​​«Сельский крестный ход на Пасхе» (1861), Василий Перов

Василий Перов был одним из основателей объединения передвижников. Он избегал сюжетов высшего общества, предпочитая изображать повседневную жизнь простых людей. Несмотря на общепризнанность художника, его полотно «Сельский крестный ход на Пасхе» вызвало большое количество недовольств. Художник пишет эпизод одного из самых почитаемых церковных праздников — Пасхи, только выглядит он довольно странно. Участники крестного хода настолько пьяны, что часть из них не в состоянии двигаться. Больше всего публику возмутило то, что художник изобразил празднование Пасхи как пьяную процессию: крестьяне с полуприкрытыми глазами и подвыпивший священник, раздавивший ногой пасхальное яйцо.

Бытует мнение, что Перов вовсе не хотел высмеять церковные обычаи, его целью было показать реалии, в которых вынуждены жить люди. Да, батюшка совсем не трезв, но он уже обошёл много домов, где ему наливали, и выполнил свой священный долг. Несмотря на это, в Санкт-Петербурге картину сняли с выставки, а художника обвинили в аморальности.

Искусство Скандинавии: от шедевров Мунка до мирового успеха IKEA | Документальный фильм Би-би-си

Скандинавия - земля крайностей, самый край Европы. История искусств этих стран, где долгие месяцы в году не бывает солнца, где суровые пейзажи вдохновляли художников и писателей, подарила нам экзистенциализм XX века, Снежную королеву, Гадкого утенка, LEGO и IKEA, Мунка и королевских особ, которые передвигаются по городу на велосипеде.

В этом трехсерийном фильме Би-би-си мы узнаем, как и почему Норвегия, Дания и Швеция стали пионерами в дизайне и как искусство этих стран отражало их демократическую сущность.

Портрет Фрэнсиса Бэкона кисти Реджинальда Грея

«Видение после проповеди» / «Борьба Иакова с ангелом» Поль Гоген

Первое, что нам бросается в глаза, — резкий контраст красного и белого, по́ля и чепцов стоящих спиной к нам женщин. Далее — яркие оранжевые крылья ангела и изогнутая фигура человека, сражающегося с ангелом в поединке. Что же за сюжет перед нами? Почему так по-детски использованы яркие цвета? Отчего Гоген использует настолько упрощенные, грубые формы? Восстановим же порядок, найдем связь между названием, сюжетом, картиной и самим художником.

Женщины в белых чепцах и монах, бритая голова которого лишь наполовину поместилась на картине, услышали проповедь, затем, когда они уже вышли из церкви, у них было видение. Услышанное женщинами во время службы настолько впечатлило их, что стало причиной видения.

Сюжет борьбы Иакова с ангелом узнать нетрудно, целью художника было не рассказать нам об этом сюжете, а показать, насколько религиозный восторг и сила человеческого воображения способны преобразить и изменить реальность.

Примитивная манера изображения Гогена ни в коем случаем не свидетельствует о его непрофессионализме или о том, что перед нами — набросок картины, а не итоговый ее вариант. Простота передает человеческую искренность, открытость, детскость. Эта смесь наивности, религиозности, суеверности помогает людям увидеть в совершенно обыденных, бытовых вещах священные таинства. «Видение после проповеди» было написано не из-за порыва, оно стало результатом внутреннего перерождения художника, когда он отправился из душного, салонного, манерного Парижа в Бретань. Именно здесь он познал, что такое подлинная экспрессия, лишенная ограничений и условностей. Некоторая «дикость» деревни преобразила художника и его манеру написания работ.

Сюжет картины, даже после того, как мы поняли, что он заключается не в библейском сюжете, а во вполне современном, нисколько не примитивен, хотя так и могло показаться изначально. Гоген был мастером собирать множество деталей в единое целое, при этом соблюдая удивительную гармонию между ними. Из одного угла полотна в другой перекинута толстая ветвь дерева, разделяющая женщин и фигуры борющихся Иакова и ангела. Напоминает ли вам эта ветка японские гравюры, которые вошли в моду в середине XIX века? Эта ветка, хоть и кажется нам непреодолимым, грубым препятствием, на самом деле лишь граница между двумя мирами: миром повседневности и быта и пространством того, что способно преобразить рутину. Это пространство украшает нашу серую каждодневность, освещает наш блеклый мир, но лишь изредка и лишь некоторым из нас. Проникнуть в это блистающее, яркое, живое пространство невозможно. Женщины разойдутся по своим делам, а видение само собой растворится в воздухе. Гоген завел нас в тупик: запутал яркими, детскими цветами, дал вспомнить библейский сюжет, перечеркнул картину веткой с японской гравюры, а затем показал, что существует такая сторона нашего мира, к которой доступа у нас нет, которая появляется и исчезает по неведомым нам причинам.

Питер Брейгель старший. История о слепоте. [Как читать искусство]

от проекта Artifex

Предлагаем вам углубить свои знания о нидерландском художнике Питере Брейгеле старшем, а именно проследить в его творчестве тему слепоты — к несчастьям, к истине, к судьбам других людей.

В видео рассматриваются такие картины Брейгеля, как «Охотники на снегу», «Падение Икара», «Безумная Грета» и др.

