В этом году на «Кинотавре» победил «Бык» — фильм о 90-х, снятый начинающим режиссером Борисом Акоповым. Это первый за десятилетие случай, когда дебютная работа взяла главный приз фестиваля. «Кино-Панк» разобрался, почему кино стало важным для жюри и почему оно должно стать важным для зрителя.

Первый же вывод, который возникает после просмотра – это кино, в котором сюжет вторичен. Он, в общем-то, почти банален – криминальная история, в которую поневоле ввязывается хороший парень Антон Быков по прозвищу «Бык». Впрочем, его сложно назвать «хорошим», если судить объективно: за плечами тюремный срок, занимается подпольным бизнесом, вместе с друзьями угоняя автомобили, иногда ходит на «стрелки» — защищает свой район. Но антураж подмосковных 90-х с порога дает понять зрителю – в это время и в этом месте очень сложно жить иначе. Поэтому все происходящее дальше можно предвидеть с самого начала, уже с того самого момента, когда Антона и его банду вербует крупный криминальный «авторитет». «Бык» не может отказаться от опасной сделки, вместе с друзьями устраивает набег на рынок и неизбежно оказывается под прицелом его владельца – не менее крупного и жестокого «авторитета». Так завязывается история стандартной, на первый взгляд, криминальной драмы. Но фильм неожиданно выделяется совсем другими сторонами – психологизмом и атмосферой, очень ярким антуражем. Именно эти акценты как бы «вынимают» картину из рамок заявленного жанра.

Атмосфера, которая окружает героя, гнетет настолько, что, закончив просмотр фильма, хочется вздохнуть от облегчения потому, что живешь в другое время. Это ощущение, скорее всего, коснется и тех, кто жил, и тех, кто не застал 90-е годы. Все показано в атмосфере вечной грязи, слякоти, страха. Даже клубы, в которых появляются герои, вызывают не ощущение расслабленности и отдыха, а стойкое чувство тревоги. Вокруг либо слишком громко, либо слишком тихо: ощущение, что нужно либо молчать и говорить шепотом, чтобы не услышали, либо кричать во все горло, отпугивая врагов и собственный страх. И – на контрасте – среди всей этой грязи, смятения, ужаса, людей, стреляющих другим и себе в головы, стоят дети. Они собираются в заброшенных домах, играют в «кис-брысь», видят, как на улицах стреляют и как дерутся на стрелках. В такой атмосфере рос и сам режиссер фильма, для которого 97-й год – не история, а реальные воспоминания, детские. И он показывает все происходящее не только через призму надломленного Антона Быкова, но и глазами десяти-пятнадцатилетних детей – единственных, кому удалось увидеть все, но избежать судьбы своих родителей и войти в новое тысячелетие целыми. И, возможно, это один из лучших режиссерских ходов в этом фильме, то, что помогает зрителю отвлечься от безысходности и получить ответ на вопрос «а что же дальше?».

Картина «Бык», впрочем, не задает аудитории какие-то принципиально новые вопросы. Но она показывает тех, кто решил жить не «за себя», а «за других» в обостренной, накаленной обстановке, где даже заступничество и братство для большинства стали бизнесом, а не искренним желанием. И предлагает зрителю: давайте порадуемся, что мы можем помогать и радоваться, жить для себя и не предавать других или собственные идеалы. И это действительно может стать хорошим и светлым посланием из времени, которое многие стараются забыть.

Состоялась премьера скандально-ожидаемого фильма «Тайна печати дракона». Это фэнтези, снятое объединенными киностудиями России и Китая, стремилось стать мощным, ярким кино и захватить высоты, доступные Голливуду. О том, что получилось в итоге, рассказывает «Кино-Панк».

Для создателей фильма важной задачей было (по их же словам на премьерном показе), как и всегда, поднять российское фэнтези-кино до уровня западного. Составляющими успеха должны были стать: звезды мировой величины (Джеки Чан, Арнольд Шварценеггер), высочайшего класса компьютерная графика, много юмора, ну и, конечно, захватывающий сюжет. Что не так со всеми этими пунктами?

