Мишка по имени Винни
А Bear Named Winnie
Режиссер Джон Кент Харрисон
Канада, 2004
Медведица Винни действительно жила на белом свете; она родилась в 1914 году в лесах канадской провинции Онтарио. Ее мать застрелили, а несчастного медвежонка купил за 20 долларов лейтенант Гарри Коулборн из ветеринарного полка канадской легкой кавалерии, отправлявшийся на Первую мировую — купил, потому что пожалел бедолагу. Медвежонка перевезли в Британию как неофициальный талисман полка, а в 1915-м Винни (названная так в честь города Виннипег) оказалась в Лондонском зоопарке; во Францию лейтенант ее не повез.
Он вернулся за ней после войны, чтобы возвратить в канадские леса, но, поразмыслив, оставил в Лондоне: выросшая медведица стала любимицей детей, в частности, маленького Кристофера Робина Милна и его отца Алана. Это ее имя стало первой частью имени знаменитого сказочного медвежонка.
Фильм этот — про людей, людей на войне, людей хороших и плохих, и медвежонок Винни — лакмусовая бумажка, проверяющая этих людей на прочность, на человечность. Кто не полюбит медведя, тому и с людьми неуютно, как напыщенному генералу Хэлхолланду (отличная роль Дэвида Суше, который Пуаро, помните?): он готов ради собственного идиотизма пожертвовать кем угодно, хоть медведем, хоть солдатом... Колборна играет Майкл Фассбендер, играет чудесно — он по-настоящему проживает колборновскую жизнь перед нами, он беззаветно романтичен и невероятно честен в смысле чести, да и честности тоже. Их «роман» с Винни — отличная иллюстрация к старому тезису Сент-Экзюпери про тех, кого мы приручаем, и, таким образом, это еще и фильм о любви.
Именно любовь двигает нелепым и неуклюжим Макрэем (Джонатон Янг), встающим навстречу противнику, не имея ни единого шанса выжить. А что до Стивена Фрая, играющего смотрителя зоопарка, то нельзя не умилиться той озабоченности, с которой он рассказывает о бобре и жирафе, заболевших одной хворью. Но не стоит видеть в этой картине повод для одноразовой сентиментальности, которая забывается наутро. Это умное, красивое, мужественное кино о людях и зверях, и люди здесь — редкий случай! — выглядят не тупиковой, как обычно, ветвью эволюции, а существами, достойными животных. А если отвлечься от фильма и вернуться в лоно реальности, то, к чести человечества, на земле есть два памятника медведице Винни — один в том самом зоопарке, а второй, поставленный иждивением канадских Вооруженных Сил, — в виннипегском парке Ассинибойн. Там она запечатлена вместе с Коулборном; там увековечены два достойных представителя своих видов, слабое извинение человечества за отвратительность многих его сынов и дочерей.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
А Bear Named Winnie
Режиссер Джон Кент Харрисон
Канада, 2004
Медведица Винни действительно жила на белом свете; она родилась в 1914 году в лесах канадской провинции Онтарио. Ее мать застрелили, а несчастного медвежонка купил за 20 долларов лейтенант Гарри Коулборн из ветеринарного полка канадской легкой кавалерии, отправлявшийся на Первую мировую — купил, потому что пожалел бедолагу. Медвежонка перевезли в Британию как неофициальный талисман полка, а в 1915-м Винни (названная так в честь города Виннипег) оказалась в Лондонском зоопарке; во Францию лейтенант ее не повез.
Он вернулся за ней после войны, чтобы возвратить в канадские леса, но, поразмыслив, оставил в Лондоне: выросшая медведица стала любимицей детей, в частности, маленького Кристофера Робина Милна и его отца Алана. Это ее имя стало первой частью имени знаменитого сказочного медвежонка.
Фильм этот — про людей, людей на войне, людей хороших и плохих, и медвежонок Винни — лакмусовая бумажка, проверяющая этих людей на прочность, на человечность. Кто не полюбит медведя, тому и с людьми неуютно, как напыщенному генералу Хэлхолланду (отличная роль Дэвида Суше, который Пуаро, помните?): он готов ради собственного идиотизма пожертвовать кем угодно, хоть медведем, хоть солдатом... Колборна играет Майкл Фассбендер, играет чудесно — он по-настоящему проживает колборновскую жизнь перед нами, он беззаветно романтичен и невероятно честен в смысле чести, да и честности тоже. Их «роман» с Винни — отличная иллюстрация к старому тезису Сент-Экзюпери про тех, кого мы приручаем, и, таким образом, это еще и фильм о любви.
