Кон-Тики
Kon Tiki
Режиссеры Йоаким Реннинг и Эспен Сандберг
Великобритания/Норвегия/Дания/Германия, 2012 год
Мальчик прыгает по льдинам, плескающимся в полынье. Белый снег, белый лед, темная вода; льдины колеблются под ногами, но он полон решимости перейти по этому шаткому, неустойчивому мосту, несмотря на предостерегающие крики друзей.
Через несколько лет он, повзрослевший, тащит на себе жену, находящуюся на краю гибели, через джунгли, к проходящему мимо кораблю, - заросший, почти Робинзон. Корабль берет их на борт.
Еще годы спустя он стоит в офисе Национального Географического общества, предлагая ему профинансировать безумную экспедицию: в доказательство теории о заселении Полинезии он готов проплыть на бальсовом плоту от Перу до островов. Его поднимают на смех, но стройный и белокурый норвежец готов на все.
Его зовут Тур Хейердал.
История экспедиции на Кон-Тики в моем детстве была составной частью мальчишеской мифологии, тем более что уже на моей памяти Хейердал плавал на папирусной лодке «Ра» вместе с советским врачом Сенкевичем; у родителей на полке стояла рядом с книгой Хейердала его биография, написанная Арнольдом Якоби — в общем, у нас во дворе в храброго мореплавателя играли вовсю. Мы не знали всех перипетий знаменитой экспедиции, деталей борьбы с филистерами от науки, триумфального шествия по миру документального фильма, снятого Хейердалом на борту «Кон-Тики» («Оскар» за лучший иностранный фильм), — но нас восхищала решимость волевого норвежца, поставившего на карту жизнь ради утверждения истины, в которую он безоглядно верил.
Спустя 65 лет земляки великого исследователя сняли о нем байопик, и это абсолютно прекрасно. Фильм оказался не плакатной агиткой, не рассыпающимся набором ярких картинок, но внятной, понятной и захватывающей историей необыкновенного путешествия, красивой той невероятной красотой, которую только и можно увидеть, наверное, посреди океана, в среде, еще не загаженной человеком. И человек здесь духоподъемен и одержим прекрасной идеей — актер Поль Сверре Вальхейм Хаген, сыгравший Хейердала, вполне отвечает образу, который я лелеял в душе долгие годы.
Но самое главное заключается в том, что этот фильм — один из немногих сегодня, которые могут лечь в основание вечного стремления мальчишек открывать новые земли и водить фрегаты, тех, где воля и разум соединяются не в разящем кулаке, но в напряженных мускулах рук, поднимающих парус.
Мальчишек всегда будут влечь к себе полыньи и шатающиеся льдины, — и такие фильмы помогают им уверенно перебираться на другой берег.
#biopic
#drama
#Norway
#UK
#Denmark
#Germany
#year2007
Kon Tiki
Режиссеры Йоаким Реннинг и Эспен Сандберг
Великобритания/Норвегия/Дания/Германия, 2012 год
Мальчик прыгает по льдинам, плескающимся в полынье. Белый снег, белый лед, темная вода; льдины колеблются под ногами, но он полон решимости перейти по этому шаткому, неустойчивому мосту, несмотря на предостерегающие крики друзей.
Через несколько лет он, повзрослевший, тащит на себе жену, находящуюся на краю гибели, через джунгли, к проходящему мимо кораблю, - заросший, почти Робинзон. Корабль берет их на борт.
Еще годы спустя он стоит в офисе Национального Географического общества, предлагая ему профинансировать безумную экспедицию: в доказательство теории о заселении Полинезии он готов проплыть на бальсовом плоту от Перу до островов. Его поднимают на смех, но стройный и белокурый норвежец готов на все.
Его зовут Тур Хейердал.
История экспедиции на Кон-Тики в моем детстве была составной частью мальчишеской мифологии, тем более что уже на моей памяти Хейердал плавал на папирусной лодке «Ра» вместе с советским врачом Сенкевичем; у родителей на полке стояла рядом с книгой Хейердала его биография, написанная Арнольдом Якоби — в общем, у нас во дворе в храброго мореплавателя играли вовсю. Мы не знали всех перипетий знаменитой экспедиции, деталей борьбы с филистерами от науки, триумфального шествия по миру документального фильма, снятого Хейердалом на борту «Кон-Тики» («Оскар» за лучший иностранный фильм), — но нас восхищала решимость волевого норвежца, поставившего на карту жизнь ради утверждения истины, в которую он безоглядно верил.
Спустя 65 лет земляки великого исследователя сняли о нем байопик, и это абсолютно прекрасно. Фильм оказался не плакатной агиткой, не рассыпающимся набором ярких картинок, но внятной, понятной и захватывающей историей необыкновенного путешествия, красивой той невероятной красотой, которую только и можно увидеть, наверное, посреди океана, в среде, еще не загаженной человеком. И человек здесь духоподъемен и одержим прекрасной идеей — актер Поль Сверре Вальхейм Хаген, сыгравший Хейердала, вполне отвечает образу, который я лелеял в душе долгие годы.
Но самое главное заключается в том, что этот фильм — один из немногих сегодня, которые могут лечь в основание вечного стремления мальчишек открывать новые земли и водить фрегаты, тех, где воля и разум соединяются не в разящем кулаке, но в напряженных мускулах рук, поднимающих парус.
Мальчишек всегда будут влечь к себе полыньи и шатающиеся льдины, — и такие фильмы помогают им уверенно перебираться на другой берег.
