготовления стал одним из символов, которые объединяют всех членов общества потребления.
Энди Уорхол, который пришел в мир искусства после большого успеха в мире рекламы, умел играть с понятными образами и эмоциями публики. Он знал, как поднять узнаваемость продукта и использовал эти навыки, чтобы сделать популярным себя и свои творения.
Инсталляция «Банки с супом Кэмпбелл» (Campbell’s Soup Cans, Нью-Йоркский музей современного искусства) была презентована в 1962 году. Она состоит из 32 картин, на которых изображены банки с супом разных вкусов: овощной, куриный, грибной…
На то время в США в моде был абстрактный экспрессионизм, ярким примером которого являются картины Джексона Поллока. Это сложное к восприятию искусство. Уорхол же предложил зрителю нечто противоположное: он брал понятные предметы массового производства и возводил их в ранг арт-объектов.
Знаете, как Уорхол аргументировал свою любовь к Кока-Коле и супу Campbell’s? Ему нравилось, что эти продукты всегда имеют одинаковый вкус независимо от того, кто их употребляет – богач или бедняк.
Чем больше я читаю про Уорхола, тем больше понимаю, насколько интересной личностью он был, но не успел раскрыть нам даже сотой части своих секретов… А как вы относитесь к поп-арту и Энди Уорхолу?
В 60-х годах пару-тройку банок консервированного супа Campbell’s можно было найти на любой американской кухне. Продукт стал спасением домохозяек: добавляешь воды, разогреваешь – и обед готов! В этом и заключалась ирония Уорхола: он продемонстрировал, что суп быстрого приготовления стал одним из символов, которые объединяют всех членов общества потребления.
Энди Уорхол, который пришел в мир искусства после большого успеха в мире рекламы, умел играть с понятными образами и эмоциями публики. Он знал, как поднять узнаваемость продукта и использовал эти навыки, чтобы сделать популярным себя и свои творения.
Инсталляция «Банки с супом Кэмпбелл» (Campbell’s Soup Cans, Нью-Йоркский музей современного искусства) была презентована в 1962 году. Она состоит из 32 картин, на которых изображены банки с супом разных вкусов: овощной, куриный, грибной…
На то время в США в моде был абстрактный экспрессионизм, ярким примером которого являются картины Джексона Поллока. Это сложное к восприятию искусство. Уорхол же предложил зрителю нечто противоположное: он брал понятные предметы массового производства и возводил их в ранг арт-объектов.
Знаете, как Уорхол аргументировал свою любовь к Кока-Коле и супу Campbell’s? Ему нравилось, что эти продукты всегда имеют одинаковый вкус независимо от того, кто их употребляет – богач или бедняк.
Чем больше я читаю про Уорхола, тем больше понимаю, насколько интересной личностью он был, но не успел раскрыть нам даже сотой части своих секретов… А как вы относитесь к поп-арту и Энди Уорхолу?
#ктородился
Рауль Дюфи
У него были все шансы стать одним из тех художников, чьи картины практически не продавались при жизни автора, а сегодня уходят с молотка на аукционах за миллионы долларов. Он любил жизнерадостные сюжеты: пляжный отдых и скачки, виды Ривьеры, музыкальные вечера, морские пейзажи
Критики ругали его за несерьезность, а его картины продавались плохо. Финансовое положение было плачевным, но встреча с модельером Полем Пуаре изменила все
Пуаре вошел в историю как кутюрье, освободивший женщин от корсетов. Увидев работы Дюфи, он предложил разрабатывать для него эскизы тканей. Он подошел к новой для себя работе со всей серьезностью. Посещал химические лаборатории и наблюдал за процессом тканевой печати, экспериментировал с декоративными эффектами, добиваясь ясности и лаконичности цветов. Еще вчера утонченные парижские дамы не обращали никакого внимания на живопись Дюфи, а сегодня уже выстраивались в очередь, чтобы за любые деньги купить шарф с его дизайном!
