Мастера советского фарфора: Светлана Голембовская — искусство, вдохновлённое детством и природой
Светлана Владиславовна Голембовская (также в источниках встречается фамилия Болзан, 1927-2016) — известный советский скульптор, создавшая множество статуэток, которые в настоящее время пользуются огромным спросом у коллекционеров. Родилась будущая мастерица в Одессе 28 июля 1927 года. Любовь к творчеству у нее перешла по наследству: отец был живописцем, дед создавал ковры.
В 1945 году окончила Киевское государственное училище прикладного и декоративного искусства, которое впоследствии было преобразовано в институт декоративно-прикладного искусства и дизайна им. Михаила Бойчука. После этого перешла в Одесское художественное училище им. М. Б. Грекова на отделение керамики. Среди учителей были именитые художники того времени, которые научили ее в совершенстве владеть искусством работы с керамикой. Учеба в Одессе придала романтики ее восприятию действительности. Здесь ее окружали не только красивая природа и архитектура, но также музеи с историческим наследием величайших художников Врубеля, Серова, Констанди и других.
Декоративные изделия в исполнении Голембовской
В 1950 году, завершая обучение, студентка Голембовская представила дипломную работу «Звездочет». Ее заметили и пригласили на Киевский экспериментальный керамико-художественный завод, где она проработала 14 лет, вплоть до 1964 года. Начинающая художница смогла полностью реализовать себя. Она начала с детской тематики: малыши с мячиком, собачкой в новом платьице и другими образами. Все работы излучают тепло; они светлые и радостные, сохранив для потомков характер художницы такой, какой ее запомнили современники. Дети выглядят естественно, автор смогла уловить и передать особенности психики детей, их непосредственность и эмоции. Работы выполнены с любовью и добрым юмором. Причем прообразом большинства работ служат ее дочери.
Однако не всегда задумки понимали правильно. Так как все работы для серийного выпуска должны были быть одобрены высочайшим Художественным советом, то иногда приходилось вносить коррективы. В 1956 году на строгий суд была представлена работа «Всадник»: маленький мальчик на лошадке-качалке. Один из членов худсовета возмутился: «Почему без обуви?». Пришлось вопреки идее надевать ботиночки. Не могла она объяснить, что ребенок летом и на теплом солнышке будет лучше чувствовать землю босиком.
Вместе с главным художником завода она также занималась другой интересной работой — разработкой посуды. Множество ее разработок были запущены в серийное производство не только на родном заводе, но и переданы в тираж другим предприятиям Украинской ССР. Многие отмечали ее талант в композиционных решениях и цветовой гамме.
В 1964 году Светлана Владиславовна переходит на Киевский завод художественного стекла. Ее направлением были декоративная керамика, цветной хрусталь и стекло. Помимо фигур малой пластики, она активно занималась разработкой и росписью ваз, блюд, тарелок, чашек, разнообразных наборов посуды. Светлана Владиславовна поставила в своей жизни цель: быть нужной людям, об этом она неоднократно говорила в интервью.
Светлана Голембовская любила создавать произведения искусства руками, в том числе методом формовки изделий из стекла в гутной технике. Обладала огромной фантазией и постоянно экспериментировала. Именно она в самом начале 1970-х годов смогла освоить декоративный прием «цветная крошка» и научила им пользоваться других художников завода. Несмотря на относительную простоту, необходимо было научиться правильно прогревать изделия в печи для получения ровного рисунка, применять металлические, керамические и гипсовые шаблоны.
За свои достижения уже в 1956 году Светлана Владиславовна была удостоена членства в Союзе художников. Это открыло ей доступ к участию в мероприятиях республиканского и международного уровня. Мастер одновременно работала над созданием моделей для массового производства и разрабатывала уникальные формы для выставок, выполняла индивидуальные заказы.