Именно любовь двигает нелепым и неуклюжим Макрэем (Джонатон Янг), встающим навстречу противнику, не имея ни единого шанса выжить. А что до Стивена Фрая, играющего смотрителя зоопарка, то нельзя не умилиться той озабоченности, с которой он рассказывает о бобре и жирафе, заболевших одной хворью. Но не стоит видеть в этой картине повод для одноразовой сентиментальности, которая забывается наутро. Это умное, красивое, мужественное кино о людях и зверях, и люди здесь — редкий случай! — выглядят не тупиковой, как обычно, ветвью эволюции, а существами, достойными животных. А если отвлечься от фильма и вернуться в лоно реальности, то, к чести человечества, на земле есть два памятника медведице Винни — один в том самом зоопарке, а второй, поставленный иждивением канадских Вооруженных Сил, — в виннипегском парке Ассинибойн. Там она запечатлена вместе с Коулборном; там увековечены два достойных представителя своих видов, слабое извинение человечества за отвратительность многих его сынов и дочерей.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Очень личное кино
Мишка по имени Винни А Bear Named Winnie Режиссер Джон Кент Харрисон Канада, 2004 Медведица Винни действительно жила на белом свете; она родилась в 1914 году в лесах канадской провинции Онтарио. Ее мать застрелили, а несчастного медвежонка купил за 20 долларов…
Смерть на похоронах
Death at a Funeral
Режиссер Фрэнк Оз
Великобритания, 2007
Фрэнк Оз, американский кукольник, актер и кинорежиссер, родился в Англии. О нем можно написать отдельный текст, но мы о фильме, который он снял в 2007-м, о максимально макабрической комедии, одного названия которой хватает, чтобы зубы свело.
Тут и впрямь происходят похороны: безутешная вдова, скорбящие взрослые сыновья, благообразный священник, родственники и знакомые. Вот только один из них ведет себя очень странно... но мы-то знаем, что вместо валиума он выпил самодельный галлюциноген! А это что за коротышка? Минута, другая, и выясняется, что покойному он приходился (боже мой!) любовником, но был обделен в завещании. Теперь же низкорослик решает восстановить справедливость путем шантажа. Так, круг за кругом, на скорбную ситуацию наматываются истерически смешные коллизии, превращающие похороны в невероятный стендап, участники которого при этом близки к истерике. Покойному, конечно, все равно, но сыновья, например, не желают публикации непристойных фотографий с его участием, химик-любитель не может найти потерянную баночку с теми самыми таблетками, несчастный потребитель его продукции мечется по дому, тщетно пытаясь дождаться окончания действия препарата...
Смешно, конечно. Смешно до ужаса. И прежде всего потому, что очень похоже на жизнь. Просто в жизни весь этот паноптикум разбросан во времени, диверсифицирован, что ли. А Фрэнк Оз всего лишь повышает концентрацию повседневного бреда — и мы сгибаемся пополам от хохота. Это очень правильное кино, потому что оно показывает нам: за любым строгим фасадом всегда есть нечто совершенно иного свойства. И чтобы об это нечто не споткнуться, нужно о нем помнить — и уметь над ним смеяться.
Death at a Funeral
Режиссер Фрэнк Оз
Великобритания, 2007
Фрэнк Оз, американский кукольник, актер и кинорежиссер, родился в Англии. О нем можно написать отдельный текст, но мы о фильме, который он снял в 2007-м, о максимально макабрической комедии, одного названия которой хватает, чтобы зубы свело.
Тут и впрямь происходят похороны: безутешная вдова, скорбящие взрослые сыновья, благообразный священник, родственники и знакомые. Вот только один из них ведет себя очень странно... но мы-то знаем, что вместо валиума он выпил самодельный галлюциноген! А это что за коротышка? Минута, другая, и выясняется, что покойному он приходился (боже мой!) любовником, но был обделен в завещании. Теперь же низкорослик решает восстановить справедливость путем шантажа. Так, круг за кругом, на скорбную ситуацию наматываются истерически смешные коллизии, превращающие похороны в невероятный стендап, участники которого при этом близки к истерике. Покойному, конечно, все равно, но сыновья, например, не желают публикации непристойных фотографий с его участием, химик-любитель не может найти потерянную баночку с теми самыми таблетками, несчастный потребитель его продукции мечется по дому, тщетно пытаясь дождаться окончания действия препарата...
Смешно, конечно. Смешно до ужаса. И прежде всего потому, что очень похоже на жизнь. Просто в жизни весь этот паноптикум разбросан во времени, диверсифицирован, что ли. А Фрэнк Оз всего лишь повышает концентрацию повседневного бреда — и мы сгибаемся пополам от хохота. Это очень правильное кино, потому что оно показывает нам: за любым строгим фасадом всегда есть нечто совершенно иного свойства. И чтобы об это нечто не споткнуться, нужно о нем помнить — и уметь над ним смеяться.
Стюарт Литтл
Stuart Little
Режиссер Роб Минкофф
США, 1999
Когда-то я учил английский по книжке Эдвина Брукса Уайта про мышонка, родившегося в человеческой семье; еще тогда мне не давал покоя вопрос – как же именно это произошло? Режиссер М. Найт Шьямалан, который писал сценарий для этого фильма, оказался умнее меня: он просто-напросто сделал так, чтобы семья Литтлов усыновила крохотного белого мышонка.