#biopic
#drama
#Norway
#UK
#Denmark
#Germany
#year2007
Сводник
The MatchMaker
Режиссер Марк Джофф
США, Великобритания, Ирландия
1997
Фильмы про Ирландию и ирландцев априори обречены на внимание, наверное, оттого, что мы видим в людях с Зеленого острова своих альтер эго, только, в отличие от русских, отчаянных оптимистов. Вот и эта романтическая комедия автоматически заставляет сердце теплеть при первых же завываниях волынки. Они встречают Марси, американскую сотрудницу штаба одного из американских кандидатов в сенаторы (Жаннин Гарофало, не очень известная у нас актриса, стендап-комеди-артистка и либеральный активист) – она приезжает в Иралндию, чтобы найти исторические корни своего кандидата и использовать традиционные ценности для его предвыборного пиара. В городке Балинагра, где эти корни, согласно легенде, остались, тем временем проходит фестиваль сводников, каковой сильно мешает Марсиным поискам. Зато помогает ей симпатичный бармен Шон (Дэвид О'Хара, известный по «Ковбоям и Пришельцам» и последнему «Гарри Поттеру»), экс-журналист и вообще отличный парень.
Уже в первой трети понятно, что, несмотря на независимый характер Марси, ей и Шону суждено хотя бы раз поцеловаться, на чем настаивает самый, наверное, обаятельный герой фильма, старый сводник Дермот. Дальше все закручивается в тугую комическую спираль, в процессе которой Марси и Шона закидывают камнями, кандидат оказывается почему-то венгром и увольняет начальника штаба, а влюбленные в конце концов воссоединяются на улицах Бостона.
И вот что удивительно – кино, снятое австралийцем Джоффом (родившимся отчего-то в белорусском Полоцке), не отнесешь к каким-то выдающимся достижениям важнейшего из искусств – но сердце, как я уже сказал, теплеет, смех пробивается сквозь слезу (или вызывает их, что чаще), и финальные титры проходят под такой силы заряд любви к соседям по планете, что впору сдерживать себя. Вот она, сила национального начала страны лепреконов и пьяниц, музыкантов и писателей.
#USA
#UK
#Ireland
#comedy
#year1997
The MatchMaker
Режиссер Марк Джофф
США, Великобритания, Ирландия
1997
Фильмы про Ирландию и ирландцев априори обречены на внимание, наверное, оттого, что мы видим в людях с Зеленого острова своих альтер эго, только, в отличие от русских, отчаянных оптимистов. Вот и эта романтическая комедия автоматически заставляет сердце теплеть при первых же завываниях волынки. Они встречают Марси, американскую сотрудницу штаба одного из американских кандидатов в сенаторы (Жаннин Гарофало, не очень известная у нас актриса, стендап-комеди-артистка и либеральный активист) – она приезжает в Иралндию, чтобы найти исторические корни своего кандидата и использовать традиционные ценности для его предвыборного пиара. В городке Балинагра, где эти корни, согласно легенде, остались, тем временем проходит фестиваль сводников, каковой сильно мешает Марсиным поискам. Зато помогает ей симпатичный бармен Шон (Дэвид О'Хара, известный по «Ковбоям и Пришельцам» и последнему «Гарри Поттеру»), экс-журналист и вообще отличный парень.
Уже в первой трети понятно, что, несмотря на независимый характер Марси, ей и Шону суждено хотя бы раз поцеловаться, на чем настаивает самый, наверное, обаятельный герой фильма, старый сводник Дермот. Дальше все закручивается в тугую комическую спираль, в процессе которой Марси и Шона закидывают камнями, кандидат оказывается почему-то венгром и увольняет начальника штаба, а влюбленные в конце концов воссоединяются на улицах Бостона.
И вот что удивительно – кино, снятое австралийцем Джоффом (родившимся отчего-то в белорусском Полоцке), не отнесешь к каким-то выдающимся достижениям важнейшего из искусств – но сердце, как я уже сказал, теплеет, смех пробивается сквозь слезу (или вызывает их, что чаще), и финальные титры проходят под такой силы заряд любви к соседям по планете, что впору сдерживать себя. Вот она, сила национального начала страны лепреконов и пьяниц, музыкантов и писателей.
#USA
#UK
#Ireland
#comedy
#year1997
Береговые сказки
Tales of the Riverbank
Режиссер Джон Хендерсон
Великобритания
2008 год
Чем хорошее детское кино отличается от плохого? Много чем, но есть несколько определяющих моментов, и вот вам два главных. Во-первых, хорошее детское кино не врет, во-вторых, оно ведет себя с ребенком как с равным. И неважно, игровое это кино, мультфильм ли – критерии универсальны.
«Береговые сказки» в этом случае — стопроцентно хорошее детское кино. Сама история изложена в классической традиции, идущей от «Винни-Пуха» и «Ветра в ивах»: сбивающиеся в кучу береговые жители спасают собственную реку от жадных до наживы отвратительных котов и их прислужников, которые варят вредный мармелад и готовы ради суперприбылей на все возможные пакости. Удивительно точно и тонко существуют в экранном пространстве куклы, потрясающе живые – от хомяка и морской свинки до совы и щуки, остроумно и изящно продуманы реплики, виртуозно озвучены герои актерами первого ряда – Стивеном Фраем, Стивом Кугеном, Джимом Броудбентом…
Наверняка все создатели «Береговых сказок» испытывали от своей работы невероятное удовольствие, иначе дети бы так не смеялись и не переживали за упавшего в реку морского свина, только что сбросившего бомбы на проклятую мармеладную фабрику, а взрослые, привлеченные этим смехом, не оставались бы у экранов, чтобы в свою очередь считать с них понятные только им, взрослым, смыслы.
#UK
#comedy
#animation
#kids
#fairytale
#year2008
Tales of the Riverbank
Режиссер Джон Хендерсон
Великобритания
2008 год
Чем хорошее детское кино отличается от плохого? Много чем, но есть несколько определяющих моментов, и вот вам два главных. Во-первых, хорошее детское кино не врет, во-вторых, оно ведет себя с ребенком как с равным. И неважно, игровое это кино, мультфильм ли – критерии универсальны.