Светлана Владиславовна Голембовская (также в источниках встречается фамилия Болзан, 1927-2016) — известный советский скульптор, создавшая множество статуэток, которые в настоящее время пользуются огромным спросом у коллекционеров. Родилась будущая мастерица в Одессе 28 июля 1927 года. Любовь к творчеству у нее перешла по наследству: отец был живописцем, дед создавал ковры.
В 1945 году окончила Киевское государственное училище прикладного и декоративного искусства, которое впоследствии было преобразовано в институт декоративно-прикладного искусства и дизайна им. Михаила Бойчука. После этого перешла в Одесское художественное училище им. М. Б. Грекова на отделение керамики. Среди учителей были именитые художники того времени, которые научили ее в совершенстве владеть искусством работы с керамикой. Учеба в Одессе придала романтики ее восприятию действительности. Здесь ее окружали не только красивая природа и архитектура, но также музеи с историческим наследием величайших художников Врубеля, Серова, Констанди и других.
Декоративные изделия в исполнении Голембовской
В 1950 году, завершая обучение, студентка Голембовская представила дипломную работу «Звездочет». Ее заметили и пригласили на Киевский экспериментальный керамико-художественный завод, где она проработала 14 лет, вплоть до 1964 года. Начинающая художница смогла полностью реализовать себя. Она начала с детской тематики: малыши с мячиком, собачкой в новом платьице и другими образами. Все работы излучают тепло; они светлые и радостные, сохранив для потомков характер художницы такой, какой ее запомнили современники. Дети выглядят естественно, автор смогла уловить и передать особенности психики детей, их непосредственность и эмоции. Работы выполнены с любовью и добрым юмором. Причем прообразом большинства работ служат ее дочери.
Однако не всегда задумки понимали правильно. Так как все работы для серийного выпуска должны были быть одобрены высочайшим Художественным советом, то иногда приходилось вносить коррективы. В 1956 году на строгий суд была представлена работа «Всадник»: маленький мальчик на лошадке-качалке. Один из членов худсовета возмутился: «Почему без обуви?». Пришлось вопреки идее надевать ботиночки. Не могла она объяснить, что ребенок летом и на теплом солнышке будет лучше чувствовать землю босиком.
Вместе с главным художником завода она также занималась другой интересной работой — разработкой посуды. Множество ее разработок были запущены в серийное производство не только на родном заводе, но и переданы в тираж другим предприятиям Украинской ССР. Многие отмечали ее талант в композиционных решениях и цветовой гамме.
В 1964 году Светлана Владиславовна переходит на Киевский завод художественного стекла. Ее направлением были декоративная керамика, цветной хрусталь и стекло. Помимо фигур малой пластики, она активно занималась разработкой и росписью ваз, блюд, тарелок, чашек, разнообразных наборов посуды. Светлана Владиславовна поставила в своей жизни цель: быть нужной людям, об этом она неоднократно говорила в интервью.
Светлана Голембовская любила создавать произведения искусства руками, в том числе методом формовки изделий из стекла в гутной технике. Обладала огромной фантазией и постоянно экспериментировала. Именно она в самом начале 1970-х годов смогла освоить декоративный прием «цветная крошка» и научила им пользоваться других художников завода. Несмотря на относительную простоту, необходимо было научиться правильно прогревать изделия в печи для получения ровного рисунка, применять металлические, керамические и гипсовые шаблоны.
За свои достижения уже в 1956 году Светлана Владиславовна была удостоена членства в Союзе художников. Это открыло ей доступ к участию в мероприятиях республиканского и международного уровня. Мастер одновременно работала над созданием моделей для массового производства и разрабатывала уникальные формы для выставок, выполняла индивидуальные заказы.