Конечно, как и во всех хороших фильмах, это фильм не про говорящую зверушку, а о людях. О том, как в любых условиях оставаться человеком, даже если ты говорящая мышь. Если тебя предают те, кто кажутся друзьями, если те, кто называются твоими родителями, на самом деле подсадные утки, если, в конце концов, за тобой гонится стая разъяренных тварей, не знающих пощады. Все это случилось со Стюартом Литтлом; все это случается с нами чуть ли не каждый день, и мы не всегда справляемся. Но когда дети смотрят, как белый мышонок в красной курточке – кстати, тот случай, когда 3D, пусть даже и такое раннее, нисколько не раздражает – как он, находясь на грани отчаяния, преодолевает все препятствия, и как его ждет семья Литтлов (в роли Литтла-старшего – Хью Лори; предсказуемо более симпатичный чем в «Докторе Хаусе») – это важнее любого нравоучительного текста из букваря. Не ври, не предавай, будь смел, не обольщайся, люби ближнего своего – казалось бы, чего проще. Однако же все время приходится напоминать о банальном, но верном, вот и этот прекрасный фильм о том же.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Stuart Little
Режиссер Роб Минкофф
США, 1999
Когда-то я учил английский по книжке Эдвина Брукса Уайта про мышонка, родившегося в человеческой семье; еще тогда мне не давал покоя вопрос – как же именно это произошло? Режиссер М. Найт Шьямалан, который писал сценарий для этого фильма, оказался умнее меня: он просто-напросто сделал так, чтобы семья Литтлов усыновила крохотного белого мышонка.
Конечно, как и во всех хороших фильмах, это фильм не про говорящую зверушку, а о людях. О том, как в любых условиях оставаться человеком, даже если ты говорящая мышь. Если тебя предают те, кто кажутся друзьями, если те, кто называются твоими родителями, на самом деле подсадные утки, если, в конце концов, за тобой гонится стая разъяренных тварей, не знающих пощады. Все это случилось со Стюартом Литтлом; все это случается с нами чуть ли не каждый день, и мы не всегда справляемся. Но когда дети смотрят, как белый мышонок в красной курточке – кстати, тот случай, когда 3D, пусть даже и такое раннее, нисколько не раздражает – как он, находясь на грани отчаяния, преодолевает все препятствия, и как его ждет семья Литтлов (в роли Литтла-старшего – Хью Лори; предсказуемо более симпатичный чем в «Докторе Хаусе») – это важнее любого нравоучительного текста из букваря. Не ври, не предавай, будь смел, не обольщайся, люби ближнего своего – казалось бы, чего проще. Однако же все время приходится напоминать о банальном, но верном, вот и этот прекрасный фильм о том же.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Сады осенью
Jardins en automne
Режиссер Отар Иоселиани
Франция, 2006
Министра отправляют в отставку. По всей стране идут демонстрации, народ волнуется, министру не усидеть. От министра (Северин Бланше) уходит жена, которая использовала его прежде всего как источник материальных благ. Министр лишается жилья, возвращается... к маме, селится в комнатку метр на два, выгребая оттуда многолетнюю пыль, — тут, собственно, и начинается жизнь.
Легко предположить, что десятый фильм Отара Иоселиани в очередной раз балансирует на грани апологетики вольнолюбия, деклассификации общества и винопития, — в "Садах осенью" все равны и равно важны для автора фильма. Но дело в другом. Как и во всех своих поздних картинах, Иоселиани противопоставляет мир истинный миру мнимому, работу в правительстве — общению с проститутками из стран третьего мира, безудержный гламур — дружеским попойкам в саду, благословляемым мамой министра (гениальный Мишель Пикколи). Жизнь, говорит нам режиссер устами одного из героев, африканского дипломата, длинна, и кто знает, кем ты окажешься на том или ином повороте; главное — уметь отличать ложное от настоящего. Того настоящего, в котором могут облить помоями из окна, но где всегда найдется добрая душа, чтобы отмыть, обогреть, напоить и спать уложить. Главное — хорошие люди рядом, здесь и сейчас, поются песни, вино льется рекой. А что будет утром, с тем разберемся утром.
Фильм этот дает надежду даже тем, кто накрепко, руками и ногами, как в клею, увяз в той жизни, где министр сельского хозяйства значит больше, чем само сельское хозяйство. Иоселиани как будто говорит зрителю: всегда есть возможность вернуться. Пусть даже великий американец Томас Вулф 70 лет тому утверждал, что домой возврата нет.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Jardins en automne
Режиссер Отар Иоселиани
Франция, 2006
Министра отправляют в отставку. По всей стране идут демонстрации, народ волнуется, министру не усидеть. От министра (Северин Бланше) уходит жена, которая использовала его прежде всего как источник материальных благ. Министр лишается жилья, возвращается... к маме, селится в комнатку метр на два, выгребая оттуда многолетнюю пыль, — тут, собственно, и начинается жизнь.
Легко предположить, что десятый фильм Отара Иоселиани в очередной раз балансирует на грани апологетики вольнолюбия, деклассификации общества и винопития, — в "Садах осенью" все равны и равно важны для автора фильма. Но дело в другом. Как и во всех своих поздних картинах, Иоселиани противопоставляет мир истинный миру мнимому, работу в правительстве — общению с проститутками из стран третьего мира, безудержный гламур — дружеским попойкам в саду, благословляемым мамой министра (гениальный Мишель Пикколи). Жизнь, говорит нам режиссер устами одного из героев, африканского дипломата, длинна, и кто знает, кем ты окажешься на том или ином повороте; главное — уметь отличать ложное от настоящего. Того настоящего, в котором могут облить помоями из окна, но где всегда найдется добрая душа, чтобы отмыть, обогреть, напоить и спать уложить. Главное — хорошие люди рядом, здесь и сейчас, поются песни, вино льется рекой. А что будет утром, с тем разберемся утром.
