«Олимпия» (1863)
Эдуард Мане

Многие картины Мане являлись арт-скандалом. До создания «Олимпии» Мане уже подвергался жесткой критике. Это произошло, с картиной «Завтрак на траве» в 1863 году. «Олимпия» была закончена в то же время, но автор не решался показать ее публике. Спустя 2 года его уговорили отправить работу на выставку. Опасения художника были не напрасны. Ежедневно толпы людей приходили взглянуть на картину со злыми намерениями. Для изображения придумывали самые уродливые сравнения: героиню называли потаскухой, а в ее руке на бедре находили сходство с жабой.

Оскорбленные зрители пытались испортить картину (проткнуть или плюнуть). Руководство выставки приставило к картине охранников, но ничего не помогало. Все требовали убрать работу с глаз молодых девушек и беременных женщин. В результате ее повесило в самый дальний угол музея, под потолком.

После выставки картина вернулась в мастерскую и провела там 25 лет. Лишь близкие друзья Мане могли увидеть ее.

​​Где учиться на художника (и надо ли это делать)?
Искусство в массы.

Искусствовед и главный редактор сетевого издания «Артгид» Мария Кравцова  вместе с приглашенными экспертами обсуждает то, что вы всегда хотели знать об искусстве: подделки и уловки фальсификаторов, цены и аукционные рекорды, цензура в искусстве, арт-криминал, изменения музейных правил (когда уже можно будет прийти в музей с любимой собачкой?), специфика работы художников, кураторов и арт-менеджеров, значения новых слов и терминов, а также закулисье арт-мира.

В данном выпуске художник Павел Отдельнов сравнивает академическое художественное образование и образование, которое можно получить в современных арт-школах. Что нужно знать и чему учиться, чтобы стать успешным автором.

Другие лекции и подкасты про искусство и художников можно найти в закрепе.

​​Постоянство памяти. Сальвадор Дали

Вопрос, который возникает при знакомстве с творчеством Сальвадора Дали: был ли испанский художник на самом деле сумасшедшим, или он просто умело поддерживал образ? Давайте на основе самой популярной работы сюрреалиста «Постоянство памяти» (1931) выясним, был ли Дали безбашенным гением или просто талантливым бизнесменом.

1930-е годы были для Дали очень трудными: плачевное финансовое положение, вызванное отсутствием заказчиков, довело Сальвадора и его жену Галу до меланхоличного состояния.

Вызванное этим обстоятельством постоянное чувство голода натолкнуло Дали на образ известных «стекающих часов» на его «визитной карточке». Как же это связано? По записям самого художника, после сытного ужина с друзьями Гала отправилась в кино с компанией. Сославшись на мигрень, Дали остался дома, и, зайдя в мастерскую, увидел пейзаж с Порт Лигат. Картина показалось мэтру незаконченной/недописанной. Однако вспомнив манящий кусок камамбера, гениальный художник прозрел и за 2 часа непрерывный работы превратил обычный пейзаж в шедевр современного искусства, который, по резонному мнению Галы, один раз увидев, невозможно забыть.

Картина являет собой притчу о бренности человеческого существования. Дали обращается к этой тематике под влиянием Гераклитовского постулата: «Всё течёт, всё изменяется». Так, художник говорит об относительности времени, о смертности всего существующего.
И эта двойственность - синтез вечности и конца - отражается на всем пространстве картины.

Колорит «Постоянства памяти» образуют противоположные по тону и смыслу оттенки. Желтый и коричневый цвета раскалённой пустыни символизируют засуху - непрерывный физический и духовный голод художника, однако голубое море знаменует надежду на светлое будущее. Кроме того, морской пейзаж с мысом Креус порождает в художнике чувство ностальгии, а размеренный ритм волн останавливает время для размышлений.

Согласно названию, важную роль на картине играют часы. Но почему они имеют такую замысловатую форму? Причина в стремлении Дали отобразить нелинейность времени, его подчинённость субъективному течению. Так Дали изображает циферблаты разных периодов: первый - прошлое - стекает с оливы, символизирующей изжитую себя античную мудрость; второй - настоящее - расположен на контрастно остроугольном столе и третий - будущее - размещён на портрете самого художника. «Мягкий Монстр», как называл его Дали, изображён в центре картины спящим, словно погружённым в сюрреалистический сон в ожидании лучших времён. Мэтр также изображает на часах противоположных по символике насекомых: если муравьи на перевёрнутом брегете, символизирующем несуществующее линейное время, означают гниение, то муха на циферблате настоящего — это «фея Средиземноморья» и муза Дали при написании картины.

Ещё одним символом, перекочевавшим из других картин Дали, является зеркало. Оно также символизирует непостоянство, так как зеркало может одновременно отражать реальный мир и погружать в сновидения.

На заднем плане картины у края Ампурданской равнины - места, где родился Дали - размещён важный символ - яйцо. Так, вкладывая образ Христа Спасителя в это яйцо, Сальвадор Дали причисляет себя к «спасителям современного искусства», как сам художник себя именовал.

Итак, давайте же теперь попробуем ответить на интересующий нас вопрос: кем на самом деле являлся Дали - шоуменом или безумным гением?