У Чана и Шварценеггера в фильме случается такой дружеский междусобойчик. Их герои не являются главными действующими лицами, их появление просто должно придать картине лоск высококачественной работы. Оба они находятся в тюрьме Тауэр, которая для главных лиц является лишь отправной точкой сюжета. Но герои Джеки Чана и Арнольда Шварценеггера остаются в этой тюрьме до самого конца, почти по-братски дерутся и не оказывают никакого влияния на дальнейшие события. Возникают даже предположения, что появление этих героев необходимо было лишь для того, чтобы сделать привлекательный трейлер к фильму – в нем Чан и Шварценеггер выступают чуть ли не главными персонажами.

Над компьютерной графикой трудились много и заметно, что на это были потрачены серьезные средства. Но на выходе зритель видит мешанину в духе «все и сразу». Обилие ярких цветов, мигающих огней, слоумо и прочих эффектов мешают сосредоточиться и получить удовольствие от просмотра. В данном случае фильму только страдает от нагромождения визуальных «добавок», потому что их попытались сделать главной фишкой кино. На первом месте по значимости для создателей точно был визуал, а не сюжет.

А вот сюжет стал, пожалуй, основным провалом картины. Героев, отсылок, мотиваций так много, что съемочной команде совершенно не удаётся раскрыть хотя бы одного из персонажей. Получается какая-то идейная смесь, в которой одна женщина ищет возлюбленного, вторая жаждет справедливости, картограф изучает нравы других народов и разгадывает тайны, а три китайских брата-воина вдруг понимают, что присягнули на верность не принцессе, а колдунье. В довершение к этим и еще к десятку персонажей, чьи имена уже невозможно запомнить, прибавляется Петр Первый. Его история зачем-то искажена до полного абсурда. Он сбегает из тюрьмы Тауэр, куда был заточен англичанами (Почему? За что? Зачем нужен этот псевдоисторический пассаж в сторону англичан?). Он воюет в Китае, в то время как в Москве (почему не в Петербурге?) сидит его двойник (???), поставленный Александром Меньшиковым (которого играет Павел Воля, и зритель сразу вспоминает рекламу Кириешек). В итоге вместо сюжета аудитории достается кромешный ад из тысячи сюжетных линий и вдобавок обилия шуток, которые не могут насмешить даже пятилетнего.

И, как последний пункт, который вызывает желание выйти из зрительного зала, не дожидаясь концовки, возникает вездесущая реклама соуса «Махеевъ». Она фигурирует на царском застолье, купцы везут бочки соуса «Махеевъ» продавать в Англию, а в сцене, в общем-то достаточно красивой, когда герой въезжает в Москву 18-го века, огромная, почти неоновая вывеска марки торчит на стене купеческого дома. После этого зритель поймет окончательно, что он пришел в кино не получить удовольствие, а потратить деньги – часть из которых, возможно, пойдет на следующий проект создателей «Тайны печати дракона» - «Путешествие в Индию». И лучше бы следующего проекта уже не было.

16 сентября 2019 года Тверской суд Москвы приговорил актера Павла Устинова к трем годам и шести месяцам колонии общего режима по обвинению в нападении на сотрудника «Росгвардии».

Потерпевший – сержант Александр Лягин (на сегодняшний день уже старший сержант) заявил, что Устинов выкрикивал оскорбительные лозунги, а потом повредил ему плечо.

На видеозаписи задержания отчетливо видно, что Павел Устинов молча смотрел в экран своего телефона, после чего его повалили на землю четверо сотрудников «Росгвардии», один из которых нанёс Устинову два удара дубинкой.

Режиссер Светлана Проскурина представила публике новый фильм «Воскресенье». Ходило много слухов о том, что это будет политический, ну или хотя бы с политическим подтекстом, проект. Однако картина получилась совершенно другая и, возможно, даже лучше своих ожиданий. «Кино-Панк» разбирается в этом непростом кино и его цели.

Дмитрий Терехов – чиновник в небольшом провинциальном российском городке. У него много власти, достаточно денег, больная умирающая мать, оконченный, но не разрешенный брак, дочь, подруга, любовница. И записка, которую кто-то подкинул в почтовый ящик. На записке начертано: «Скоро умрешь».