«Береговые сказки» в этом случае — стопроцентно хорошее детское кино. Сама история изложена в классической традиции, идущей от «Винни-Пуха» и «Ветра в ивах»: сбивающиеся в кучу береговые жители спасают собственную реку от жадных до наживы отвратительных котов и их прислужников, которые варят вредный мармелад и готовы ради суперприбылей на все возможные пакости. Удивительно точно и тонко существуют в экранном пространстве куклы, потрясающе живые – от хомяка и морской свинки до совы и щуки, остроумно и изящно продуманы реплики, виртуозно озвучены герои актерами первого ряда – Стивеном Фраем, Стивом Кугеном, Джимом Броудбентом…
Наверняка все создатели «Береговых сказок» испытывали от своей работы невероятное удовольствие, иначе дети бы так не смеялись и не переживали за упавшего в реку морского свина, только что сбросившего бомбы на проклятую мармеладную фабрику, а взрослые, привлеченные этим смехом, не оставались бы у экранов, чтобы в свою очередь считать с них понятные только им, взрослым, смыслы.
#UK
#comedy
#animation
#kids
#fairytale
#year2008
UB40 – история регги
UB40 - The Story Of Reggae
Режиссер Боб Смитон
Великобритания, 1999 год
Начиная с конца 1960-х Англия была раем для мигрантов, выходцев из самых бедных слоев Ямайки, Пакистана и Индии – бывших британских колоний. К 80-м они сконцентрировались в местности, получившей – неясно, поэтому ли или по каким иным причинам – название Black Country, Черная Страна; сегодня ее знают как Уэст-Мидлендс. Бирмингем, Вулверхэмптон, другие близлежащие города стали огромным плавильным котлом, в том числе и культурным – а в музыкальном отношении это значило рождение британской музыки регги.
Простой и понятный фильм, снятый на исходе 90-х, об этом и рассказывает. Но в центре повествования находится не абстрактный жанр, а конкретные люди. Восемь безработных пареньков из Бирмингема, которым суждено было войти в историю музыки аббревиатурой UB40.
Теперь мало кто помнит, это этими буквами и цифрами обозначалась некая форма документа, заполнявшаяся британцами при получении права на пособие по безработицу. Фильм Боба Смитона – прекрасный повод вспомнить об этом, как и об истоках регги-культуры, императоре Хайле Селассие, Бобе Марли и прочих иконах жанра. Но в центре повествования все же находятся Робин и Али Кэмпбеллы, Брайан Треверс, Астро и прочие участники группы.
Собственно, что такое регги, помимо ритмического акцента на слабую долю и мистических разговоров о божественной сущности императора Эфиопии, причесок-дредов и курения снадобий, связывающих растаманов с Богом Джа? Это, как и любая музыка, язык, на котором артист говорит с людьми. Боб Марли, выводя локальный жанр на мировую арену, и представить себе не мог, какой акцент приобретет его любимая музыка в британских городах. Белые мальчики из неблагополучных семей слышали в этих расслабленных ритмах основу для того, чтобы сказать миру о себе – и говорили это, да так, что мир услышал их в полный рост.
Когда-то UB40 стали первой иностранной группой, давшей концерт в Москве во время перестройки – на стадионе Лужники. Тогда еще нельзя было танцевать, и милиционеры выводили из зала тех отчаянных, кто пытался совершать довольно безобидные телодвижения. Этому очень удивлялась группа, но слабая доля все равно прокачивала воздух, и позитивные вибрации становились частью каждого из нас, тех, кто был там и тогда. Этот фильм – прекрасная возможность вспомнить о том, как начинали, чем продолжили и чем живут бывшие неблагополучные ребята из угрюмого британского города Бирмингем.
#UK
#music
#documentary
#year1999
UB40 - The Story Of Reggae
Режиссер Боб Смитон
Великобритания, 1999 год
Начиная с конца 1960-х Англия была раем для мигрантов, выходцев из самых бедных слоев Ямайки, Пакистана и Индии – бывших британских колоний. К 80-м они сконцентрировались в местности, получившей – неясно, поэтому ли или по каким иным причинам – название Black Country, Черная Страна; сегодня ее знают как Уэст-Мидлендс. Бирмингем, Вулверхэмптон, другие близлежащие города стали огромным плавильным котлом, в том числе и культурным – а в музыкальном отношении это значило рождение британской музыки регги.
Простой и понятный фильм, снятый на исходе 90-х, об этом и рассказывает. Но в центре повествования находится не абстрактный жанр, а конкретные люди. Восемь безработных пареньков из Бирмингема, которым суждено было войти в историю музыки аббревиатурой UB40.
Теперь мало кто помнит, это этими буквами и цифрами обозначалась некая форма документа, заполнявшаяся британцами при получении права на пособие по безработицу. Фильм Боба Смитона – прекрасный повод вспомнить об этом, как и об истоках регги-культуры, императоре Хайле Селассие, Бобе Марли и прочих иконах жанра. Но в центре повествования все же находятся Робин и Али Кэмпбеллы, Брайан Треверс, Астро и прочие участники группы.
Собственно, что такое регги, помимо ритмического акцента на слабую долю и мистических разговоров о божественной сущности императора Эфиопии, причесок-дредов и курения снадобий, связывающих растаманов с Богом Джа? Это, как и любая музыка, язык, на котором артист говорит с людьми. Боб Марли, выводя локальный жанр на мировую арену, и представить себе не мог, какой акцент приобретет его любимая музыка в британских городах. Белые мальчики из неблагополучных семей слышали в этих расслабленных ритмах основу для того, чтобы сказать миру о себе – и говорили это, да так, что мир услышал их в полный рост.
Когда-то UB40 стали первой иностранной группой, давшей концерт в Москве во время перестройки – на стадионе Лужники. Тогда еще нельзя было танцевать, и милиционеры выводили из зала тех отчаянных, кто пытался совершать довольно безобидные телодвижения. Этому очень удивлялась группа, но слабая доля все равно прокачивала воздух, и позитивные вибрации становились частью каждого из нас, тех, кто был там и тогда. Этот фильм – прекрасная возможность вспомнить о том, как начинали, чем продолжили и чем живут бывшие неблагополучные ребята из угрюмого британского города Бирмингем.
#UK
#music
#documentary
#year1999
Происхождение
Creation
Режиссер Джон Эмиел
Великобритания, 2009
Биографическая картина о Чарлзе Дарвине оказалась, похоже, первой в истории кино – а ведь автор «Происхождения видов путем естественного отбора» кажется самой благодатной персоной для байопика, и тем не менее. Его фигура оказалась спорной; ее боятся и ненавидят вот уже в третьем столетии. Не уверен, что этот фильм был бы выпущен у нас в прокат сегодня.
