26 августа в Музее Вадима Сидура открылась выставка Владимира Чернышёва «Предпоследний человек на Земле». Проект проходит при поддержке Artwin Gallery.
«Предпоследний человек на Земле» — проект, подобный наброску, художественной заметке в дневнике безымянного путешественника, который обнаруживает себя в постапокалиптическом мире. В этом сценарии человек сам постепенно погружается вглубь, оказываясь на грани исчезновения. Неслучайно самым современным из материалов, которые использует Чернышёв, становится гудрон — своеобразный осколок, эхо промышленной цивилизации, а сажа, используемая в графике, отсылает к огню, одному из первых источников протохудожественных материалов.
Созданные художником специально для пространства музея графические произведения и сайт-специфик инсталляция также находят точки пересечения и с наследием Вадима Сидура. В поле его художественной рефлексии с 1970-х годов возникают размышления об антиутопическом сценарии будущего как отражении мрачного исторического фона эпохи.
Выставка продлится до 23 октября.
Подробнее на сайте
«Предпоследний человек на Земле» — проект, подобный наброску, художественной заметке в дневнике безымянного путешественника, который обнаруживает себя в постапокалиптическом мире. В этом сценарии человек сам постепенно погружается вглубь, оказываясь на грани исчезновения. Неслучайно самым современным из материалов, которые использует Чернышёв, становится гудрон — своеобразный осколок, эхо промышленной цивилизации, а сажа, используемая в графике, отсылает к огню, одному из первых источников протохудожественных материалов.
Созданные художником специально для пространства музея графические произведения и сайт-специфик инсталляция также находят точки пересечения и с наследием Вадима Сидура. В поле его художественной рефлексии с 1970-х годов возникают размышления об антиутопическом сценарии будущего как отражении мрачного исторического фона эпохи.
Выставка продлится до 23 октября.
Подробнее на сайте
👍10
Продолжение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера!
В конце XVIII – начале XIX века, во время становления американского изобразительного искусства и появления собственной художественной школы, основную массу художников в США составляли талантливые самоучки и любители, в основном писавшие пейзажи и портреты в реалистическом стиле. К ним, безусловно, можно отнести и Хомера, который получил первые уроки живописи от собственной матери Хенриетты Бенсон Хомер (она была художницей-любительницей, писавшей акварели, и во многом благодаря ей Уинслоу Хомер еще в школьные годы начинает рисовать).
Профессиональные живописцы Америки того времени отдавали предпочтение патриотическим полотнам и портретам политических деятелей.
Хомер начал свою карьеру в искусстве, став подмастерьем в литографической компании Джона Баффорда в Бостоне. В конце 50-х он начинает работать на Harper’s Weekly, и это сотрудничество продолжается после переезда художника в Нью-Йорк.
На первых порах работа Хомера заключалась в том, чтобы копировать фотографии. Дело в том, что в то время для переноса фотоснимка на газетные или журнальные страницы требовалось сначала превратить его в гравюру. Для этого фотография печаталась на пластине, литограф делал по ней рисунок, который затем переносился в зеркальном отображении на большой деревянный блок. И уже с помощью этого огромного «штампа» гравюры печатались в газете.
Работа Хомера оставляла мало простора для фантазии и творческой реализации, поскольку главной задачей было как можно более точно перенести детали с фотографии на рисунок. Чаще всего эти гравюры публиковались даже без упоминания имени Хомера. Со временем Harper’s начинает расширять обязанности художника, его отправляют на разные мероприятия, где он делает зарисовки с натуры. К примеру, издание публикует несколько рисунков, сделанных Хомером на инаугурации Авраама Линкольна. Но даже при том, что это были уже собственные работы Хомера, они, тем не менее, далеко не всегда подписывались его именем в журнале. Часто его представляли просто как «специального художника» (по аналогии со специальным корреспондентом). Это же обозначение использовалось и для других художников, сотрудничавших с журналом, поэтому сейчас довольно сложно определить, какие именно иллюстрации принадлежат Хомеру, особенно спорны вещи, относящиеся к его ранним годам в журнале. Некоторые из работ Хомера можно узнать по его автографу в углу, другие все же были подписаны его именем, а кое-какие приписываются ему из-за узнаваемого стиля рисунков.
