​​Цена искусства.
Искусство в массы.

В этом небольшом подкасте Вы узнаете, как формируется цена на произведения искусства, и ответите себе на вопрос, почему работы некоторых наших современников стоят больше, чем работы классиков.

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

​​«Шабаш ведьм» Франсиско Гойя

Как и другие произведения Гойи "Шабаш ведьм" вызывает чувство дискомфорта и тревоги. Тем не менее, от полотна не оторвать взгляд. Что стоит за «чёрной живописью» Франсиско Гойи? Давайте разберемся.
Шабаш - это торжественное собрание представителей нечистой силы, на котором сатана, ведьмы и другие лица проводят ритуалы, устраивают жертвоприношения и оргии (представления о шабаше различны у разных культур).

Действие «Шабаша» разворачивается на залитом лунным светом бесплодной земле. Если не вглядываться в детали, то складывается впечатление, будто бы художник изобразил на полотне какое-то празднество. Однако взглянув поближе, мы замечаем, что торжествует здесь злая сила.

В центре картины - дьявол в образе козла с огромными рогами и венком из листьев на голове. Сатана окружен толпой ведьм. Одна из них, сидящая справа, держит на руках младенца, который, по всей видимости, нужен для проведения ритуала. В эпоху Гойи было распространено суеверие о том, что дьявол питается человеческими детьми. Мы также замечаем скелеты двух младенцев: один лежит на земле, другого держит старуха в черном. На заднем плане можно увидеть еще больше ведьм, а также трех мертвых младенцев, повешенных, вероятно, на кол.

В испанском контексте картины Гойи были восприняты как протест против тех, кто поддерживал ценности испанской инквизиции, которая активно охотилась на ведьм во время баскских процессов над ведьмами XVII века. Картину можно рассматривать как насмешку над суевериями, распространенными в Испании в период, когда рассказы о ведовской сборищах наводили страх на сельское население.

Через 20 лет Гойя вновь напишет шабаш - на этот раз жуткое, вселяющее в зрителя страх полотно. Поздний шабаш относят к циклу «чёрной живописи» — куда входят 14 работ, выполненных на стенах так называемого Дома глухого.

​​Лиза Савина «На заборе тоже написано!» Об искусстве в городском контексте.

От проекта: Понять и обнять современное искусство.

Кто не замечал граффити на городской набережной, муралы на стенах домов или наклейки на столбах и дорожных знаках? Современное искусство выходит за рамки галерей и музеев, взаимодействует с городской средой и переосмысляет ее. Скульптура, сайт-специфичное искусство, стрит-арт, художественный активизм — все эти направления в искусстве на улицах объединяет паблик-арт. Сейчас такое искусство становится все популярнее и из-за развития рынка искусства, и из-за огромной популярности урбанистики.

В подкасте вы поговорите с куратором и соучредителем Фонда культурных инициатив Sparta Лизой Савиной о том, как возник и развивался паблик-арт, какие направления в него входят, зачем он нужен и какие проблемы в городской он среде решает.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство и художников можно в закрепе.

​​«Магдалена Вентура с мужем и сыном» Рибера, 1631

Сперва может показаться, что на портрете двое мужчин. Это не совсем так. Фигура на переднем плане - Магдалена Вентура. Героиня была обычной, ничем не примечательной женщиной, жившая в Италии в первой половине 17 века.

Магдалена Вентура не была большой поклонницей идеальной красоты эпохи Возрождения. Это отразилось и в ее внешности, когда странные метаморфозы собственного тела окончательно вышли из под контроля, изменив жизнь Магдалены навсегда. Так, она бросила вызов стандартам красоты и создала собственные. По итогу, это сделало ее известно исторической фигурой. В современной медицины изменившуюся внешность Магдалены объясняли гормональным сбоем, но тогда, почти 400 лет назад, люди видели в этом «превращении» страдную Божью кару.