Но это фильм не о борьбе за идею, это — фильм о любви. О любви к истине, которая для Дарвина (Пол Беттани) непреложна; к жене, к рано умершей дочери. Истина, которую он увидел и осознал, не дает ему принять лукавство и лицемерие служителей церкви; жена же видит в этой истине стену, которая воздвигается между ней и мужем, а призрак дочери, который видится ученому почти везде, будит в нем нехристианское чувство гнева и осознание несправедливости. Но истина все же важнее.
Странно, но лучшие эпизоды в этой картине – не болезнь Дарвина, не мучительные его бдения над рукописью, которую он и не хотел бы, да не может не писать, а флэшбеки из прошлого, моменты его общения с шимпанзе. Невероятно и в то же время предсказуемо: животное вчистую переигрывает актера Беттани, а он играет практически на разрыв! – но какая-то неизъяснимая древняя мудрость в глазах этого вне всякого сомнения разумного существа напрочь убирает все его метания и мучения. Ну что, словно говорит ему обезьяна, хочешь видеть меня своим предком? Пожалуйста, если тебе это так важно. А мне позволь просто любить себя. И жить, пока не умру.
Но Дарвин не видит всего этого этого и не чувствует. Он весь во власти идеи, потому что он – всего лишь человек. Страстный, думающий, искренний и потому бунтующий. И подтверждением его право ты становится фраза «вы убили Бога, сэр» — что же это за Бог, которого так просто убить?
А истинным героем фильма при всем при том становится жена Дарвина (Дженнифер Коннолли, в реальном мире – жена Пола Беттани). Ей, и никому другому отдает Дарвин для последней оценки свою рукопись. И ей решать, в огонь ее отправить или же почтой в издательство. Мудрая женщина делает верный выбор, настаивая на последнем и при этом понимая, что переступает через собственную веру. Но ей нужен этот мужчина, который написал эту рукопись, написал не только умом и знанием, но кровью и нервами; тот, кем он станет после того, как разовьются по ветру последние клочки пепла – не нужен. И вот, собственно, все, что стоит сказать о «Происхождении» или, вернее сказать, «Создании» - именно так на самом деле переводится название фильма.
Как ни крути, нас — что физически, что метафизически — создают женщины. И если в кого-то или во что-то верить, то, пожалуй, в них.
#UK
#biopic
#year2009
Creation
Режиссер Джон Эмиел
Великобритания, 2009
Биографическая картина о Чарлзе Дарвине оказалась, похоже, первой в истории кино – а ведь автор «Происхождения видов путем естественного отбора» кажется самой благодатной персоной для байопика, и тем не менее. Его фигура оказалась спорной; ее боятся и ненавидят вот уже в третьем столетии. Не уверен, что этот фильм был бы выпущен у нас в прокат сегодня.
Но это фильм не о борьбе за идею, это — фильм о любви. О любви к истине, которая для Дарвина (Пол Беттани) непреложна; к жене, к рано умершей дочери. Истина, которую он увидел и осознал, не дает ему принять лукавство и лицемерие служителей церкви; жена же видит в этой истине стену, которая воздвигается между ней и мужем, а призрак дочери, который видится ученому почти везде, будит в нем нехристианское чувство гнева и осознание несправедливости. Но истина все же важнее.
Странно, но лучшие эпизоды в этой картине – не болезнь Дарвина, не мучительные его бдения над рукописью, которую он и не хотел бы, да не может не писать, а флэшбеки из прошлого, моменты его общения с шимпанзе. Невероятно и в то же время предсказуемо: животное вчистую переигрывает актера Беттани, а он играет практически на разрыв! – но какая-то неизъяснимая древняя мудрость в глазах этого вне всякого сомнения разумного существа напрочь убирает все его метания и мучения. Ну что, словно говорит ему обезьяна, хочешь видеть меня своим предком? Пожалуйста, если тебе это так важно. А мне позволь просто любить себя. И жить, пока не умру.
Но Дарвин не видит всего этого этого и не чувствует. Он весь во власти идеи, потому что он – всего лишь человек. Страстный, думающий, искренний и потому бунтующий. И подтверждением его право ты становится фраза «вы убили Бога, сэр» — что же это за Бог, которого так просто убить?
А истинным героем фильма при всем при том становится жена Дарвина (Дженнифер Коннолли, в реальном мире – жена Пола Беттани). Ей, и никому другому отдает Дарвин для последней оценки свою рукопись. И ей решать, в огонь ее отправить или же почтой в издательство. Мудрая женщина делает верный выбор, настаивая на последнем и при этом понимая, что переступает через собственную веру. Но ей нужен этот мужчина, который написал эту рукопись, написал не только умом и знанием, но кровью и нервами; тот, кем он станет после того, как разовьются по ветру последние клочки пепла – не нужен. И вот, собственно, все, что стоит сказать о «Происхождении» или, вернее сказать, «Создании» - именно так на самом деле переводится название фильма.
Как ни крути, нас — что физически, что метафизически — создают женщины. И если в кого-то или во что-то верить, то, пожалуй, в них.
#UK
#biopic
#year2009
Брат Солнце, сестра Луна
Brother sun, sister Moon
Режиссер Франко Дзефирелли
Италия-Великобритания, 1972 год
Фигура св. Франциска Ассизского невероятно прельстительна для художников, биографов и эссеистов любого рода; несть числа его изображениям, существует несколько биографий и ряд романов о нем. Кинематограф, конечно же, тоже не прошел мимо; Франко Дзефирелли был вторым режиссером, попытавшихся отразить образ Франциска на экране.