Хомер продолжает работать иллюстратором вплоть до 1875 года, хотя на тот момент он уже успел стать известным в США художником, картины которого хорошо продавались. Он так и не получил профессионального художественного образования, но в конце 50-х – начале 60-х посещал занятия в Национальной академии дизайна (где в 1860 году была выставлена его популярная на тот момент акварель «Катание на коньках в центральном парке») и брал уроки живописи у Фредерика Рондела и Томаса Сейра Каммингса. Хомер даже мечтал отправиться в Европу, чтобы продолжить обучение, но осуществлению этих планов помешала Гражданская война.
Несмотря на известность, Хомер не спешит лишать себя источника постоянного дохода. Финансовые вопросы особенно беспокоили художника, поскольку его отец, истративший все заработанные в годы «золотой лихорадки» деньги, в последние годы жил за счет Хомера и двоих его братьев.
Продолжение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера в следующей публикации!
🇬🇧Winslow Homer.
В конце XVIII – начале XIX века, во время становления американского изобразительного искусства и появления собственной художественной школы, основную массу художников в США составляли талантливые самоучки и любители, в основном писавшие пейзажи и портреты в реалистическом стиле. К ним, безусловно, можно отнести и Хомера, который получил первые уроки живописи от собственной матери Хенриетты Бенсон Хомер (она была художницей-любительницей, писавшей акварели, и во многом благодаря ей Уинслоу Хомер еще в школьные годы начинает рисовать).
Профессиональные живописцы Америки того времени отдавали предпочтение патриотическим полотнам и портретам политических деятелей.
Хомер начал свою карьеру в искусстве, став подмастерьем в литографической компании Джона Баффорда в Бостоне. В конце 50-х он начинает работать на Harper’s Weekly, и это сотрудничество продолжается после переезда художника в Нью-Йорк.
На первых порах работа Хомера заключалась в том, чтобы копировать фотографии. Дело в том, что в то время для переноса фотоснимка на газетные или журнальные страницы требовалось сначала превратить его в гравюру. Для этого фотография печаталась на пластине, литограф делал по ней рисунок, который затем переносился в зеркальном отображении на большой деревянный блок. И уже с помощью этого огромного «штампа» гравюры печатались в газете.
Работа Хомера оставляла мало простора для фантазии и творческой реализации, поскольку главной задачей было как можно более точно перенести детали с фотографии на рисунок. Чаще всего эти гравюры публиковались даже без упоминания имени Хомера. Со временем Harper’s начинает расширять обязанности художника, его отправляют на разные мероприятия, где он делает зарисовки с натуры. К примеру, издание публикует несколько рисунков, сделанных Хомером на инаугурации Авраама Линкольна. Но даже при том, что это были уже собственные работы Хомера, они, тем не менее, далеко не всегда подписывались его именем в журнале. Часто его представляли просто как «специального художника» (по аналогии со специальным корреспондентом). Это же обозначение использовалось и для других художников, сотрудничавших с журналом, поэтому сейчас довольно сложно определить, какие именно иллюстрации принадлежат Хомеру, особенно спорны вещи, относящиеся к его ранним годам в журнале. Некоторые из работ Хомера можно узнать по его автографу в углу, другие все же были подписаны его именем, а кое-какие приписываются ему из-за узнаваемого стиля рисунков.
Хомер продолжает работать иллюстратором вплоть до 1875 года, хотя на тот момент он уже успел стать известным в США художником, картины которого хорошо продавались. Он так и не получил профессионального художественного образования, но в конце 50-х – начале 60-х посещал занятия в Национальной академии дизайна (где в 1860 году была выставлена его популярная на тот момент акварель «Катание на коньках в центральном парке») и брал уроки живописи у Фредерика Рондела и Томаса Сейра Каммингса. Хомер даже мечтал отправиться в Европу, чтобы продолжить обучение, но осуществлению этих планов помешала Гражданская война.
Несмотря на известность, Хомер не спешит лишать себя источника постоянного дохода. Финансовые вопросы особенно беспокоили художника, поскольку его отец, истративший все заработанные в годы «золотой лихорадки» деньги, в последние годы жил за счет Хомера и двоих его братьев.
Продолжение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера в следующей публикации!
🇬🇧Winslow Homer.
👍13❤1
В галерее ГУМ-Red-Line
откроется персональная выставка
Андрея Люблинского «Кто они?»