Светлана Владиславовна приняла участие более чем в 200-х выставках разного уровня внутри СССР и за рубежом, включая Китай, Японию, Канаду, Бирму и страны Европы. Среди ее наград золотая и серебряная медали ВДНХ, грамота президиума Верховной Рады УССР. В 1983 году за конструирование множества моделей, запущенных в промышленное производство, декоративных произведений искусства, значительный вклад в выполнение госзаказов и активное участие в выставках разного уровня, ей присвоили звание заслуженный художник УССР. В период с 1989 по 2007 годы в Киеве было организовано несколько ее личных выставок. Сейчас многие ее работы украшают экспозиционные залы и музеи, а также частные коллекции.
Статуэтка «Дети с голубями», Киевский экспериментальный керамико-художественный завод, 1950-60-е годы, скульптор Голембовская С. В. (Болзан), фарфор. Фото с нашего сайта dvaveka.ru
❤1
Изящные линии времени: как фэшн-иллюстрация формировала моду и общество
Мода стремительно меняется. Вспомнить, что носили в прошлом веке или даже несколько лет назад, нам могут помочь фотографии тех лет. Но что было до их изобретения или в те годы, когда они еще не смогли получить широкого распространения, также весьма интересно.
Предшественник журнала мод — фэшн-иллюстрации
Парижская мода второй половины XIX века отличалась особой элегантностью. Каждая дама была похожа на принцессу. Тогда ценились сложные наряды. Платья тех лет имели определенные особенности:
расширяющиеся к низу длинные юбки;
пышные рукава;
обязательный зонт в руках;
другие крупные аксессуары: шляпки, веера, украшения.
Наличие зонта в руках обуславливалось эталоном красоты: бледное лицо и утонченный образ. Наличие веснушек или смуглая кожа допускались только для низшего класса общества. Зонтик помогал дамам спрятаться от лучей солнца и выглядеть изящнее одновременно.
Всю эту красоту мы можем сейчас увидеть благодаря тенденции тех лет создавать фэшн-иллюстрации. Последнее понятие еще иногда носит название «модная иллюстрация» — это любое изображение, связанное с темой моды. Могла использоваться графика или живопись. Часто это не просто детальное изображение костюма, но и окружающей обстановки: пейзаж, внутренний интерьер помещений, мебель, домашняя утварь и прочее. Такое подробное изображение тем и интересно, что человек представлен в антураже.
То были времена интенсивного развития технического прогресса, обновления традиций, золотой век русской литературы, архитектуры и искусства. Во всем искали новый подход, это коснулось и моды. Фэшн-иллюстрации сохранили для потомков мельчайшие детали каждого из нарядов, особенности кроя, его декор. Благодаря этим картинкам можно заметить, что тенденции менялись в те годы с такой же стремительной скоростью, как и в наши дни.
Зародилось явление модной иллюстрации во времена географических открытий (с начала XVI века). Ее роль была исключительно информационная. В частности, необходимо было точно передать детали национальных костюмов. Во второй половине XVII века стали выпускать первые журналы мод — сборники картинок с модными фасонами одежды. Предназначались они исключительно для определенного сословия, и стали популярным способом времяпрепровождения и темой для беседы.
Такие журналы могли иметь вклейки образцов тканей, список аксессуаров и прочих сопутствующих покупок. Только в XVIII веке подобного рода иллюстрации становятся ближе к изобразительному искусству и получают определенную эмоциональную окраску. Теперь эти изображения приобретают характер исторических фактов, сохранивших для потомков образ жизни людей тех лет.
Тенденции развития моды
Если вначале XVIII века на подобных гравюрах мы видим идеализированный образ дамы, то в конце века — это уже гораздо ближе к фотографии с точнейшей детализацией, которая выходит на передний план. Задача — передать особенности фасона и его колорит. Важным становится изобразить модель так, чтобы платье было видно со всех сторон. Французские модные картинки становятся желанным приобретением для самых тиражируемых журналов Англии и даже США.
Количество этих картинок в те годы бьет все рекорды по выпуску гравюр. Серьезные издатели заказывали уникальные изображения, те, кто победнее, просто копировали чужие. Подробно изображать окружающую среду на таких картинках стали с 40-х годов XIX века. Детализация доходила до рисунка ковра, декора на мебели, отдельных цветов и листьев кустарника, завитков на заграждении и прочих мелких деталей.