Однако с героем пока ничего не происходит – по крайней мере, внешне. Он, как и другие люди, которые его окружают, живут, почти ничем не выдавая своей боли и горя, все – кроме любовницы, которая пытается покончить с собой, не выдерживая своего положения, своей жизни и людей вокруг. С этого события у Терехова начинается воскресенье, заполненное под завязку всем, кроме того, что действительно необходимо делать в этот день – отдыхать, думать о себе, своем прошлом и будущем, возможно, о Боге.

Так постепенно вырисовывается тема картины, основанная на мрачном, почти безысходном ощущении обязанности, долга одних людей перед другими, перед обществом, перед собой. В самой непростой ситуации оказывается именно сам главный герой. Все те вещи, которые стремится иметь практически каждый человек на планете, становятся оружием, направленным против него. У него есть власть, недоступная большинству – и большинство требует у него справедливости, помощи, содействия. У него больше денег, чем у большинства – и большинство требует у него денег. С каждой сценой, каждым диалогом Дмитрий становится все слабее. Так в картине начинает сквозить ее главная идея – о том, что человеческие цели и желания далеко не всегда приводят к счастью, а напротив, часто становятся причиной еще большего горя, и о том, что само счастье (или его отсутствие) – не измеряемые материальным величины. В фильме ставится под сомнение ценность жизни, которую человек проживает в вечном долгу перед кем-то. И в такой жизни, в которой бесконечное ожидание, монотонность существования, неверие в себя и в других становятся нормой, появляется зло. Иногда совершенно беспричинное, как дети на реке, готовые убить «за просто так». Но именно этот эпизод показывает, что дети с черной душой вырастают в том обществе, в котором им никто не расскажет, что жить можно не только с горем, но и с радостью. Кристально простые, наивные дети понимают эту жизненную заповедь буквально – жить можно как угодно, ведь в любом случае все будет плохо.

Атмосфера фильма пропитана цветом невыносимости, тяжести и насильственной жизни. И дерево, которое нещадно трясет огромный грохочущий бульдозер, и убитый барашек (который был убит прямо на съемках – и почти случайно) – все накладывается друг на друга и смешивается в тошнотворной атмосфере места, в котором не хочется жить.

Вот и главный герой, Дмитрий, постепенно умирает в пространстве, которое организовали сами люди, разучившиеся любить и чувствовать себя живыми. Воскреснет ли он?

На экраны вышел новый фильм ужасов от авторов старой, маститой франшизы «Пункт назначения». О том, каким получилось новое кино и достойно ли оно внимания зрителя, рассказывает «Кино-Панк».

Что прежде всего вызывает недоумение? Привязка в российском прокате к франшизе «Пункт назначения». Да, над фильмом работала та же команда, но если забыть об этом факте, новую часть с предыдущими не связывает ровным счетом ничего. У серии «Пункт назначения» была своя строгая, четко выверенная канва, по которой должно происходить развитие сюжета. Суть всех фильмов заключалась в том, что какой-то человек внезапно получает видение, в котором предсказывает смерть себя и окружающих в какой-либо катастрофе и предотвращает гибель. После этого смерть начинает восстанавливать порядок и убивать всех поодиночке. У смерти во франшизе нет облика, все убийства происходят по бытовым случайностям или в результате несчастных случаев (сломанный чайник, заклинивший солярий, заглохшая на железнодорожных путях машина и т.д.). Суть всей кинофраншизы, таким образом, заключается в фатализме, попытке обхитрить смерть и невозможности это сделать, поскольку смерть выполняет роль уравновешивающего фактора, а не безжалостного убийцы. В новом же фильме «Смайл» события развиваются по сценарию классического мистического ужастика – фотоаппарат, после съемки на который люди с фотографий погибают, неупокоенная душа убийцы, даже сам мстительный дух вполне видим и осязаем, как и любой другой монстр из подобных фильмов ужасов. Единственная связь с «Пунктом назначения» - упорядоченность жертв. Монстр охотится не за кем попало, а согласно выбранному им порядку.

По этой причине зритель, который придет в кинотеатр на новый «Пункт назначения», увидит вовсе не продолжение знаменитой серии фильмов, а ужастик в духе «Астрала» или «Проклятия Аннабель». Поэтому к такому повороту событий необходимо быть готовым заранее. Но если простить такую неточность, получит ли аудитория удовольствие от просмотра?