Однако, так думали не все. Вице-король Неаполя был очарован девушкой и поручил художнику Риберу написать ее портрет. Хоть этот портрет выглядит шокирующе, Рибера намеренно изобразила героиню именно так, показав, то, что анатомически это женщина. Черты ее лица, борода и мускулистая фигура сочетают женскую задачу с мужским образом. Даже ее тонко раскрашенные одежды намекают на мужественную фигуру, как бы по иронии судьбы напоминая образ библейского пророка. Муж Магдалены стоит в тени позади нее, выглядя намного старше и слабее. Их расположение намекает на идею о том, что репутация Магдалены затмевала репутацию ее мужа, переворачивая семейное равновесие.

Художник рок-звезда или русский Ван Гог. Где искать настоящего Врубеля?

От проекта: Talk About Art

Когда мы говорим о Врубеле, часто вспоминаем не только о нём самом, а скорее о мифе художника, который был сконструирован последующими поколениями. Врубель для многих - художник рок-звезда, русский Ван Гог, которого искусство довело до безумия. Но так ли это на самом деле?

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство и художников можно в закрепе.

​​«Аврора и Кефал» Пьер Нарцисс Герен

Любовь может быть и благополучным исцелением, и мучительным наказанием. Однако нельзя отрицать, что она великая сила, способная перевернуть мир. Наверное, поэтому художники часто пытаются изобразить ее на своих картинах, и Пьер Нарцисс Герен не является исключением.

Пьер Нарцисс Герен (1774–1834) – барон и придворный художник, а также представитель французской школы ампира – видел в античности эталон грации и благородства. Герен, как и его соотечественники, предпочитал реалистическую манеру фантастическим изображениям прошлой эпохи. Именно поэтому художник правдоподобно передаёт костюмы и антураж античного периода, уделяя внимание каждой детали, как и подлежит историческому живописцу. Во всём – от античной атрибутики (туники, сандалий, копья) до воспевания мужской красоты – можно заметить подчинение традициям периода с щепетильной проработкой.

Картине 1811 года, как и большинству работ Герена, присуща изысканная декоративность, отраженная в гладкой манере письма, мельчайших деталях (например, в многочисленных цветочках), а также в театральности всего полотна. Эти эффекты поддерживаются при помощи фарфорового блеска кожи, обилия изящных складок на телах и одежде, подобию поз Авроры и Кефала медлительным античным статуям, динамичным и в то же время плавным светотеневым переходам, а также внутреннему свечение всей картины за счет воздушных лессировок (полупрозрачных тонов).

Взгляд зрителя притягивает центр композиции, на котором разворачивается основное действие: Аврора – богиня Утренней зари – похищает прекрасного охотника Кефала. Спящее тело Кефала аккуратно поддерживает амурчик-путто, – характерный персонаж живописи Ренессанса и барокко, образ которого восходит к античным купидонам. Амур старается не разбудить Кефала неловким движением, ведь охотника надо доставить в царство богини Утренней зари до потери им того очарования юности, которое привлекло Аврору.

С виду беззаботная картина хранит в себе мифологическую драму: Аврора, проклятая разгневанной Афродитой за романтическую связь с богом войны Аресом, обречена вечно искать любовь в объятиях земных юношей. Поэтому молодая и прекрасная богиня Утренней зари снова и снова влюбляется в красивых смертных, а после их старения и смерти ищет себе нового возлюбленного. Так, влюбившись в наделенного неземной красотой Кефала, Аврора похищает его у молодой жены Прокриды, чтобы насладиться блаженством, которое способна подарить ей любовь юноши.

Герен несколько отходит от печальной легенды и запечатлевает идиллию спящего Кефала и влюбленной Авроры. В застывшем эпизоде всё настолько беспечно и прекрасно, что зритель, благодаря умелым приемам живописца, забывает о трагической реальности и отдается наслаждению картиной.

У заинтересованного зрителя возникает вполне очевидный вопрос: смог ли Пьер Нарцисс Герен разгадать тайну любви, преодолевающей границы запрета и вседозволенности, земной жизни и вечности? Но ответ на него останется одной из великих загадок, которые дарят неискушенному зрителю бессмертные произведения искусства.

​​Экзотичное, тропически-яркое путешествие-короткометражный фильм от команды Artifex! Предлагаем вам проследить творческий путь Поля Гогена — невероятно талантливого художника, который не побоялся отбросить радости привычной жизни в погоне за большой мечтой. Все тонкости удивительной жизни Гогена переданы в фильме через образы и воспоминания из его дневников.