9.09 – 1.11.2022
8 сентября в галерее @gum_redline состоится открытие нового проекта Андрея Люблинского — художника, прославившегося благодаря модульным объектам Red People в начале 2000-х. В экспозицию вошли как монументальные, крупномасштабные, так и камерные произведения: тиражная графика, видео, скульптура и живопись.
На выставке в галерее ГУМ-Red-Line будет представлена новая серия работ «Кто они?» – расширенная вселенная персонажей, впервые появившихся на Фестивале паблик-арта «ЧО» в Екатеринбурге в 2020 году как проект «Художественно-пространственное ориентирование». Бывшие когда-то барельефами на фасадах в столице Урала, в Москве пестрые персонажи появляются в виде восьми самостоятельных металлических объектов выше человеческого роста.
Эти скульптуры в равной степени являют собой личную мифологию выросшего в СССР художника и художественное осмысление социально-исторического контекста. Название проекта – скорее риторический вопрос, который не требует ответа, но приглашает зрителя к сотворчеству. Также на выставке будут представлены тиражная графика, видео, живопись. Куратором проекта выступила искусствовед Анастасия Митюшина.
Вдохновляясь разнообразными примерами геометрической абстракции ХХ–ХХI веков, практикой оп-арта и дерзкой работой с цветом в интерьере от группы «Мемфис», Люблинский «очеловечивает» беспредметность. Все цветовые и композиционные дилеммы геометрической абстракции разрешаются у художника в человекоподобных контурах. Его персонажи могут быть и далеки от человеческого облика (арбуз или елка), но их телесное устройство унифицировано – все они обладают крепкими ногами и воплощают устойчивость. Таким образом, художник приручает мир цвета и линий, позволяя зрителю встать на одну позицию с его героями и тем самым освобождая его от частой робости перед отсутствием повествования в произведении.
Люблинский создает произведения группами, его увлекает магическая плодовитость воображаемого мира, изобильность и насыщенность, обнаруживаемая в множественности инвариантов. Эта мерная повторяемость работы по исходному шаблону приносит художнику терапевтическое освобождение от дум о повседневности.
В этой же логике стоит рассматривать вовлечение зрителя в творческое взаимодействие, к которому художник щедро приглашает каждого пришедшего. Возможно, погружая посетителя в процесс подбора цветового решения для «неизвестного» или в дурачество с анимированным ярким персонажем онлайн, художник надеется, что его акт творчества найдет соратников.
Выставка продлится до 1 ноября.
О художнике:
Андрей Люблинский – петербургский дизайнер, художник и куратор. Его работы демонстрировались на многочисленных персональных и групповых выставках в России, Европе и США. Произведения Люблинского находятся в российских и зарубежных музейных и частных собраниях, в том числе Государственного Русского музея, Музея современного искусства РЕRММ, музея современного искусства «Эрарта». Он является участником группы «Колдовские художники», работающей в стиле «мультреализм».
О галерее:
Пространство галереи ГУМ-Red-Line занимает 280 квадратных метров парадной стороны здания, выходящего на Красную площадь. Помимо блестящей архитектуры Александра Померанцева, эти залы имеют еще и важное историческое прошлое: именно здесь в 1893 году открылась галерея Генриха Афанасьевича Брокара – знаменитого московского парфюмера и собирателя. Поддерживая традиции прошлого, галерея ГУМ-Red-Line стала отправной точкой формирования нового культурного пространства, в котором посетители ГУМа смогут познакомиться с современным искусством.
Часы работы галереи: ежедневно с 10 до 22 часов на 3-м этаже 1-й линии ГУМа.
Подробнее по ссылке!
откроется персональная выставка
Андрея Люблинского «Кто они?»
9.09 – 1.11.2022
8 сентября в галерее @gum_redline состоится открытие нового проекта Андрея Люблинского — художника, прославившегося благодаря модульным объектам Red People в начале 2000-х. В экспозицию вошли как монументальные, крупномасштабные, так и камерные произведения: тиражная графика, видео, скульптура и живопись.
На выставке в галерее ГУМ-Red-Line будет представлена новая серия работ «Кто они?» – расширенная вселенная персонажей, впервые появившихся на Фестивале паблик-арта «ЧО» в Екатеринбурге в 2020 году как проект «Художественно-пространственное ориентирование». Бывшие когда-то барельефами на фасадах в столице Урала, в Москве пестрые персонажи появляются в виде восьми самостоятельных металлических объектов выше человеческого роста.