Строгое функциональное деление одежды в те годы было предусмотрено не только для женщин, но и для мужчин. Здесь разделение костюма более четкое: домашний, повседневный, визитный и бальный. Судя по фэшн-иллюстрациям, так как каждая гравюра подписывается в числе прочего годом, можно увидеть, как рубашку сменяет манишка, в фасоне брюк появляются штрипки и лампасы, можно четко проследить время появления фрака, визитки, смокинга, сюртука, пиджака и прочей одежды.
Мода стремительно меняется. Вспомнить, что носили в прошлом веке или даже несколько лет назад, нам могут помочь фотографии тех лет. Но что было до их изобретения или в те годы, когда они еще не смогли получить широкого распространения, также весьма интересно.
Предшественник журнала мод — фэшн-иллюстрации
Парижская мода второй половины XIX века отличалась особой элегантностью. Каждая дама была похожа на принцессу. Тогда ценились сложные наряды. Платья тех лет имели определенные особенности:
расширяющиеся к низу длинные юбки;
пышные рукава;
обязательный зонт в руках;
другие крупные аксессуары: шляпки, веера, украшения.
Наличие зонта в руках обуславливалось эталоном красоты: бледное лицо и утонченный образ. Наличие веснушек или смуглая кожа допускались только для низшего класса общества. Зонтик помогал дамам спрятаться от лучей солнца и выглядеть изящнее одновременно.
Всю эту красоту мы можем сейчас увидеть благодаря тенденции тех лет создавать фэшн-иллюстрации. Последнее понятие еще иногда носит название «модная иллюстрация» — это любое изображение, связанное с темой моды. Могла использоваться графика или живопись. Часто это не просто детальное изображение костюма, но и окружающей обстановки: пейзаж, внутренний интерьер помещений, мебель, домашняя утварь и прочее. Такое подробное изображение тем и интересно, что человек представлен в антураже.
То были времена интенсивного развития технического прогресса, обновления традиций, золотой век русской литературы, архитектуры и искусства. Во всем искали новый подход, это коснулось и моды. Фэшн-иллюстрации сохранили для потомков мельчайшие детали каждого из нарядов, особенности кроя, его декор. Благодаря этим картинкам можно заметить, что тенденции менялись в те годы с такой же стремительной скоростью, как и в наши дни.
Зародилось явление модной иллюстрации во времена географических открытий (с начала XVI века). Ее роль была исключительно информационная. В частности, необходимо было точно передать детали национальных костюмов. Во второй половине XVII века стали выпускать первые журналы мод — сборники картинок с модными фасонами одежды. Предназначались они исключительно для определенного сословия, и стали популярным способом времяпрепровождения и темой для беседы.
Такие журналы могли иметь вклейки образцов тканей, список аксессуаров и прочих сопутствующих покупок. Только в XVIII веке подобного рода иллюстрации становятся ближе к изобразительному искусству и получают определенную эмоциональную окраску. Теперь эти изображения приобретают характер исторических фактов, сохранивших для потомков образ жизни людей тех лет.
Тенденции развития моды
Если вначале XVIII века на подобных гравюрах мы видим идеализированный образ дамы, то в конце века — это уже гораздо ближе к фотографии с точнейшей детализацией, которая выходит на передний план. Задача — передать особенности фасона и его колорит. Важным становится изобразить модель так, чтобы платье было видно со всех сторон. Французские модные картинки становятся желанным приобретением для самых тиражируемых журналов Англии и даже США.
Количество этих картинок в те годы бьет все рекорды по выпуску гравюр. Серьезные издатели заказывали уникальные изображения, те, кто победнее, просто копировали чужие. Подробно изображать окружающую среду на таких картинках стали с 40-х годов XIX века. Детализация доходила до рисунка ковра, декора на мебели, отдельных цветов и листьев кустарника, завитков на заграждении и прочих мелких деталей.