Фильм этот дает надежду даже тем, кто накрепко, руками и ногами, как в клею, увяз в той жизни, где министр сельского хозяйства значит больше, чем само сельское хозяйство. Иоселиани как будто говорит зрителю: всегда есть возможность вернуться. Пусть даже великий американец Томас Вулф 70 лет тому утверждал, что домой возврата нет.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
По кусочкам
Picking Up The Pieces
Режиссер Альфонсо Арау
США, 2000
Главный герой этой черной комедии — отрезанная женская рука. Страшно? Не торопитесь бояться, это не все. Главного героя, мясника по имени Тэкс играет Вуди Аллен. Повторяю: Вуди Аллен. Мясника, понимаете? Застав свою жену (Шэрон Стоун, на секундочку) в постели с другим мужчиной, Тэкс свирепо убивает ее (Вуди Аллен. Свирепо. Убивает!), разрезает на те самые кусочки, после чего везет их закапывать в пустыню. Однако не все, нет, не все кусочки были покрыты сыпучей субстанцией — слепая старуха споткнулась об руку покойной. И прозрела. Ну, а дальше начинается: безногие встают, горбатые выпрямляются, возникает культ сродни религиозному. И тут, конечно же, находятся те, кто не против на этом подзаработать. Но мясника Тэкса больше всего беспокоит, как бы кто не опознал конечность: тогда ему прямая дорога на электрический стул.
Альфонсо Арау снял этот фильм жестко, но смешно, пиная традиционные святыни и прежде всего церковь. При этом кино фантастически приличное: похоть и насилие вроде бы сплошь и рядом, а такое чувство, что можно звать детей к экрану. В общем, что сказать - у Арау есть еще один неплохой фильм, "Прогулка в облаках" – вполне голливудский, с Киану Ривзом, но этот лучше. И вот еще что: Аллен здесь куда более алленовый, чем в собственных фильмах.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Picking Up The Pieces
Режиссер Альфонсо Арау
США, 2000
Главный герой этой черной комедии — отрезанная женская рука. Страшно? Не торопитесь бояться, это не все. Главного героя, мясника по имени Тэкс играет Вуди Аллен. Повторяю: Вуди Аллен. Мясника, понимаете? Застав свою жену (Шэрон Стоун, на секундочку) в постели с другим мужчиной, Тэкс свирепо убивает ее (Вуди Аллен. Свирепо. Убивает!), разрезает на те самые кусочки, после чего везет их закапывать в пустыню. Однако не все, нет, не все кусочки были покрыты сыпучей субстанцией — слепая старуха споткнулась об руку покойной. И прозрела. Ну, а дальше начинается: безногие встают, горбатые выпрямляются, возникает культ сродни религиозному. И тут, конечно же, находятся те, кто не против на этом подзаработать. Но мясника Тэкса больше всего беспокоит, как бы кто не опознал конечность: тогда ему прямая дорога на электрический стул.
Альфонсо Арау снял этот фильм жестко, но смешно, пиная традиционные святыни и прежде всего церковь. При этом кино фантастически приличное: похоть и насилие вроде бы сплошь и рядом, а такое чувство, что можно звать детей к экрану. В общем, что сказать - у Арау есть еще один неплохой фильм, "Прогулка в облаках" – вполне голливудский, с Киану Ривзом, но этот лучше. И вот еще что: Аллен здесь куда более алленовый, чем в собственных фильмах.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Жёлтая подводная лодка
Yellow Submarine
Режиссер Джордж Даннинг
Художник Хайнц Эдельманн
Великобритания, 1968 год
Когда в 1975-м в рамках недели британского кино, этот мультфильм показывали в московском кинотеатре «Звездный», битломаны и хиппи со всего Союза, неведомыми путями узнавшие о показе заранее, создали на станции метро «Проспект Вернадского» немалую толпу. Конечно, дело было не в мультике – волосатых людей привлекли «Битлз», главные его герои, здесь – нарисованные.…
В 1967-м лондонской телекомпанией TVC, уже имевшей опыт создлания комедийного мультсериала с нарисованными битлами в главных ролях, было принято решение о постановке полнометражного анимационного фильма – был даже написан сценарий. И тут всем ответственным лицам стало ясно, что ни сценарное, ни художественное решение не соответствуют реалиям времени. Тогда художник по спецэффектам Чарли Дженкинс принес в офис и показал всем несколько немецких журналов с работами художника Хайнца Эдельманна, после чего предложил его кандидатуру на роль арт-директора.
«Что сказать, я был удивлен их выбором», — вспоминал Эдельманн позже. «Нет, я знал The Beatles— а кто их в то время не знал?! И музыку я их слышал… но в то время мне куда больше был интересен Майлз Дэвис. Впрочем, книжки рассказов Леннона мне действительно нравились».