Как ни странно, да, «Смайл» вполне способен вызвать приятные эмоции от просмотра, если абстрагироваться от полного непопадания во франшизу. Опыт съемочной команды сказывается на качестве картины: она сделана с умом, логично, вполне атмосферно и не слишком оригинальничает. При всей своей понятности она все же умудряется напугать зрителя. Как? Например, когда в потенциальной опасности оказывается один герой и аудитория готовится к атаке на него, внезапно нападение происходит на совсем другого персонажа. История с расследованием дела тоже происходит небанально. Герои меньше времени тратят в архивах, и больше – в движении, что тоже больше понравится аудитории. Но при этом их беготня не бесполезна: история оказывается запутаннее, чем ожидается, и внезапно, когда зритель думает, что уже разобрался в сути, всплывает еще одно обстоятельство, которое полностью меняет смысл происходящего. Так, не прибегая к мудреным способам для придания картине оригинальности, создатели удачно освежают сюжет несколькими неожиданными поворотами.

Что касается самого страха, то пугают зрителя достаточно стандартно – резкие скачки из темноты, погони, ужасный монстр, громкие звуки и полутьма, которая почти все время окутывает героев. Впрочем, если не забывать, что «Смайл» - массовый фильм и рассчитывает на финансовый успех, а не на культурную ценность, можно считать попытку создателей вполне успешной. Правда, без пиар-хода с привязкой к «Пункту назначения» она была бы намного более честной.

19 сентября на российские экраны вышла пятая и, по утверждению авторов, последняя серия франшизы «Рэмбо». Почему же дорогой и ожидаемый фильм стал кляксой, а не точкой в финале истории?

Как известно, «Рэмбо» - классический пример голливудской метаморфозы: от умного к прибыльному. Первая часть была посвящена поколению, сломленному вьетнамской войной, все остальные части – непобедимости США. Вот и пятый «Рэмбо» начинается с того, что Джон ностальгирует по боевым будням. Он любит Родину, дом и семью. Семья у него необычная – женщина, которая убирается в доме, и её внучка. Однажды внучка сбегает в преступную Мексику на поиски настоящего отца и попадает в неприятности. Решать проблемы выезжает Джон Рэмбо.

Фильм оставляет ощущение недосказанности. Причин этому несколько. Рваный сюжет, раздробленный на войну в Мексике и войну в США. Нераскрытые образы злодеев – двух братьев-сутенеров, которые ругаются между собой, ругаются на Рэмбо и, в целом, существуют только для того, чтобы красиво умереть. Присутствие непонятного персонажа – журналистки. Сначала она зашивает Рэмбо раны, затем сливает ему информацию, затем исчезает. Обыкновенно, добрые женщины появляются в боевиках, чтобы стать любовницами героя, но так как Рэмбо недавно отметил 73-летие, любовницы его не интересуют. Так она и остается непонятой, нераскрытой, забытой.

Есть упреки и к маэстро - Сильвестру Сталлоне. Вероятно, он до сих пор замечательный актёр, но пластические операции, раздувшие, обездвижившие, сделавшие похожим на маску его лицо, лишили Сталлоне возможности органично смотреться на крупных планах. Вот он слегка угрюмый, косоватый, скачущий (при помощи дублера) на лошадке, достает лук, стелы и начинает убивать людей, а лицо остается неподвижным, непробиваемым.

«Рэмбо: Последняя кровь» - неинтересная грустная сказка. И грустно не от того, что хороший парень Рэмбо вынужден год за годом преодолевать лишения, а от того, что вот уже 40 лет он не может повторить успех своего первого появления на экранах.

19 сентября на российские экраны вышел новый фильм Дэнни Бойла («На игле», «28 дней спустя», «Миллионер из трущоб») – Yesterday. Это легкая романтическая комедия, рассказывающая о мире, в котором позабыли песни The Beatles.