Скоро Дюфи переманила к себе лионская компания по производству шелковых тканей. Там его ждал пост главного художника и хорошие деньги. Во время Первой мировой войны он делал плакаты и гравюры для журналов,а потом снова вернулся к созданию тканей
Несмотря на комфортную жизнь и признание в качестве дизайнера, в душе Рауль Дюфи всегда оставался художником. Обеспечив себе финансовую независимость за счет создания эскизов тканей, он смог снять домик, вместе с женой перебраться на Ривьеру и вернуться к живописи. Художник говорил, что лучше всего ему пишется у моря. Видимо, поэтому на его полотнах так много синего цвета
Однажды Рауль Дюфи и вовсе перехватил заказ у Пабло Пикассо. Все тот же Поль Пуаре познакомил Дюфи с Гийомом Аполлинером. В тот момент поэт планировал издать сборник своих стихов «Бестиарий или Кортеж Орфея» и заказал иллюстрации у Пикассо. Только вот знаменитый испанец так долго не приступал к работе, что Аполлинер решил отдать заказ Раулю Дюфи. Результатом его работы стали 30 квадратных гравюр с изображением животных, птиц и рыб
Рауль Дюфи
У него были все шансы стать одним из тех художников, чьи картины практически не продавались при жизни автора, а сегодня уходят с молотка на аукционах за миллионы долларов. Он любил жизнерадостные сюжеты: пляжный отдых и скачки, виды Ривьеры, музыкальные вечера, морские пейзажи
Критики ругали его за несерьезность, а его картины продавались плохо. Финансовое положение было плачевным, но встреча с модельером Полем Пуаре изменила все
Пуаре вошел в историю как кутюрье, освободивший женщин от корсетов. Увидев работы Дюфи, он предложил разрабатывать для него эскизы тканей. Он подошел к новой для себя работе со всей серьезностью. Посещал химические лаборатории и наблюдал за процессом тканевой печати, экспериментировал с декоративными эффектами, добиваясь ясности и лаконичности цветов. Еще вчера утонченные парижские дамы не обращали никакого внимания на живопись Дюфи, а сегодня уже выстраивались в очередь, чтобы за любые деньги купить шарф с его дизайном!
Скоро Дюфи переманила к себе лионская компания по производству шелковых тканей. Там его ждал пост главного художника и хорошие деньги. Во время Первой мировой войны он делал плакаты и гравюры для журналов,а потом снова вернулся к созданию тканей
Несмотря на комфортную жизнь и признание в качестве дизайнера, в душе Рауль Дюфи всегда оставался художником. Обеспечив себе финансовую независимость за счет создания эскизов тканей, он смог снять домик, вместе с женой перебраться на Ривьеру и вернуться к живописи. Художник говорил, что лучше всего ему пишется у моря. Видимо, поэтому на его полотнах так много синего цвета
Однажды Рауль Дюфи и вовсе перехватил заказ у Пабло Пикассо. Все тот же Поль Пуаре познакомил Дюфи с Гийомом Аполлинером. В тот момент поэт планировал издать сборник своих стихов «Бестиарий или Кортеж Орфея» и заказал иллюстрации у Пикассо. Только вот знаменитый испанец так долго не приступал к работе, что Аполлинер решил отдать заказ Раулю Дюфи. Результатом его работы стали 30 квадратных гравюр с изображением животных, птиц и рыб
#вэтотдень
23 Март 1841 года открыто первое фотоателье в Европе - предшественник студии полиграфии и дизайна.
23 Марта 1841 года в Лондоне Ричард Биэрд открыл первое в Европе фотоателье. Похожее ателье появилось на год раньше и в Америке в Нью-Йорке. Его открыл Александр Уолкоттом. Появление такой организации как фотоателье положило начало развитию это ремесла, которое сейчас уже переросло в крупные студии фотографии, рекламы, дизайна и полиграфии одновременно, представителем которым и является наша компания.
Этот вид бизнеса зародился очень давно, сначала в Америке, а потом и в Европе. С момента появления он всегда был и будет востребован, пока общество не измениться настолько, что исчезнут бумажные рекламные носители и не будет необходимости что-либо фотографировать. Хотя, такое общество сложно себе представать. Времена могут быть разные, но даже в самое сложное время без таких организаций не обойтись и они всегда находят своего клиента. Жизнь идет и всегда хочется некоторые её моменты сохранить навсегда и не только в своей памяти, но и в фотографии, которую можно показать другим. И именно такие фотографии, которые хочется показывать другим, являются лучшей основой для рекламы.
23 Март 1841 года открыто первое фотоателье в Европе - предшественник студии полиграфии и дизайна.
23 Марта 1841 года в Лондоне Ричард Биэрд открыл первое в Европе фотоателье. Похожее ателье появилось на год раньше и в Америке в Нью-Йорке. Его открыл Александр Уолкоттом. Появление такой организации как фотоателье положило начало развитию это ремесла, которое сейчас уже переросло в крупные студии фотографии, рекламы, дизайна и полиграфии одновременно, представителем которым и является наша компания.
Этот вид бизнеса зародился очень давно, сначала в Америке, а потом и в Европе. С момента появления он всегда был и будет востребован, пока общество не измениться настолько, что исчезнут бумажные рекламные носители и не будет необходимости что-либо фотографировать. Хотя, такое общество сложно себе представать. Времена могут быть разные, но даже в самое сложное время без таких организаций не обойтись и они всегда находят своего клиента. Жизнь идет и всегда хочется некоторые её моменты сохранить навсегда и не только в своей памяти, но и в фотографии, которую можно показать другим. И именно такие фотографии, которые хочется показывать другим, являются лучшей основой для рекламы.