«Брат солнце, сестра луна» - искренняя и, в общем, не очень удачная попытка подвести общий знаменатель под подвиги Франциска и движение хиппи, к моменту выхода фильма начавшее понемногу увядать, но все еще значимое. В сущности, экранный Франциск, искренне, почти на выдохе сыгранный Грэмом Фолкнером, и есть средневековый хиппи, бунтующий против тогдашней как бы буржуазной среды, в которой вырос. Конечно, все кладут монеты в церковную кружку, но не забывают и о своей мошне, а призывы юного безумца немедленно расстаться с материальным ради духовного априори встречаются как призывы безумца, не более того.
Конечно, Фолкнер слишком нежен, слишком чист для настоящего Франциска. Его, как мы знаем, обуревали очень сильные страсти – те самые, которые в конце концов, горя белым пламенем, и ведут святых на подвиги; вот этого пламени в Фолкнере почти что и нет. Зато он удачно показывает, что Франциск видел мир иным, чем все его окружавшие, и страстно желал поделиться с ними этим видением. Песни великого фолк-барда Донована, не случайно приглашенного в эту картину, настолько удачно легли в ее ткань, что впоследствии составили полноразмерный альбом, до сих пор имеющий статус культового.
Лилиана Кавани, женщина противоречивая и (тоже) страстная, сняла про Франциска два фильма: строгий черно-белый и разнузданный цветной; во втором Франциском был Микки Рурк, которому страстность по понятным причинам удалась более всего прочего. Но за исключением того, что картину Кавани снимал тот же оператор, Эннио Гварниери, что работал с Дзефирелли - это совсем другая история.
#UK
#Italy
#biopic
#year1972
Brother sun, sister Moon
Режиссер Франко Дзефирелли
Италия-Великобритания, 1972 год
Фигура св. Франциска Ассизского невероятно прельстительна для художников, биографов и эссеистов любого рода; несть числа его изображениям, существует несколько биографий и ряд романов о нем. Кинематограф, конечно же, тоже не прошел мимо; Франко Дзефирелли был вторым режиссером, попытавшихся отразить образ Франциска на экране.
«Брат солнце, сестра луна» - искренняя и, в общем, не очень удачная попытка подвести общий знаменатель под подвиги Франциска и движение хиппи, к моменту выхода фильма начавшее понемногу увядать, но все еще значимое. В сущности, экранный Франциск, искренне, почти на выдохе сыгранный Грэмом Фолкнером, и есть средневековый хиппи, бунтующий против тогдашней как бы буржуазной среды, в которой вырос. Конечно, все кладут монеты в церковную кружку, но не забывают и о своей мошне, а призывы юного безумца немедленно расстаться с материальным ради духовного априори встречаются как призывы безумца, не более того.
Конечно, Фолкнер слишком нежен, слишком чист для настоящего Франциска. Его, как мы знаем, обуревали очень сильные страсти – те самые, которые в конце концов, горя белым пламенем, и ведут святых на подвиги; вот этого пламени в Фолкнере почти что и нет. Зато он удачно показывает, что Франциск видел мир иным, чем все его окружавшие, и страстно желал поделиться с ними этим видением. Песни великого фолк-барда Донована, не случайно приглашенного в эту картину, настолько удачно легли в ее ткань, что впоследствии составили полноразмерный альбом, до сих пор имеющий статус культового.
Лилиана Кавани, женщина противоречивая и (тоже) страстная, сняла про Франциска два фильма: строгий черно-белый и разнузданный цветной; во втором Франциском был Микки Рурк, которому страстность по понятным причинам удалась более всего прочего. Но за исключением того, что картину Кавани снимал тот же оператор, Эннио Гварниери, что работал с Дзефирелли - это совсем другая история.
#UK
#Italy
#biopic
#year1972
Луна 2112
Moon
Режиссер Данкан Джонс
Великобритания, 2009
«Луна 2112» — это не та фантастика, в которой основную долю бюджета занимают гонорары суперзвезд и спецэффекты. Это — кино старой школы, если наставниками считать Тарковского, Кубрика, Ридли Скотта; это — ничуть не привлекательная лунная поверхность, функциональные машины, нарочито крупные клавиатуры и человек, оставшийся один на один со Вселенной — и с самим собой.
...Hекий гелиум-3, найденный на обратной стороне Луны, решил все энергетические проблемы человечества, ввиду чего и была организована его промышленная добыча. Роботизированными агрегатами управляет всего лишь один человек. У него есть имя — Сэм (Сэм Рокуэлл), трехгодичный контракт за плечами и скорый «дембель» на Землю, где ждут красавица-жена и чудесная дочка. Ассистирует ему и решает проблемы армейского вида робот по имени Герти (голос Кевина Спейси) — однорукая, трехпалая, не очень чистая железяка с объективом и монитором, на котором последовательно отражаются смайлики. Казалось бы, идиллия будущего; но всего лишь один неверный поворот руля вездехода, нелепая авария, — и все реалии оборачиваются своей противоположностью. Земля становится не домом, а совершенно чужим местом, где все не так, как казалось, семьи никакой нет, зато Сэмов — аж два. А чуть позже — так и вовсе три.
Вот в этот-то момент кино Данкана Джонса (сына рок-легенды Дэвида Боуи, между прочим!) из традиционной, чуть старомодной производственной фантастики становится психологической драмой высочайшего накала. Психологической — и этической тоже. В мире, придуманном режиссером Джонсом, человечество тащит за собой во Вселенную всю дрянь, которую оно накопило за свою историю, и там эта дрянь приобретает имидж «рационального подхода к производству». Или «здравого смысла».
Сэм Рокуэлл — актер не просто очень хороший, он большой актер. Наверное, Киану Ривз или Джонни Депп не хуже его сыграли бы два совершенно разных характера под идентичной внешностью, но им помешал бы романтический имидж. Рокуэллу не мешает ничего. Он феноменально естествен и органичен в холодном пространстве станции, отчасти похожей на ту, что снял Тарковский в «Солярисе» — но в ней, увы, теперь нет места Кельвину и Сарториусу. Сэм совершает подвиг, от которого ничего не изменится, он улетает домой — и он остается умирать на чужом осколке Вселенной… зато ему придется ощутить на своем плече сочувственное пожатие манипулятора робота Герти. Роботу приходится пережить не меньше, и единственное, что он может себе позволить — смайлик со слезой на мониторе...