Джек Малик – британский музыкант-неудачник индийского происхождения. Со своей единственной более-менее интересной песней он выступает на улицах, в барах и на задворках фестивалей. Однажды его сбивает автобус, и пока Джек Малик летит по воздуху, по роковой случайности, во всем мире отключается электричество, все невидимые токи, существующие между людьми, гаснут, а когда появляются вновь, Джек Малик уже лежит на земле. У него выбиты передние зубы, отчерчен синяк под глазом, и он единственный на планете, у кого в голове остались песни The Beatles.

Yesterday станет разочарованием для каждого, кто ожидает глубокого, понятного только преданным фанатам, юмора о ливерпульской четверке, документальных врезок или камео Ринго Старра. Фильм, в первую очередь, о любви. Главный герой страдает не от того, что ему приходится выдавать песни The Beatles за свои и заново перезаписывать их в студиях, а от того, что вовремя не сумел признаться в чувствах, променял тихое счастье на громкую карьеру.

Вторая половина фильма теряет темп и становится слишком лиричной, но Дэнни Бойл мастер мирового уровня, он специально сдерживает повествование, чтобы финал казался еще более взрывным и головокружительным. Особенно запоминается выход на сцену гения перевоплощений и давнего приятеля Бойла - Роберта Карлайла в образе…. А вот в чьём образе лучше не упоминать, чтобы не испортить впечатления.

Yesterday – это не просто фильм о массово забытой группе 1960-х, это трогательная притча о мире, который стал хуже, утеряв часть своей культуры, о людях, которым пришлось открывать красоту искусства во второй раз.

26 сентября на российские экраны выйдет неспешный, тягучий фильм об отношениях, долге и побеге от себя - «После свадьбы». «Кино-Панк» рассказывает, как новая картина умещает в себе все эти темы.

На самом деле, «После свадьбы» - не оригинальная идея, а ремейк одноименного датского фильма 2006 года. И потому в картине присутствует явный нордически-европейский оттенок: рассмотрены сложные, неоднозначные жизненные ситуации, личная трагедия и, в целом, акцент истории стоит на внутреннем мире персонажей – он куда важнее, чем внешние обстоятельства.

В этом смысле картина идет вразрез с трендами последнего времени, когда общественные интересы, движения и группы кажутся более важными, чем личные интересы. Возможно, поэтому, зрителей, которые не видели оригинальную версию, фильм удивит. Начинается картина в Индии, где главная героиня, Изабель (Мишель Уильямс), самозабвенно занимается развитием детского приюта. Она сильно привязана к детям, и особенно к одному мальчику, поэтому не хочет покидать его ни на минуту. Однако, когда крупная компания в Нью-Йорке предлагает приюту финансирование, Изабель вынуждена уехать, чтобы получить деньги для дела своей жизни.

Несмотря на то, что завязка, кажется, кроется именно в приюте Изабель, упоминаний о нем больше практически не будет, он станет только фоном для других событий. Более того, в ходе сюжета зрителю объяснят, что благородные помыслы героини – не ее истинные желания (хотя она действительно хочет помогать детям), а попытка убежать от себя самой и от своего ребенка, которого она бросила сразу после рождения.

Именно со своей дочерью Изабель случайно встретится на ее же свадьбе. Выясняется, что, родив ребенка слишком рано, героиня решила, что лучше всего будет отдать ее на усыновление. Заставив отца дать обещание устроить дочь в другую семью, Изабель сбегает в Индию. Она выглядит, как человек, считающий, что его решение было абсолютно верным, хотя подробностей для зрителя почти не дано, и каждый должен решать сам – осуждать героиню или нет. Однако легко догадаться о том, что Изабель, хотя и смелая и прямолинейная, на самом деле – глубоко испуганная, несчастная женщина, из последних сил отказывающаяся признать, что допустила ошибку. Она берет на себя ответственность за целый приют, стараясь покрыть безответственность перед собственной дочерью. Для создателей фильма было очень важно продемонстрировать эту отчаянную сублимацию материнской любви и, конечно, поэтому для картины так важна была сильная актерская игра.

Картина очень точно показывает, каким становится человек в зависимости от того, кем был воспитан. Изабель выросла в приюте и ее пугает настоящая, «правильная» семья, которой она никогда не видела. Она воспринимает только большие коллективы вроде детского дома, которым управляет в Индии. Ее дочь же, напротив, понимает, что только настоящая семья и искренность подойдут для нее. Она не станет терпеть плохое отношение к себе, но вместе с тем боится допустить ошибку – на примере своей идеальной (хоть и наполовину неродной) семьи она опасается быть хуже, боится признать, что допустила ошибку, выйдя замуж за человека, который ее не понимает.