Сценарий переписывали раз пять, если не больше (над ним работали четыре человека, в том числе анимационный гуру Джек Мендельсон и автор «Истории любви», писатель Эрик Сегал). Из варианта в вариант сохранялось только одно: The Beatles и подводная лодка.
«Никто не хотел понимать, что на наших глазах, в 1968 году, менялся мир. Заканчивалась холодная война — даже в фильмах про Бонда, где еще вчера главными злодеями были кагэбэшники, их место занимали мерзкие типы, работавшие сами на себя. И в этом новом мире The Beatles играли очень и очень важную роль». Так возникла тема противостояния благородной четверки музыкантов, спасающих по просьбе сержанта Пеппера сказочную, гармоничную страну Пепперлэнд от враждебных всему доброму и хорошему Синих Злючек.
Когда фильм вышел в свет, он стал едва ли не самым убедительным посланием The Beatles и олицетворявшейся ими на тот момент молодежной поп-культуры всему человечеству, включая самую юную его часть. «Лодка», правда, почти обанкротила компанию TVC и едва не свела в гроб самого Эдельманна, но зато вскрыла мозг почти всей планете. И эта трепанация черепов была, наверное, самой безболезненной и самой продуктивной за всю историю поп-культуры.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Yellow Submarine
Режиссер Джордж Даннинг
Художник Хайнц Эдельманн
Великобритания, 1968 год
Когда в 1975-м в рамках недели британского кино, этот мультфильм показывали в московском кинотеатре «Звездный», битломаны и хиппи со всего Союза, неведомыми путями узнавшие о показе заранее, создали на станции метро «Проспект Вернадского» немалую толпу. Конечно, дело было не в мультике – волосатых людей привлекли «Битлз», главные его герои, здесь – нарисованные.…
В 1967-м лондонской телекомпанией TVC, уже имевшей опыт создлания комедийного мультсериала с нарисованными битлами в главных ролях, было принято решение о постановке полнометражного анимационного фильма – был даже написан сценарий. И тут всем ответственным лицам стало ясно, что ни сценарное, ни художественное решение не соответствуют реалиям времени. Тогда художник по спецэффектам Чарли Дженкинс принес в офис и показал всем несколько немецких журналов с работами художника Хайнца Эдельманна, после чего предложил его кандидатуру на роль арт-директора.
«Что сказать, я был удивлен их выбором», — вспоминал Эдельманн позже. «Нет, я знал The Beatles— а кто их в то время не знал?! И музыку я их слышал… но в то время мне куда больше был интересен Майлз Дэвис. Впрочем, книжки рассказов Леннона мне действительно нравились».
Сценарий переписывали раз пять, если не больше (над ним работали четыре человека, в том числе анимационный гуру Джек Мендельсон и автор «Истории любви», писатель Эрик Сегал). Из варианта в вариант сохранялось только одно: The Beatles и подводная лодка.
«Никто не хотел понимать, что на наших глазах, в 1968 году, менялся мир. Заканчивалась холодная война — даже в фильмах про Бонда, где еще вчера главными злодеями были кагэбэшники, их место занимали мерзкие типы, работавшие сами на себя. И в этом новом мире The Beatles играли очень и очень важную роль». Так возникла тема противостояния благородной четверки музыкантов, спасающих по просьбе сержанта Пеппера сказочную, гармоничную страну Пепперлэнд от враждебных всему доброму и хорошему Синих Злючек.
Когда фильм вышел в свет, он стал едва ли не самым убедительным посланием The Beatles и олицетворявшейся ими на тот момент молодежной поп-культуры всему человечеству, включая самую юную его часть. «Лодка», правда, почти обанкротила компанию TVC и едва не свела в гроб самого Эдельманна, но зато вскрыла мозг почти всей планете. И эта трепанация черепов была, наверное, самой безболезненной и самой продуктивной за всю историю поп-культуры.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Снежная королева
Режиссер Геннадий Казанский
СССР, 1966 год
Сказка Ханса Кристиана Андерсена подвергалась экранизации много раз – и анимационным, и игровым образом. Но отчего-то именно этот фильм остается почти идеальным ее киновоплощением, даром что напрочь лишен заложенной датским сказочником мощной христианской подоплеки. Более того, он наивен, отчасти искусственен, многие спецэффекты сегодня не выдерживают никакой критики – и все равно, лучше фильма на этот сюжет, наверное, не было.
Скорее всего, картину Казанского спасли два момента. Во-первых, прекрасное, поэтическое прочтение сказки Евгением Шварцем, автором сценария. Шварц смог сохранить очарование андерсеновской задумки даже лишив первоисточник скандинавских реалий и религиозных коннотаций. Многим, правда, не по душе созданный им нарочитый Сказочник, зачем-то следующий за Гердой в ее непростом пути – но не бывает же без ложки дегтя, и, в конце концов, к нему привыкаешь.
А второй важный фактор – совсем юная Елена Проклова в роли Герды. Непонятным образом она выбивается за рамки сюжета, становясь над ним. В ее героине нет спасительной миссии – она не спасает Кея от злой королевы (кстати, почему имя героя было изменено, так и осталось непонятным), она возвращает свое, украденное, и потому ее миссия более персонифицирована, более лична. Кей – ее брат, и никакие препоны не могут встать между этими двумя детьми.