Чем дальше, тем острее и очевиднее становится мысль о том, что человечество развивается как-то не так, как ему заповедал Творец. Впрочем, именно поэтому надо продолжать что-то делать. Вот, например, снимать такие фильмы, как тот, что снял Данкан Джонс.
#UK
#drama
#scifi
#year2009
Moon
Режиссер Данкан Джонс
Великобритания, 2009
«Луна 2112» — это не та фантастика, в которой основную долю бюджета занимают гонорары суперзвезд и спецэффекты. Это — кино старой школы, если наставниками считать Тарковского, Кубрика, Ридли Скотта; это — ничуть не привлекательная лунная поверхность, функциональные машины, нарочито крупные клавиатуры и человек, оставшийся один на один со Вселенной — и с самим собой.
...Hекий гелиум-3, найденный на обратной стороне Луны, решил все энергетические проблемы человечества, ввиду чего и была организована его промышленная добыча. Роботизированными агрегатами управляет всего лишь один человек. У него есть имя — Сэм (Сэм Рокуэлл), трехгодичный контракт за плечами и скорый «дембель» на Землю, где ждут красавица-жена и чудесная дочка. Ассистирует ему и решает проблемы армейского вида робот по имени Герти (голос Кевина Спейси) — однорукая, трехпалая, не очень чистая железяка с объективом и монитором, на котором последовательно отражаются смайлики. Казалось бы, идиллия будущего; но всего лишь один неверный поворот руля вездехода, нелепая авария, — и все реалии оборачиваются своей противоположностью. Земля становится не домом, а совершенно чужим местом, где все не так, как казалось, семьи никакой нет, зато Сэмов — аж два. А чуть позже — так и вовсе три.
Вот в этот-то момент кино Данкана Джонса (сына рок-легенды Дэвида Боуи, между прочим!) из традиционной, чуть старомодной производственной фантастики становится психологической драмой высочайшего накала. Психологической — и этической тоже. В мире, придуманном режиссером Джонсом, человечество тащит за собой во Вселенную всю дрянь, которую оно накопило за свою историю, и там эта дрянь приобретает имидж «рационального подхода к производству». Или «здравого смысла».
Сэм Рокуэлл — актер не просто очень хороший, он большой актер. Наверное, Киану Ривз или Джонни Депп не хуже его сыграли бы два совершенно разных характера под идентичной внешностью, но им помешал бы романтический имидж. Рокуэллу не мешает ничего. Он феноменально естествен и органичен в холодном пространстве станции, отчасти похожей на ту, что снял Тарковский в «Солярисе» — но в ней, увы, теперь нет места Кельвину и Сарториусу. Сэм совершает подвиг, от которого ничего не изменится, он улетает домой — и он остается умирать на чужом осколке Вселенной… зато ему придется ощутить на своем плече сочувственное пожатие манипулятора робота Герти. Роботу приходится пережить не меньше, и единственное, что он может себе позволить — смайлик со слезой на мониторе...
Чем дальше, тем острее и очевиднее становится мысль о том, что человечество развивается как-то не так, как ему заповедал Творец. Впрочем, именно поэтому надо продолжать что-то делать. Вот, например, снимать такие фильмы, как тот, что снял Данкан Джонс.
#UK
#drama
#scifi
#year2009
Подглядывающий
Peeping Tom
Режиссер Майк Пауэлл,
Великобритания, 1960
Наверное, это один из первых фильмов в истории кино, внимательно и дотошно исследующий природу насилия на примере героя картины. Пауэлл, работавший у Хичкока, здесь отчасти продолжает его традиции, но и создает новые: если маэстро Альфред показывал нам психов такими, какими они являются, то Пауэлл тщательно прослеживает эволюцию развития психических отклонений главного героя - Марка Льюиса (Карл Бём), кинооператора и убийцы одновременно. Фильм был подвергнут остракизму за непристойное содержание, показывался только в США (и то лишьтретьим экраном), а в полнноценный культурный оборот попал лишь в 1979-м благодаря Мартину Скорсезе, заслуженно считавшему "Подглядывающего" шедевром.
Хочу добавить лишь, что английский вариант названия восходит к древней легенде о леди Годиве (Томом звали того единственного, кто осмелился посмотреть на наготу Годивы и, как следствие, ослеп) – а само словосочетание Peeping Tom в современном английском означает вуайериста. Да, и еще: в маленькой роли безумного отца главного героя снялся сам Майк Пауэлл.
#UK
#horror
#thriller
#year1960
Peeping Tom
Режиссер Майк Пауэлл,
Великобритания, 1960
Наверное, это один из первых фильмов в истории кино, внимательно и дотошно исследующий природу насилия на примере героя картины. Пауэлл, работавший у Хичкока, здесь отчасти продолжает его традиции, но и создает новые: если маэстро Альфред показывал нам психов такими, какими они являются, то Пауэлл тщательно прослеживает эволюцию развития психических отклонений главного героя - Марка Льюиса (Карл Бём), кинооператора и убийцы одновременно. Фильм был подвергнут остракизму за непристойное содержание, показывался только в США (и то лишьтретьим экраном), а в полнноценный культурный оборот попал лишь в 1979-м благодаря Мартину Скорсезе, заслуженно считавшему "Подглядывающего" шедевром.
Хочу добавить лишь, что английский вариант названия восходит к древней легенде о леди Годиве (Томом звали того единственного, кто осмелился посмотреть на наготу Годивы и, как следствие, ослеп) – а само словосочетание Peeping Tom в современном английском означает вуайериста. Да, и еще: в маленькой роли безумного отца главного героя снялся сам Майк Пауэлл.