​​«Герника» Пабло Пикассо

«Герника», безусловно, является сильнейшим политическим заявлением, сделанным художником. Картина стала вечным напоминанием о страданиях, которые война причиняет ни в чем неповинным людям, а также символом антивоенного движения.

Пикассо жил в Париже, когда в 1937 году испанское республиканское правительство обратилось к нему с заказом на создание росписи для их павильона на всемирной выставке того года. В Испании тогда шла гражданская война — военный мятеж, предпринятый националистами против правительства. Республиканцы видели в этом событии возможность утвердить свою легитимность и осудить жестокую тактику националистической армии генерала Франсиско Франко. Пикассо, который редко писал картины на политические темы, согласился.

Несколько месяцев спустя немецкая авиация по просьбе националистов сильно разбомбила город Гернику. Бомбардировка почти полностью уничтожила город, была ранена или убита треть населения.

Испанский поэт Рафаэль Альберти вспоминал: «Пикассо никогда не бывал в Гернике, но весть об уничтожении города сразила его, как удар бычьего рога». Случившаяся трагедия заставила Пикассо работать над заказом, и он завершил огромную картину (3,5 × 7,8 метра) буквально за месяц.

Написанная маслом в чёрно-белых тонах «Герника» представляет собой произведение, в котором объединены пасторальный и эпический стили. Отказ от цвета усиливает драматизм и придает картине документальный характер.

Сложная композиция с характерными для Пикассо кубистическими фигурами и вызывающим тревогу изображением пространства считывается непросто. Пикассо практически не высказывался о значении «Герники», оставив интерпретацию зрителям, критикам и искусствоведам. Очевидно, что полотно отражает ужасы войны и чувства, которые вынуждены испытывать люди, ставшие ее жертвой. В центре внимания зрителя – мир, погруженный в хаос. Разруха, смерть, насилие, страдания людей и животных – все происходит в пределах комнаты, освещенной шипастыми лучами потолочной лампы.

В левой части пирамидальной композиции мы видим женщину, которая оплакивает мёртвого ребёнка; над ней стоит бык с широко открытыми глазами. В центре композиции - ревущий конь, который спотыкается о распростертое тело упавшего всадника, чья поза напоминает распятие. Бык и лошадь являются важными символами испанской культуры. В рассматриваемом случае, бык, вероятно, олицетворяет жестокость натиска фашизма, а лошадь – жителей Герники.

В правой части картины мы видим кричащую женщину, охваченную пламенем от горящего здания и воздающую руки к небесам (согласно одной из интерпретаций, женщина падает из окна). Чуть левее – женщина, в отчаянии опускающая руки. Еще одна фигура показывается из окна, в руках у неё свеча – воплощение надежды.

Самая политичная картина Пикассо, сохранившая память о трагедии баскского города, остается актуальной и сегодня. По некоторым сведениям, когда Пикассо жил в оккупированном нацистами Париже во время Второй мировой войны, немецкий офицер якобы спросил художника, увидев репродукцию Герники в его квартире: «Это Вы сделали?». Пикассо ответил: «Нет, это сделали вы».

«Смерть Девы Марии» (1606), Караваджо

Картины итальянского мастера эпохи Барокко Караваджо были такими же скандальными и противоречивыми, как и его образ жизни. Караваджо любил изображать священные сюжеты, искажая их пошлостью или суровым реализмом.

Работа "Смерть Девы Марии" была заказана для часовни в церкви Санта-Мария-делла-Скала в Риме, но работа не была принята из-за неуважительного отношения к библейскому сюжету. Священники решили, что художник изобразил женщину легкого поведения или свою любовницу в образе святой. Однако художник настаивал, что на картине изображена именно Дева Мария. Небрежно раскинув руки, опухшая героиня лежит в окружении мужчин, свесив ноги с края смертного одра. Караваджо гуманизировал свои картины, но часто выходил за рамки общепринятого в его время. Новаторство Микеланджело де Караваджо в смешении высокого искусства и низкого оставило след в мировой культуре.