Впрочем, и Наталья Климова в роли Королевы прекрасна. В ней нет дьявольской искусительности героини Тильды Суинтон (не уверен, но, кажется, Клайв Льюис все-таки ориентировался на Андерсена, создавая главную злодейку Нарнии), она достаточно наивна и по-глупому самовлюбленна. Но зато Снежная королева величественна – а ее взгляд сквозь оконное стекло завораживает и манит.
Глубинный, сущностный смысл сказки Андерсена советский фильм – комикуя, пережимая, местами недотягивая – передавал совершенно правильно. Потому что она рассказывала о том, как в не самой плохой реальности волей дурных людей, сущностей, явлений возникают прорехи, которые грозят ей – пусть не сразу,– распадом. И о том, что есть те – как Герда-Проклова – кто эти прорехи затягивает, сшивает, исправляет реальность, не ожидая взамен ничего. Ну кроме разве что возвращения мальчика Кея домой и цветения роз.
Что, скажите мне, может быть лучше такого вот воздаяния?
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Режиссер Геннадий Казанский
СССР, 1966 год
Сказка Ханса Кристиана Андерсена подвергалась экранизации много раз – и анимационным, и игровым образом. Но отчего-то именно этот фильм остается почти идеальным ее киновоплощением, даром что напрочь лишен заложенной датским сказочником мощной христианской подоплеки. Более того, он наивен, отчасти искусственен, многие спецэффекты сегодня не выдерживают никакой критики – и все равно, лучше фильма на этот сюжет, наверное, не было.
Скорее всего, картину Казанского спасли два момента. Во-первых, прекрасное, поэтическое прочтение сказки Евгением Шварцем, автором сценария. Шварц смог сохранить очарование андерсеновской задумки даже лишив первоисточник скандинавских реалий и религиозных коннотаций. Многим, правда, не по душе созданный им нарочитый Сказочник, зачем-то следующий за Гердой в ее непростом пути – но не бывает же без ложки дегтя, и, в конце концов, к нему привыкаешь.
А второй важный фактор – совсем юная Елена Проклова в роли Герды. Непонятным образом она выбивается за рамки сюжета, становясь над ним. В ее героине нет спасительной миссии – она не спасает Кея от злой королевы (кстати, почему имя героя было изменено, так и осталось непонятным), она возвращает свое, украденное, и потому ее миссия более персонифицирована, более лична. Кей – ее брат, и никакие препоны не могут встать между этими двумя детьми.
Впрочем, и Наталья Климова в роли Королевы прекрасна. В ней нет дьявольской искусительности героини Тильды Суинтон (не уверен, но, кажется, Клайв Льюис все-таки ориентировался на Андерсена, создавая главную злодейку Нарнии), она достаточно наивна и по-глупому самовлюбленна. Но зато Снежная королева величественна – а ее взгляд сквозь оконное стекло завораживает и манит.
Глубинный, сущностный смысл сказки Андерсена советский фильм – комикуя, пережимая, местами недотягивая – передавал совершенно правильно. Потому что она рассказывала о том, как в не самой плохой реальности волей дурных людей, сущностей, явлений возникают прорехи, которые грозят ей – пусть не сразу,– распадом. И о том, что есть те – как Герда-Проклова – кто эти прорехи затягивает, сшивает, исправляет реальность, не ожидая взамен ничего. Ну кроме разве что возвращения мальчика Кея домой и цветения роз.
Что, скажите мне, может быть лучше такого вот воздаяния?
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Спартанец
Spartan
Режиссер Дэвид Мамет
США, 2004
Вэл Килмер из тех актеров, что могут вытянуть самое слабое кино. Когда по чьему-то недосмотру или наоборот, по чьему-то тайному умыслу один из общенациональных телеканалов демонстрировал американскую передачу «Гость в актерской студии», выпуск с Килмером потряс воображение: герой боевиков и киносказок оказался задумчивым и непростым интеллектуалом, цитировавшим наизусть небанальные и весьма сложные стихи!
Режиссер Дэвид Мамет — тоже виртуоз из первейших, в основном, правда, по части драматургии, однако и занятные режиссерские работы за ним заметные имеются: «Красный пояс», к примеру, или «Испанский узник»… В этом триллере бесследно исчезает дочь американского президента, а спецагент Скотт (Килмер) отправляется ее искать. Дальнейшее развитие сюжета наверняка напомнит вам все возможные триллеры последних лет, да и не в сюжете дело - а в том, как его разыгрывают Мамет и Килмер: актер с режиссером словно искры высекают друг о друга. Не заговор, не торговля людьми, не внутренний враг важны — важны усталые глаза Килмера и блестящее знание Маметом подковерной американской политики. Напряжение нарастает, развязка близится, а ты все смотришь на Килмеровского героя и думаешь: вот же парень попал! А тот, невозмутимый храбрец, понимает, что дело его швах, но делает его уверенно и честно.