После ознакомления с «Постоянством памяти» каждый из вас может с лёгкостью дать ответ: Дали так же двойственен и неоднозначен, как и его творения. Поэтому утверждение, что Сальвадор Дали был не менее предприимчивым, чем гениальным, кажется вполне обоснованным.

«Мира» (1995)
Маркус Харви

Картина «Мира» является репродукцией знаменитого магшота преступницы Миры Хиндли, которая, вместе со своим другом, совершила чудовищное преступление в Манчестере. Жертвами Миры стали пять детей. После ужасной трагедии, вызвавшей большой резонанс в Англии, британская пресса охарактеризовала Миру как самую жестокую преступницу Англии.

Картина полностью выполнена из отпечатков детских ладоней в белом, сером и чёрном цветах. Харви кропотливо собирал отпечатки детей по всей Англии и создавал из них портрет. Позже Мира Хиндли написала письмо художнику из тюрьмы с просьбой уничтожить ее портрет и не продавать его музеям. Художник же, как и общественность, приняло решение не только оставить картину, но и перевозить ее с выставки на выставку, рассказывая всему миру об этом страшном преступлении.

Позже издание The Sun написало, что «Мира» должна висеть в Королевской академии искусств. Настолько важной была эта работа.

​​Энди Уорхол.
Это ж не искусство!

Энди Уорхол — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, издатель журналов и кинорежиссёр, заметная персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт».

Трансвеститы, убийства, горы денег, тараканы и вампиры. Все это Вы сможете услышать в выпуске от проекта "Это ж не искусство!"

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​«Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле». Уинстон Черчилль.

В 2014 году на торгах за £1,8 млн ушла с молотка картина «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» влиятельнейшего политика двадцатого века Уинстона Черчилля. Финальная стоимость картины превысила в несколько раз первоначальный эстимейт. Объясняется ли такой результат лишь именитостью автора? Давайте разберемся.

Черчилль взялся за кисти примерно в возрасте 40 лет, когда его политическая карьера пошла на спад. Шла Первая мировая война и Дарданелльская операция, инициатором которой выступал Черчилль, закончилась провалом. Стремясь вернуть душевное спокойствие, Черчилль уединился со своей семьей в загородном доме, где и увлёкся процессом создания картин.

«Живопись пришла мне на помощь в самое трудное время», — писал Черчилль в эссе, которые в дальнейшем станут небольшой книгой «Живопись как времяпрепровождение».

Черчилль был в значительной степени самоучкой. Тем не менее, он стремился улучшить свою технику и делал это, вдохновляясь работами импрессионистов и постимпрессионистов (Эдуара Мане, Клода Моне, Анри Матисса и др.).

Известно, что сэр Уинстон устанавливал мольберт на открытом воздухе, чтобы запечатлеть на холсте территорию своего загородного дома в графстве Кент, называемого Чартвелл. (Сегодня дом работает в качестве музея, в нем сохранилась студия живописи Черчилля.)
Живопись пришла мне на помощь в самое трудное время», — писал Черчилль в эссе, которые в дальнейшем станут небольшой книгой «Живопись как времяпрепровождение».

Черчилль был в значительной степени самоучкой. Тем не менее, он стремился улучшить свою технику и делал это, вдохновляясь работами импрессионистов и постимпрессионистов (Эдуара Мане, Клода Моне, Анри Матисса и др.).

Известно, что сэр Уинстон устанавливал мольберт на открытом воздухе, чтобы запечатлеть на холсте территорию своего загородного дома в графстве Кент, называемого Чартвелл. (Сегодня дом работает в качестве музея, в нем сохранилась студия живописи Черчилля.)

В 1932 году сэр Уинстон написал картину, запечатлев одно из самых своих самых любимых мест в саду поместья Чартвелл – пруд, который был для политика местом уединения.

На картине «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» Черчилль мастерски передает отражение сочной листвы на поверхности воды, используя широкую палитру зеленых и коричневых оттенков. Стая рыбок огненного окраса органично вписывается в пейзаж, добавляя картине динамики.

В отличие от многих других картин Черчилля, «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» не сосредоточен на широкой пейзажной панораме. «Пруд» необычаен тем, что позволяет зрителю приблизиться к самой воде и разглядеть буйную зелень, окружающую водоем.

Ловкие мазки Черчилля, его мастерство изображения динамики воды и света вдыхают в картину жизнь. «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» - работа сэра Уинстона, которая является подтверждением его таланта.

«Туман надвигается» (1885)
Уинслоу Хомер

В 1882 году Хомер возвращается в Америку из Англии, где он прожил почти два года, наблюдая за моряками. Художник изучал силу природы, уязвимость людей и верил в полную беспомощность человека.

Эти мысли и подтолкнули Хомера на создание этой работы. Изначально картина называлась «Ловля палтуса» и впервые была представлена публике именно так. Зрители увидели в «Ловле палтуса» очередное изображение рыбака, который находится в море и скучно выполняет свою работу. Публика считала, что картина не имела никакого глубокого смысла из-за чего Хомер в срочном порядке изменил ее название, сделав акцент на величии природных стихий и уязвимости человека перед ними.

После смены названия картина обрела популярность. Зрители начали видеть в картинней нечто большее, чем быт простого рыбака. Удивительно, как название картины может кардинально изменить взгляд зрителей на неё.