​​«Осенний каннибализм» 1936г. Сальвадор Дали

Сюжет картины Сальвадора Дали можно описать двумя словами: поглощение и уничтожение. В двух слившихся фигурах видятся мужские и женские черты. Художник лишает процесс взаимного изничтожения дикости и вульгарности с помощью деталей. Рядом с фигурами можно заметить засахаренную грушу, разбросанные орехи и столовые приборы. Из-за этого создается впечатление обыденности процесса. Однако тревожность вызывают куски сырого мяса, прибитые гвоздями к столу. Дали создает общее настроение картины, акцентируя внимание не на главных героях, а на том, что их окружает.

• Муравьи - символ разрушения
• Выдвинутый короб - ящик пандоры с непредсказуем содержанием
• Яблоко в центре композиции - символ искушения, греха

Картина была написана во время гражданской войны на родине автора. Идея самоуничижения была актуальна для Дали, так как привычный мир рушился на его глазах. Мастер нарочно лишает приборы формы и структуры. Мир на картине таков, каким художник видел его вокруг себя, постепенно лишаясь рассудка.

Не только Бэнкси. О чем с нами говорит стрит-арт?

От проекта: Talk About Art

В этот раз мы окажемся не в стенах музея, не будем обсуждать текущие выставки, а поговорим о стрит-арте, по отношению к которому до сих пор используют термины “вандализм” и “хулиганство”. 

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство и художников можно в закрепе.

«Сватовство майора» Федотов

«Сватовство майора» — это картина о неравном браке. Но несмотря на то, что ситуация кажется трагичной, художник показывает нам события с совсем другой стороны, высмеивая всё происходящее.

Почему же Павел Андреевич Федотов выбрал именно такой сюжет? Во–первых, художник был отлично знаком с военной сферой, так как учился в Первом Московском Кадетском корпусе, поэтому мог правдоподобно передать образ майора. Тем более, что у Федотова уже был такой опыт: в свободное от учебы время художник любил рисовать карикатуры на себя, начальство корпуса и своих товарищей.

Во–вторых, Федотов стал родоначальником критического реализма в русской живописи и академиком ИАХ по «живописи домашних сцен», поэтому такое видение социальных ситуаций присуще всему его творчеству.

Итак, давайте разберемся, что и как высмеивал Федотов. Перед нами привычное для середины XIX века действо: девушку из богатой купеческой семьи сватают за обедневшего представителя дворянства. Этот брак сулит обеим сторонам выгоду: жених получит большое приданое, а невеста — почетный титул. Поэтому действия героев выглядят наигранными: девушка, будто ошеломленная неожиданным визитом, пытается сбежать, а майор почтенно ожидает ее у дверей. Но если вглядеться в детали, то становится понятно, что оба были осведомлены о встрече: невеста наряжена в свадебное платье, а майор, покручивая ус, уже подсчитывает в голове деньги, которые он скоро получит.

Карикатурность сцены усиливает нелепая обстановка: жениха встречают в прихожей, а не в гостиной; мать одета в платье по парижской моде и в деревенский платок, а отец — в кафтан не по размеру; шампанское и бокалы, не помещающиеся на столе, стоят на стуле; на заднем плане — «лишние люди» — прислуга, которая просто пришла посудачить о помолвке господ. Таким образом, Федотов демонстрирует незнание этикета купеческим сословием, но при этом желание пробиться в высшие слои.

Таким образом, карикатурно изображая жанровую сцену, Федотов раскрывает социальную проблему своего времени: разбогатевшие купцы, незнакомые даже с правилами этикета, желают пробиться в высшие круги, в то время как промотавшие свой достаток дворяне пытаются сохранить остатки былого достоинства.

​​Дорогие друзья! Сегодня предлагаем вам прослушать великолепную лекцию 😌

Микеланджело Меризи да Караваджо. Рассказывает Александр Таиров.

Интесерный факт из жизни художника: Однажды Караваджо решился написать полотно о воскрешении Лазаря (на картине мужчины держат тело, пролежавшее в гробу 4 суток). Караваджо стремился изображать сюжеты на своих полотнах максимально реалистично: так, для создания картины он нанял работников, которые выкопали для него тело недавно умершего юноши. Люди, позировавшие художнику, отказывались держать разлагавшееся тело. В ответ на это разозлившийся Караваджо даже пригрозил им ножом, заставляя исполнять приказ.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство и художников можно в закрепе.

​​«Женщина с цветком», 1929г. Грант Вуд

На полотне «Женщина с цветком» Грант Вуд изобразил свою мать. Сделал он это максимально правдиво. Кажется, будто художник хотел застать тот последний миг жизни самого близкого для него человека.

Первое, что бросается в глаза - это уставший взгляд, а также характерный возрасту цвет лица, морщины, редеющие волосы и уставшие руки.
Вуд наполнил всю картину говорящими деталями, важны и элементы одежды, и растение в руках женщины. Передник, например, является довольно красноречивой отсылкой, показывающей любвь женщины к хозяйству и собственному дому. Самый любопытный фрагмент картины — цветок. Художник отказывается от живописного распустившегося бутона и рисует грубую трёхполосную сансевиерию в глиняном горшке. Растение символизирует прямолинейность его владелицы.

Вуд использовал множество аллегорических символов, чтобы написать живой портрет своей матери, ярко передающий ее характер.