Настолько, что хеппи-энд кажется уже и необязательным.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Spartan
Режиссер Дэвид Мамет
США, 2004
Вэл Килмер из тех актеров, что могут вытянуть самое слабое кино. Когда по чьему-то недосмотру или наоборот, по чьему-то тайному умыслу один из общенациональных телеканалов демонстрировал американскую передачу «Гость в актерской студии», выпуск с Килмером потряс воображение: герой боевиков и киносказок оказался задумчивым и непростым интеллектуалом, цитировавшим наизусть небанальные и весьма сложные стихи!
Режиссер Дэвид Мамет — тоже виртуоз из первейших, в основном, правда, по части драматургии, однако и занятные режиссерские работы за ним заметные имеются: «Красный пояс», к примеру, или «Испанский узник»… В этом триллере бесследно исчезает дочь американского президента, а спецагент Скотт (Килмер) отправляется ее искать. Дальнейшее развитие сюжета наверняка напомнит вам все возможные триллеры последних лет, да и не в сюжете дело - а в том, как его разыгрывают Мамет и Килмер: актер с режиссером словно искры высекают друг о друга. Не заговор, не торговля людьми, не внутренний враг важны — важны усталые глаза Килмера и блестящее знание Маметом подковерной американской политики. Напряжение нарастает, развязка близится, а ты все смотришь на Килмеровского героя и думаешь: вот же парень попал! А тот, невозмутимый храбрец, понимает, что дело его швах, но делает его уверенно и честно.
Настолько, что хеппи-энд кажется уже и необязательным.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Ирония судьбы, или С легким паром!
Режиссер Эльдар Рязанов
СССР, 1976
Непонятно, что еще можно рассказать о главном новогоднем фильме из всех, созданных на 1/6 части суши – настолько главным, что сравнить его можно только с легендарной картиной Фрэнка Капры «Эта прекрасная жизнь». Несмотря на все политические и идеологические пертурбации, вот уже сорок с лишним лет его ежегодно показывают в Новый Год то на одном, то на другом канале, а то и на нескольких сразу.
Казалось бы, прошла эпоха унифицированного строительства, улицы в разных городах называют по-разному, мебели в Москве и в Питере столь одинаковой не найдешь, и песни под гитару поют другие… но никакие перемены не мешают этой картине оставаться неприкосновенной ценностью.
Дело, наверное, даже не в невероятной инерции мышления нашего согражданина, вне зависимости от того, гражданин он СССР или россиянин. Дело не в вечных ценностях, утверждаемых режиссером Рязановым – смотрите-ка, ведь его герои погрязают в неправедности (одна выдает незнакомого в сущности человека за своего жениха и в конце концов уходит к нему от прекрасного во всех смыслах Ипполита, другой напивается в лоскуты, соглашается с почти что навязанной ролью, безжалостно троллит того же Ипполита и в конце концов уводит от него невесту). Наверное, стоит говорить о сказочности – все-таки Рязанов всегда был сказочником, как минимум лакировщиком действительности. При всей легкой сатире, которая, кстати говоря, сегодня практически не считывается, фильм этот показывал зрителю то, что в реальности было малореально. Ну не было в середине 1970-х ни в Москве, ни в Санкт-Петербурге учительниц с лицами и манерами Барбары Брыльской, и сильно пьющие инженеры, ходящие в баню перед Новым Годом, просыпаясь, матерились и шли за рассолом, а если и пели песни под гитару, то не такие романтичные… Да и конфликт в ванной с Ипполитом наверняка разворачивался бы иным способом, с неприятными репликами и мордобитием. Настоящим, как положено.
Просто-напросто зрителю казалось, что и он может быть таким же славным, как Женя, и к нему тоже может приехать из Питера Надя, и жизнь – жизнь тоже может быть совсем другой, Оставаясь при этом – как показывала картинка – в рамках того, что он, зритель, наблюдал вокруг себя каждый день.
В этом и состоит искусство режиссера Рязанова: он показывал населению большой страны, что оно могло бы быть лучше. И население учило стихи Цветаевой, спетые неузнаваемой Пугачевой, твердило «С любимыми не расставайтесь»... и, возможно, становилось лучше.
Хотя это - вопрос дискуссионный.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Режиссер Эльдар Рязанов
СССР, 1976
Непонятно, что еще можно рассказать о главном новогоднем фильме из всех, созданных на 1/6 части суши – настолько главным, что сравнить его можно только с легендарной картиной Фрэнка Капры «Эта прекрасная жизнь». Несмотря на все политические и идеологические пертурбации, вот уже сорок с лишним лет его ежегодно показывают в Новый Год то на одном, то на другом канале, а то и на нескольких сразу.
Казалось бы, прошла эпоха унифицированного строительства, улицы в разных городах называют по-разному, мебели в Москве и в Питере столь одинаковой не найдешь, и песни под гитару поют другие… но никакие перемены не мешают этой картине оставаться неприкосновенной ценностью.