Эти скульптуры в равной степени являют собой личную мифологию выросшего в СССР художника и художественное осмысление социально-исторического контекста. Название проекта – скорее риторический вопрос, который не требует ответа, но приглашает зрителя к сотворчеству. Также на выставке будут представлены тиражная графика, видео, живопись. Куратором проекта выступила искусствовед Анастасия Митюшина.
Вдохновляясь разнообразными примерами геометрической абстракции ХХ–ХХI веков, практикой оп-арта и дерзкой работой с цветом в интерьере от группы «Мемфис», Люблинский «очеловечивает» беспредметность. Все цветовые и композиционные дилеммы геометрической абстракции разрешаются у художника в человекоподобных контурах. Его персонажи могут быть и далеки от человеческого облика (арбуз или елка), но их телесное устройство унифицировано – все они обладают крепкими ногами и воплощают устойчивость. Таким образом, художник приручает мир цвета и линий, позволяя зрителю встать на одну позицию с его героями и тем самым освобождая его от частой робости перед отсутствием повествования в произведении.
Люблинский создает произведения группами, его увлекает магическая плодовитость воображаемого мира, изобильность и насыщенность, обнаруживаемая в множественности инвариантов. Эта мерная повторяемость работы по исходному шаблону приносит художнику терапевтическое освобождение от дум о повседневности.
В этой же логике стоит рассматривать вовлечение зрителя в творческое взаимодействие, к которому художник щедро приглашает каждого пришедшего. Возможно, погружая посетителя в процесс подбора цветового решения для «неизвестного» или в дурачество с анимированным ярким персонажем онлайн, художник надеется, что его акт творчества найдет соратников.
Выставка продлится до 1 ноября.
О художнике:
Андрей Люблинский – петербургский дизайнер, художник и куратор. Его работы демонстрировались на многочисленных персональных и групповых выставках в России, Европе и США. Произведения Люблинского находятся в российских и зарубежных музейных и частных собраниях, в том числе Государственного Русского музея, Музея современного искусства РЕRММ, музея современного искусства «Эрарта». Он является участником группы «Колдовские художники», работающей в стиле «мультреализм».
О галерее:
Пространство галереи ГУМ-Red-Line занимает 280 квадратных метров парадной стороны здания, выходящего на Красную площадь. Помимо блестящей архитектуры Александра Померанцева, эти залы имеют еще и важное историческое прошлое: именно здесь в 1893 году открылась галерея Генриха Афанасьевича Брокара – знаменитого московского парфюмера и собирателя. Поддерживая традиции прошлого, галерея ГУМ-Red-Line стала отправной точкой формирования нового культурного пространства, в котором посетители ГУМа смогут познакомиться с современным искусством.
Часы работы галереи: ежедневно с 10 до 22 часов на 3-м этаже 1-й линии ГУМа.
Подробнее по ссылке!
👍9🔥1
Завершение истории о жизни и творчестве Уинслоу Хомера!
Многие персонажи картин Хомера были реально существующими людьми, которых он изображал либо с натуры, либо по памяти. Ээмоциональная и выразительная картина «Отлив» (1886) была написана после увиденной художником сцены спасения из воды двух неосторожных купальщиц. Одного из своих друзей, генерала Барлоу, с которым художник познакомился во время Гражданской войны, он увековечил на знаменитом полотне «Пленные с фронта» (1866). Еще один друг Хомера, художник и страстный любитель рыбалки Элифалет Терри, стал героем картины "Вываживание рыбы" (Playing a fish, 1875-1895).
Одной из главных тем, к которой в своем творчестве Хомер обращался чаще всего, можно даже сказать, одним из главных действующих лиц на его полотнах было море. Скалистые берега, рыбацкие лодки, захватывающие дух закаты, вечная двойственность моря, одновременно являющегося и кормильцем, и врагом, необузданность стихии и ничтожность человека перед ее лицом – все это есть в картинах Хомера. Своих натурщиков, которых художник изображал в морских сюжетах, он иногда в самом деле погружал в воду, чтобы достовернее изобразить облепившую тело мокрую одежду.