#UK
#horror
#thriller
#year1960
👍1
Пуаро Агаты Кристи
Agatha Christie’s Poirot
Режиссеры Чарли Палмер, Эшли Пирс, Росс Дэвениш, Брайан Фарнэм и другие
Великобритания, 1990 – 2009
Если брать героев-сыщиков, то, понятно, на первом месте окажется известно кто с Бейкер-стрит. Но вторым непременно толстенький усатый бельгиец по имени Эркюль, воспетый Агатой Кристи. Ему, как и сухопарому скрипачу, исключительно повезло с экранными воплощениями; даже в дурацком советском фильме «Загадка Эндхауза» его играл прекрасный Анатолий Равикович (о Константине Райкине, пожалуй, умолчим) — что ж говорить о родине автора? Впрочем, и там не обошлось без нашего брата: до какого-то момента главным Пуаро англоязычного мира был великий сэр Питер Устинов. А потом настала эпоха Дэвида Суше.
Суше — актер великолепный, тонкий, неодномерный; он умеет играть и в лоб, и рисовать своего героя тонкими мазками — более того, в других картинах, когда он появляется в кадре, ты не вспоминаешь про детектива. Однако в рамках эпоса Кристи ему, конечно, комфортнее всего.
Он худее, чем книжный герой, но зато нарочито театрален, с этими нафабренными усиками, отточен каждый его жест, он преувеличенно внимателен. Как великолепно он переживает собственные ошибки — а Пуаро делает ошибки! - и как блистательно выходит из затруднений! Как снисходителен к своей тени — полковнику Гастингсу (в этой роли замечательно хорош Хью Фрейзер), и как ценит его безусловную любовь и поддержку. Как точно и тонко он реагирует на неприязнь англичан к «этому иностранцу» - а ведь сам Суше нисколько не бельгиец и не француз, хоть и сын иммигранта из Южной Африки...
Нет, положительно, Дэвид Суше родился, чтобы играть Пуаро. И, похоже, сам Суше тоже так думает.
#year1990
#year2009
#tvseries
#criminal
#UK
Agatha Christie’s Poirot
Режиссеры Чарли Палмер, Эшли Пирс, Росс Дэвениш, Брайан Фарнэм и другие
Великобритания, 1990 – 2009
Если брать героев-сыщиков, то, понятно, на первом месте окажется известно кто с Бейкер-стрит. Но вторым непременно толстенький усатый бельгиец по имени Эркюль, воспетый Агатой Кристи. Ему, как и сухопарому скрипачу, исключительно повезло с экранными воплощениями; даже в дурацком советском фильме «Загадка Эндхауза» его играл прекрасный Анатолий Равикович (о Константине Райкине, пожалуй, умолчим) — что ж говорить о родине автора? Впрочем, и там не обошлось без нашего брата: до какого-то момента главным Пуаро англоязычного мира был великий сэр Питер Устинов. А потом настала эпоха Дэвида Суше.
Суше — актер великолепный, тонкий, неодномерный; он умеет играть и в лоб, и рисовать своего героя тонкими мазками — более того, в других картинах, когда он появляется в кадре, ты не вспоминаешь про детектива. Однако в рамках эпоса Кристи ему, конечно, комфортнее всего.
Он худее, чем книжный герой, но зато нарочито театрален, с этими нафабренными усиками, отточен каждый его жест, он преувеличенно внимателен. Как великолепно он переживает собственные ошибки — а Пуаро делает ошибки! - и как блистательно выходит из затруднений! Как снисходителен к своей тени — полковнику Гастингсу (в этой роли замечательно хорош Хью Фрейзер), и как ценит его безусловную любовь и поддержку. Как точно и тонко он реагирует на неприязнь англичан к «этому иностранцу» - а ведь сам Суше нисколько не бельгиец и не француз, хоть и сын иммигранта из Южной Африки...
Нет, положительно, Дэвид Суше родился, чтобы играть Пуаро. И, похоже, сам Суше тоже так думает.
#year1990
#year2009
#tvseries
#criminal
#UK
Рождественское чудо Джонатана Туми
The Christmas Miracle of Jonathan Toomey
Режиссер Билл Кларк
Великобритания, 2007
Трудно представить, но бывают экранизации, которые перекрывают литературные первоисточники. Так случилось с книжкой американской библиотекарши Сьюзан Войцеховски — она, женщина верующая, перед каждым рождеством собирала своих юных посетителей и читала им хрестоматийные рождественские истории, а потом раззадорилась и сочинила собственную.
Получилась детская книжка с картинками, красочная, назидательная, трогательная, с христианской моралью — но схематичная и постная, даром что почти моментально стала детской классикой (кстати, издана она и в России). А вот фильм, поставленный по ней, оказался совершенно чудесным.
Сюжет, повторюсь, прост до примитивности. В деревне живет резчик по дереву — молчун, бирюк, нелюдим; никто не знает, что за пару лет до переезда сюда он потерял жену и маленького сына. К нему приходит вдова с сыном и просит вырезать фигурки для рождественского вертепа взамен утраченных, а заодно просит разрешения для сына присутствовать при процессе. Резчик поначалу отвечает отказом, но, проникшись смирением заказчиков, мало-помалу оттаивает и в конце идет со вдовой и сыном к рождественской службе.
Для кино сюжет пришлось раскрасить деталями. Вдова и ее сын стали жертвами Первой мировой; фигурки оказались утерянными во время вынужденного переезда в деревню; резчика дразнили по-всякому деревенские дети — ну и так далее. А самое главное — на роль Джонатана Туми режиссер Кларк пригласил Тома Беренджера.
Полузабытая звезда «Взвода» и «Рожденного четвертого июля», брутальный мачо из «Снайпера», Береенджер оказался идеальным персонажем почти диккенсовской истории; в нем резчик Туми обрел едва ли не лучшее воплощение, чем в сусальных иллюстрациях художника Линча, собственно, и сделавших книжку Войцеховски бестселлером. Острый, колючий взгляд исподлобья постепенно теплеет; резкие жесты смягчаются; даже пластика работы, движения резца меняются — и при этом герой Беренджера не теряет ни капли маскулинной убедительности. Понятно, что и партнеры у него оказались прекрасные — дочь Тони Ричардсона и Ванессы Редгрейв Джоэли Ричардсон, сыгравшая вдову, актриса гибкая, пластичная, тонкая и очень точная в деталях — ну и замечательный Люк Уорд-Уилкинсон, сыгравший мальчика Томаса, - живого, нервного, любопытного и любознательного. Во всяком случае, сцена, в которой Томас говорит мистеру Туми о том, что его овцы были радостными оттого, что рядом с ними был младенец Иисус, не выглядит ни сусальной, ни нарочитой — мальчик искренне и с убежденностью говорит об очевидных, естественных для него вещах.