Дело, наверное, даже не в невероятной инерции мышления нашего согражданина, вне зависимости от того, гражданин он СССР или россиянин. Дело не в вечных ценностях, утверждаемых режиссером Рязановым – смотрите-ка, ведь его герои погрязают в неправедности (одна выдает незнакомого в сущности человека за своего жениха и в конце концов уходит к нему от прекрасного во всех смыслах Ипполита, другой напивается в лоскуты, соглашается с почти что навязанной ролью, безжалостно троллит того же Ипполита и в конце концов уводит от него невесту). Наверное, стоит говорить о сказочности – все-таки Рязанов всегда был сказочником, как минимум лакировщиком действительности. При всей легкой сатире, которая, кстати говоря, сегодня практически не считывается, фильм этот показывал зрителю то, что в реальности было малореально. Ну не было в середине 1970-х ни в Москве, ни в Санкт-Петербурге учительниц с лицами и манерами Барбары Брыльской, и сильно пьющие инженеры, ходящие в баню перед Новым Годом, просыпаясь, матерились и шли за рассолом, а если и пели песни под гитару, то не такие романтичные… Да и конфликт в ванной с Ипполитом наверняка разворачивался бы иным способом, с неприятными репликами и мордобитием. Настоящим, как положено.
Просто-напросто зрителю казалось, что и он может быть таким же славным, как Женя, и к нему тоже может приехать из Питера Надя, и жизнь – жизнь тоже может быть совсем другой, Оставаясь при этом – как показывала картинка – в рамках того, что он, зритель, наблюдал вокруг себя каждый день.
В этом и состоит искусство режиссера Рязанова: он показывал населению большой страны, что оно могло бы быть лучше. И население учило стихи Цветаевой, спетые неузнаваемой Пугачевой, твердило «С любимыми не расставайтесь»... и, возможно, становилось лучше.
Хотя это - вопрос дискуссионный.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
Таинственный лес
The Village
Режиссер М. Найт Шьямалан
США, 2004
Впору возненавидеть отечественных прокатчиков: с фильмом Найта Шьямалана случилось ровно то же, что случается почти с каждым вторым зарубежным фильмом на отечественных экранах. То, что в оригинале называлось коротким и простым словом "Деревня", получило название, почти никак с сюжетом картины не соотносящееся, поскольку дело тут не в лесу, а именно что в деревне.
Шьямалан любит удивлять и пугать, а лучше и то и другое одновременно. Вот и тут: деревня, по антуражу и пасторальным костюмам обитателей датирующаяся концом XIX, в крайнем случае началом XX века, живет в окружении неприятелей. Кто они, неизвестно, лиц у них нет, напоминают гибрид человека и дикобраза, лихо и без прагматической цели свежуют домашнюю скотину, пишут на дверях домов странные знаки красным цветом и, наконец, убивают всякого, кто выйдет за границы деревни. Да, еще они носят красные плащи, а в деревне цвет этот, соответственно, запрещен.
Это тихий, очень изобретательный и в некотором роде нравоучительный хоррор, в котором удачно сыграли Хоакин Феникс, Уильям Херт и Эдриен Броуди. В нем есть место и ужасу, и слабоумию, и любви. В нем можно увидеть притчу, а можно — обвинение роду человеческому, в нем для одного будет особенно нагляден призыв к бегству от прогресса как рецепту спасения, а для другого — резкий выпад против попыток манипуляции людьми.
Ну и два пункта в завершение. Во-первых, ложь всегда остается ложью, какой бы благой целью она ни была мотивирована. А во-вторых, все заборы и страхи стоят и живут в душе человеческой; по сравнению с ними то, что творится снаружи — так, семечки.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
The Village
Режиссер М. Найт Шьямалан
США, 2004
Впору возненавидеть отечественных прокатчиков: с фильмом Найта Шьямалана случилось ровно то же, что случается почти с каждым вторым зарубежным фильмом на отечественных экранах. То, что в оригинале называлось коротким и простым словом "Деревня", получило название, почти никак с сюжетом картины не соотносящееся, поскольку дело тут не в лесу, а именно что в деревне.
Шьямалан любит удивлять и пугать, а лучше и то и другое одновременно. Вот и тут: деревня, по антуражу и пасторальным костюмам обитателей датирующаяся концом XIX, в крайнем случае началом XX века, живет в окружении неприятелей. Кто они, неизвестно, лиц у них нет, напоминают гибрид человека и дикобраза, лихо и без прагматической цели свежуют домашнюю скотину, пишут на дверях домов странные знаки красным цветом и, наконец, убивают всякого, кто выйдет за границы деревни. Да, еще они носят красные плащи, а в деревне цвет этот, соответственно, запрещен.
Это тихий, очень изобретательный и в некотором роде нравоучительный хоррор, в котором удачно сыграли Хоакин Феникс, Уильям Херт и Эдриен Броуди. В нем есть место и ужасу, и слабоумию, и любви. В нем можно увидеть притчу, а можно — обвинение роду человеческому, в нем для одного будет особенно нагляден призыв к бегству от прогресса как рецепту спасения, а для другого — резкий выпад против попыток манипуляции людьми.
Ну и два пункта в завершение. Во-первых, ложь всегда остается ложью, какой бы благой целью она ни была мотивирована. А во-вторых, все заборы и страхи стоят и живут в душе человеческой; по сравнению с ними то, что творится снаружи — так, семечки.
Поддержка проекта:
PayPal: mosdetchtenie@protonmail.com
Карта Сбербанка 2202 2009 0908 6363
👍1