Ай Вэйвэй создал из Lego вариант картины Клода Моне
Новая 15-метровая работа появится на крупнейшей за последние восемь лет ретроспективе художника в Британии, которая пройдет в Музее дизайна. «Кувшинки №1» стала самым большим его произведением, собранным из Lego, с тех пор как он впервые обратился к этой технике в 2014 году для создания портретов политзаключенных.
Художник изменил цвета по сравнению с оригиналом Моне. Также он персонализировал свою версию: в правой части работы Ай Вэйвэй поместил темный портал — вход в землянку в Синьцзяне, где он и его отец, поэт Ай Цин, жили в принудительном изгнании в 1960-х годах.
«Игрушечные кубики как материал с их качествами прочности и способности к деконструкции отражают атрибуты языка в нашу быстро развивающуюся эпоху, когда человеческое сознание постоянно разделяется», — пояснил свой замысел художник.
Новая 15-метровая работа появится на крупнейшей за последние восемь лет ретроспективе художника в Британии, которая пройдет в Музее дизайна. «Кувшинки №1» стала самым большим его произведением, собранным из Lego, с тех пор как он впервые обратился к этой технике в 2014 году для создания портретов политзаключенных.
Художник изменил цвета по сравнению с оригиналом Моне. Также он персонализировал свою версию: в правой части работы Ай Вэйвэй поместил темный портал — вход в землянку в Синьцзяне, где он и его отец, поэт Ай Цин, жили в принудительном изгнании в 1960-х годах.
«Игрушечные кубики как материал с их качествами прочности и способности к деконструкции отражают атрибуты языка в нашу быстро развивающуюся эпоху, когда человеческое сознание постоянно разделяется», — пояснил свой замысел художник.
Сальвадор Дали говорил, что на создание картины «Постоянство памяти» (1931) его вдохновил плавящийся сыр камамбер, который Гала намазывала на тост.
Хотя, думается мне, эту историю мастер эпатажа мог придумать для красного словца. «Народное» название картины – «Мягкие часы». Время здесь действительно течет – в прямом смысле. Один расплавленный циферблат разместился на автопортрете Дали. Образ родился оттого, что во время работы художника мучала жуткая головная боль. Из-за нее он не пошел в кино и остался дома работать.
Спокойный пейзаж Порт-Льигата, где обитали Сальвадор с Галой, был давно написан, но чего-то ему не хватало. Размышляя, как закончить сюжет, художник вспомнил о сыре, поданном на завтрак. Так родилась идея с циферблатами. На их создание мастеру понадобилось всего несколько часов.
Вернувшись из кинотеатра, Гала Дали взглянула на творение и сказала: увидев раз, эту картину нельзя забыть. Маленькая по формату работа (ее размер – всего 24х33 см, чуть больше листка A4) действительно стала одним из самых узнаваемых произведений сюрреалиста.
«Постоянство памяти» по сей день толкает людей искусства и производителей сувениров на бесконечное повторение яркого образа с расплавленными циферблатами.
А как вы думаете, на создание картины Сальвадора действительно вдохновил расплавившийся сыр? Или художник пошутил для того, чтобы журналисты от него отстали?
Хотя, думается мне, эту историю мастер эпатажа мог придумать для красного словца. «Народное» название картины – «Мягкие часы». Время здесь действительно течет – в прямом смысле. Один расплавленный циферблат разместился на автопортрете Дали. Образ родился оттого, что во время работы художника мучала жуткая головная боль. Из-за нее он не пошел в кино и остался дома работать.
Спокойный пейзаж Порт-Льигата, где обитали Сальвадор с Галой, был давно написан, но чего-то ему не хватало. Размышляя, как закончить сюжет, художник вспомнил о сыре, поданном на завтрак. Так родилась идея с циферблатами. На их создание мастеру понадобилось всего несколько часов.
Вернувшись из кинотеатра, Гала Дали взглянула на творение и сказала: увидев раз, эту картину нельзя забыть. Маленькая по формату работа (ее размер – всего 24х33 см, чуть больше листка A4) действительно стала одним из самых узнаваемых произведений сюрреалиста.
«Постоянство памяти» по сей день толкает людей искусства и производителей сувениров на бесконечное повторение яркого образа с расплавленными циферблатами.
А как вы думаете, на создание картины Сальвадора действительно вдохновил расплавившийся сыр? Или художник пошутил для того, чтобы журналисты от него отстали?