Возможно, из-за некоторой нравоучительности и наставительности кино кажется несколько затянутым. Диалоги развиваются долго, по несколько минут, напряжение растет, пожалуй, слишком медленно. Фильм получился почти медитативным, в то время как его тема предполагает драму персонажей, резкие эмоции, сожаления, обиду, боль. Но даже несмотря на отличную игру актеров, надрыва в «После свадьбы» не ощущается. Наверное, стоило сделать картину чуть более динамичной – хотя, с другой стороны, именно медитативных фильмов в американском кинопроизводстве становится все меньше.

На экраны вышел фильм «Комната желаний», который сложно отнести к какому-либо жанру и который старается представить зрителю что-то более оригинальное, чем современный массовый триллер или фильм ужасов. «Кино-Панк» рассуждает о том, удалось ли это ему.

Завязка картины выглядит более чем стандартно – даже избито. Молодая пара заселяется в огромный, мрачный особняк на отшибе цивилизации. Занимается ремонтом, ставит на полки томики Булгакова (главную героиню играет Ольга Куриленко и, вероятно, французско-бельгийская съемочная команда стремилась сделать комплимент российской аудитории), дурачится. До тех пор, пока не находит чудесную замурованную комнату, находясь в которой, можно загадывать абсолютно все – и оно появится. Герои начинают исполнять все, что им только пожелается, и, наконец, женщина загадывает себе ребенка. И когда это желание сбывается, начинается все то, что создатели фильма хотят показать как «наказание за алчность».

Первый момент, который бросается в глаза зрителю – фильм имеет очень много общего с другим «антиужастиком», картиной «Мама!», которая была резко раскритикована русскоязычной публикой потому, что ошибочно назвала себя жанром «ужасы». На самом деле «Мама!» - философская притча о Боге, создании, творчестве и роли женщины. Очень похожая ситуация рассматривается и в «Комнате желаний», вот только дублированные элементы не имеют под собой опоры. Например, муж главной героини в обоих фильмах художник, но если в «Маме!» это важный элемент для понимания сути творчества, то в «Комнате желаний» деятельность мужчины никак не связана с сюжетом. Нет конфликта «созданий»: детей и произведений искусства, личность героя не раскрывается через его творчество. То же самое касается и появившегося ребенка. В «Комнате желаний» родители из-за собственной глупости и нерешительности превращают его в демона, что выглядит вполне очевидным и вряд ли может чему-то научить. Малыш является вполне ожидаемым продуктом родительской безответственности. В «Маме!» появление ребенка максимально метафорично, имеет множество трактовок и отсылок, в том числе к Библии.

Таким образом, здесь обнаруживаются сразу два минуса – неудачное копирование элементов другого фильма, которые, к тому же, в новом кино никак не оправданы. Но, к сожалению, список проблем новой картины на этом не заканчивается.

Не нужно особенно внимательно смотреть кино, чтобы увидеть в «Комнате желаний» очевидные и серьезные проблемы с логикой. В некоторых сценах мотивация героев неясна настолько, что они выглядят попросту идиотами, какими создатели их точно не хотели выставлять. Например, мужчина внезапно узнает о том, что предыдущие владельцы дома были жестоко убиты в его стенах. Он узнает подробности убийства, зарисовывает преступника, а потом обнаруживает, что таинственная комната может исполнять все его желания. Ему мгновенно сносит голову от открывшихся возможностей, и он даже на секунду не задумывается о том, что чудеса, происходящие в доме, могут как-то быть связаны с убийством, о котором он услышал утром. У его жены также отсутствует какая-либо рефлексия. Оба мгновенно погружаются в пучину своих желаний, не задумываясь ни о последствиях, ни о причинах, ни пытаясь хоть что-то узнать о том, каким образом их желания исполняются.