Строгое функциональное деление одежды в те годы было предусмотрено не только для женщин, но и для мужчин. Здесь разделение костюма более четкое: домашний, повседневный, визитный и бальный. Судя по фэшн-иллюстрациям, так как каждая гравюра подписывается в числе прочего годом, можно увидеть, как рубашку сменяет манишка, в фасоне брюк появляются штрипки и лампасы, можно четко проследить время появления фрака, визитки, смокинга, сюртука, пиджака и прочей одежды.
Фэшн-иллюстрация прежде всего была коммерческим продуктом, задачей было продать товары, услуги или привлечь внимание к своему предприятию. Изображение было комплексным, формировался образ мастерами из самых разных областей. Поэтому на картинке, бывало, указывались несколько заказчиков, которыми могли быть: ателье, торговцы тканями и аксессуарами, магазины, портные, парикмахеры, производители шляпок и обуви.
В этом отношении большое количество людей на изображении было достаточно выгодным, можно было представить гораздо больше отдельных деталей одежды, чем на индивидуальном портрете. В 50-х годах XIX века гравюры становятся больше — на полный разворот. На таких больших изображениях легко размещались 5-10 фигур, каждая из них была видна достаточно четко. Такие журналы издавались четыре раза в год к каждому сезону. Надписи подсказывали потенциальным покупателям предназначение такого наряда: выход в свет, катание на коньках, выезд на природу, маскарад и другие. Спустя 10 лет тенденция меняется, стараются изобразить один туалет, но максимально подробнее. Именно с этих публикаций появилась традиция в каждый выпуск включать отдельную вкладку со свадебными платьями.
В те годы над модными иллюстрациями во Франции работало свыше 500 профессиональных художников и граверов. Причем среди них были не только мужчины, но и женщины. В эти же годы такие картинки становятся предметом коллекционирования. Именно этим энтузиастам современные музеи и частные лица весьма признательны за сбережение этих листочков. Иногда они переплетались вместе в тетрадки, а в других случаях их вставляли в рамки и украшали стены.
Со второй половины XIX века Франция вышла на позиции «законодательницы мод». В продвижении к этой позиции ей сильно помогли средства массовой информации, а в большей степени журналы мод. Как известно, людей прежде всего привлекают яркие картинки, так что модные иллюстрации внесли огромный вклад в мировую историю.
В этом отношении большое количество людей на изображении было достаточно выгодным, можно было представить гораздо больше отдельных деталей одежды, чем на индивидуальном портрете. В 50-х годах XIX века гравюры становятся больше — на полный разворот. На таких больших изображениях легко размещались 5-10 фигур, каждая из них была видна достаточно четко. Такие журналы издавались четыре раза в год к каждому сезону. Надписи подсказывали потенциальным покупателям предназначение такого наряда: выход в свет, катание на коньках, выезд на природу, маскарад и другие. Спустя 10 лет тенденция меняется, стараются изобразить один туалет, но максимально подробнее. Именно с этих публикаций появилась традиция в каждый выпуск включать отдельную вкладку со свадебными платьями.
В те годы над модными иллюстрациями во Франции работало свыше 500 профессиональных художников и граверов. Причем среди них были не только мужчины, но и женщины. В эти же годы такие картинки становятся предметом коллекционирования. Именно этим энтузиастам современные музеи и частные лица весьма признательны за сбережение этих листочков. Иногда они переплетались вместе в тетрадки, а в других случаях их вставляли в рамки и украшали стены.
Со второй половины XIX века Франция вышла на позиции «законодательницы мод». В продвижении к этой позиции ей сильно помогли средства массовой информации, а в большей степени журналы мод. Как известно, людей прежде всего привлекают яркие картинки, так что модные иллюстрации внесли огромный вклад в мировую историю.
❤1