Морская тематика становится преобладающей в работах Хомера в последние годы его жизни. Он часто путешествует, но неизменно возвращается в свою студию в Праутс Нек (штат Мэн), где работает в полном уединении. В этот период художник постоянно дорабатывает старые картины, а темами его новых произведений, особенно после смерти отца художника в 1898 году, становятся драматические сюжеты, исполненные одиночества, отчаяния, тоски и напоминания о неотвратимом приближении гибели. Это и предельно тревожная работа «Туман надвигается» (1885), и эмоциональная картина «Линия жизни» (1884), запечатлевшая спасение женщины после кораблекрушения, и знаменитое полотно «Гольфстрим» (1889), на котором лодка дрейфует в окружении акул.
Еще в 1880-е годы, в период некоторого творческого спада, в характере Хомера начинает проявляться нелюдимость, он сознательно избегает общества людей. В конце концов, художник внезапно уезжает в Англию, где вдохновенно изображает сцены жизни рыбацкого поселения, восхищаясь стойкостью рыболовов и отвагой их женщин. Именно в этот период начинается взлет художественной карьеры Хомера, но его потребность в уединении тоже растет с каждым годом. В одной из последних работ, «Лисьей охоте» (1893), он даже отказывается от изображения людей на полотне.
Художник умер в 1910 году в своей студии в Праутс Нек. Хотя уже в 1890-е годы Хомер получил широкое признание и его работы продавались за огромные деньги, новость о его кончине осталась практически незамеченной, а настоящее признание его художественных достижений пришло только после смерти. В начале XXI века Музей искусства Портленда выкупил дом-студию Хомера в Праутс Нек и отреставрировал его. Дом был открыт для публики в 2012 году.
🇬🇧Winslow Homer.
Многие персонажи картин Хомера были реально существующими людьми, которых он изображал либо с натуры, либо по памяти. Ээмоциональная и выразительная картина «Отлив» (1886) была написана после увиденной художником сцены спасения из воды двух неосторожных купальщиц. Одного из своих друзей, генерала Барлоу, с которым художник познакомился во время Гражданской войны, он увековечил на знаменитом полотне «Пленные с фронта» (1866). Еще один друг Хомера, художник и страстный любитель рыбалки Элифалет Терри, стал героем картины "Вываживание рыбы" (Playing a fish, 1875-1895).
Одной из главных тем, к которой в своем творчестве Хомер обращался чаще всего, можно даже сказать, одним из главных действующих лиц на его полотнах было море. Скалистые берега, рыбацкие лодки, захватывающие дух закаты, вечная двойственность моря, одновременно являющегося и кормильцем, и врагом, необузданность стихии и ничтожность человека перед ее лицом – все это есть в картинах Хомера. Своих натурщиков, которых художник изображал в морских сюжетах, он иногда в самом деле погружал в воду, чтобы достовернее изобразить облепившую тело мокрую одежду.
Морская тематика становится преобладающей в работах Хомера в последние годы его жизни. Он часто путешествует, но неизменно возвращается в свою студию в Праутс Нек (штат Мэн), где работает в полном уединении. В этот период художник постоянно дорабатывает старые картины, а темами его новых произведений, особенно после смерти отца художника в 1898 году, становятся драматические сюжеты, исполненные одиночества, отчаяния, тоски и напоминания о неотвратимом приближении гибели. Это и предельно тревожная работа «Туман надвигается» (1885), и эмоциональная картина «Линия жизни» (1884), запечатлевшая спасение женщины после кораблекрушения, и знаменитое полотно «Гольфстрим» (1889), на котором лодка дрейфует в окружении акул.
Еще в 1880-е годы, в период некоторого творческого спада, в характере Хомера начинает проявляться нелюдимость, он сознательно избегает общества людей. В конце концов, художник внезапно уезжает в Англию, где вдохновенно изображает сцены жизни рыбацкого поселения, восхищаясь стойкостью рыболовов и отвагой их женщин. Именно в этот период начинается взлет художественной карьеры Хомера, но его потребность в уединении тоже растет с каждым годом. В одной из последних работ, «Лисьей охоте» (1893), он даже отказывается от изображения людей на полотне.
Художник умер в 1910 году в своей студии в Праутс Нек. Хотя уже в 1890-е годы Хомер получил широкое признание и его работы продавались за огромные деньги, новость о его кончине осталась практически незамеченной, а настоящее признание его художественных достижений пришло только после смерти. В начале XXI века Музей искусства Портленда выкупил дом-студию Хомера в Праутс Нек и отреставрировал его. Дом был открыт для публики в 2012 году.
🇬🇧Winslow Homer.
👍17