Таким образом, «Комнату желаний» сложно охарактеризовать. Сюжет насквозь дырявый и скорее психоделический, нежели философский. Общая идея «наказания за алчность» сама по себе выглядит недоделанной, непроработанной, а попытки углубить ее, добавив высказывания Ницше о Боге (один из персонажей цитирует его главным героям) совершенно не вяжутся с общей картиной, делают мысль создателей еще более невнятной. Так зритель и не понимает, что хотели сделать с этой картиной – то ли новую трактовку Дориана Грэя, то ли историю про безответственное родительство, то ли философскую притчу о времени и беззащитности перед ним. Поэтому пример «Комнаты желаний» еще раз наглядно доказывает, что мешанина даже самых серьезных и мудрых идей оборачивается полной чепухой – ведь дело всегда не в количестве, а в качестве.

Пока готовятся материалы о премьерах 26 сентября (пропагандисткой сказке с Владимиром Машковым «Герой», фантастике с Брэдом Питтом «К звёздам», независимой криминальной драме «Боже мой!»), вспоминаем классический фильм Бернардо Бертолуччи «Луна», вышедший ровно 40 лет назад.

Подросток Джо – сын известной оперной певицы Катерины Сильвери. Он убежден в том, что муж матери Дуглас его настоящий отец, но сама мысль об этом родстве ранит его. Он мучается, видя слабость, безвольность Дугласа и в итоге начинает прибегать к помощи наркотиков. Катерина видит, как жизнь сына разрушается на ее глазах и решается на отчаянный шаг: рискуя карьерой и своими счастливыми отношениями, она везет Джо в Италию, чтобы познакомить его с настоящим отцом – школьным учителем. Она надеется, что встреча поможет сыну увидеть настоящее родство и почувствовать реальную близость.

Вместе с тем Катерина пытается наладить отношения с Джо – и они постепенно приобретают неестественный оттенок. Их близость все больше напоминает отношения между влюбленными, а не родственниками. Кино описывает отношения, близкие к инцесту, основанные на Эдиповом комплексе – но как и для чего это делает Бертолуччи?

Чтобы верно разгадать идею режиссера, необходимо помнить, что Бертолуччи был убежденным фрейдистом. В большинстве его работ лежат утверждения, основанные на теории психоанализа. Вот и в «Луне» рассматриваемое явление – Эдипов комплекс, понятие, введенное именно Зигмундом Фрейдом. Джо, подросток, который не знал родного отца и ненавидел отчима, по факту, не имеет отца вовсе. Катерина же отдает всю свою жизнь сыну, отказываясь от присутствия других мужчин в своей жизни. Согласно теории Эдипова комплекса, у подростка, таким образом, исчезают «соперники», и он остается единственным мужчиной рядом со своей матерью. Если добавить к этому общую психологическую нестабильность обоих – наркомания у Джо, неимение сильного отца, авторитета рядом и саморазрушение и жертвенность Катерины – рождается та самая почва для развития надломленных отношений, близких к инцесту.

Главным символом фильма становится луна, именем которой и названо кино. Луна – «женская» планета-спутник, в чем сходятся и астрологи, и физики, и психологи. Полный цикл луны составляет 30 дней – примерно столько же длится менструальный цикл у женщины. Именно поэтому над героями фильма светит луна – она становится знаком и символом того, что происходит на экране, ключом к пониманию Эдипового комплекса – привязанности к матери. Есть в картине и другие символы – например, когда Катерина кормит маленького Джо медом с ложечки. Тягучесть этого кадра, его красивая, но отталкивающая, приторно сладкая атмосфера – еще один намек на чувственность, которую Катерина, сама того не понимая, пробуждает в себе и в сыне. Этот кадр важен еще и как намек на то, что именно мать становится в данном случае провокатором, взращивающим комплекс – в нем заложена еще одна фрейдистская идея о том, что все проблемы человека коренятся в его матери.

Этот смысловой стержень фильма обрамляют прекрасные съемки природы, пейзажей Италии, что тоже является частью стиля картин Бертолуччи. Правило эстетики, визуальной красоты для режиссера нерушимо – даже если в кадре рассматривается что-то отталкивающее и неестественное. Впрочем, нельзя забывать о том, что режиссер не дает героям и их поступкам оценку. Для него важнее красиво описать явление и его корни – так, как он их видит, и наблюдать за происходящим с высоты луны.