Короче говоря, если у христианских ценностей и есть какие-то опоры кинематографического свойства, в которых они отражены ясно и без начетничества, то это такие вот, безыскусные и красивые фильмы, в которых эти ценности звучат, как хрустальные колокола — ну или как песня Стива Эрла Nothing But A Child, которой, собственно, фильм и заканчивается.
#UK
#fantasy
#kids
#Christmas
#year2007
The Christmas Miracle of Jonathan Toomey
Режиссер Билл Кларк
Великобритания, 2007
Трудно представить, но бывают экранизации, которые перекрывают литературные первоисточники. Так случилось с книжкой американской библиотекарши Сьюзан Войцеховски — она, женщина верующая, перед каждым рождеством собирала своих юных посетителей и читала им хрестоматийные рождественские истории, а потом раззадорилась и сочинила собственную.
Получилась детская книжка с картинками, красочная, назидательная, трогательная, с христианской моралью — но схематичная и постная, даром что почти моментально стала детской классикой (кстати, издана она и в России). А вот фильм, поставленный по ней, оказался совершенно чудесным.
Сюжет, повторюсь, прост до примитивности. В деревне живет резчик по дереву — молчун, бирюк, нелюдим; никто не знает, что за пару лет до переезда сюда он потерял жену и маленького сына. К нему приходит вдова с сыном и просит вырезать фигурки для рождественского вертепа взамен утраченных, а заодно просит разрешения для сына присутствовать при процессе. Резчик поначалу отвечает отказом, но, проникшись смирением заказчиков, мало-помалу оттаивает и в конце идет со вдовой и сыном к рождественской службе.
Для кино сюжет пришлось раскрасить деталями. Вдова и ее сын стали жертвами Первой мировой; фигурки оказались утерянными во время вынужденного переезда в деревню; резчика дразнили по-всякому деревенские дети — ну и так далее. А самое главное — на роль Джонатана Туми режиссер Кларк пригласил Тома Беренджера.
Полузабытая звезда «Взвода» и «Рожденного четвертого июля», брутальный мачо из «Снайпера», Береенджер оказался идеальным персонажем почти диккенсовской истории; в нем резчик Туми обрел едва ли не лучшее воплощение, чем в сусальных иллюстрациях художника Линча, собственно, и сделавших книжку Войцеховски бестселлером. Острый, колючий взгляд исподлобья постепенно теплеет; резкие жесты смягчаются; даже пластика работы, движения резца меняются — и при этом герой Беренджера не теряет ни капли маскулинной убедительности. Понятно, что и партнеры у него оказались прекрасные — дочь Тони Ричардсона и Ванессы Редгрейв Джоэли Ричардсон, сыгравшая вдову, актриса гибкая, пластичная, тонкая и очень точная в деталях — ну и замечательный Люк Уорд-Уилкинсон, сыгравший мальчика Томаса, - живого, нервного, любопытного и любознательного. Во всяком случае, сцена, в которой Томас говорит мистеру Туми о том, что его овцы были радостными оттого, что рядом с ними был младенец Иисус, не выглядит ни сусальной, ни нарочитой — мальчик искренне и с убежденностью говорит об очевидных, естественных для него вещах.
Короче говоря, если у христианских ценностей и есть какие-то опоры кинематографического свойства, в которых они отражены ясно и без начетничества, то это такие вот, безыскусные и красивые фильмы, в которых эти ценности звучат, как хрустальные колокола — ну или как песня Стива Эрла Nothing But A Child, которой, собственно, фильм и заканчивается.
#UK
#fantasy
#kids
#Christmas
#year2007
Led Zeppelin - День празднования
Led Zeppelin Celebration Day
Режиссер Дик Каррузерс
Великобритания, 2012
В декабре 2007 года — в третий и, вероятно, последний раз с момента смерти барабанщика группы Джона «Бонзо» Бонэма — музыканты Led Zeppelin (гитарист Джимми Пейдж, вокалист Роберт Плант и бас-гитарист Джон Пол Джонс) собрались на сцене лондонского зала O2 Arena, чтобы сыграть концерт в память своего друга, основателя лейбла Atlantic Records Ахмета Эртегюна. Место за ударными занял сын Бонэма — Джейсон, ставший известным и востребованным музыкантом.
Собственно говоря, это был фестиваль, и в нем, помимо Led Zeppelin, приняли участие экс-басист Rolling Stones Билл Уаймен, Кит Эмерсон из Emerson, Lake and Palmer, Пол Роджерс из Bad Company, группа Foreigner и певец Паоло Нутини – последний музыкант, с которым подписал контракт Эртегюн. Однако очевидно было, что все они — лишь аперитив перед главным блюдом. Группа сыграла 16 песен, среди которых были Whole Lotta Love, Rock And Roll, Kashmir и Stairway To Heaven — и сыграла на редкость удачно.
Счастливчики, побывавшие на концерте, говорили, что волшебство, связывавшее музыкантов в 1970-е, никуда не делось — даром что Джон Пол Джонс не очень любил разговоры о группе и занимался далекими от классического рока делами. В зале сидели Пол Маккартни и Джефф Бек, Мэрилин Мэнсон и Мик Джаггер, братья Галлахеры и прочие деятели мировой рок-музыки; светских персонажей никто не считал. Это был праздник для всех — и для тинейджеров, которые с неизменным упорством стараются изменить мир при помощи электрогитары, и для 50-летних клерков и СЕО, которые были молодыми в те времена, когда аббревиатура LZ значила все — и немного больше.
Снятый на этом концерте фильм, получивший название Celebration Day (по одной из песен группы), переоценить трудно. Во-первых, экс-цеппелины вряд ли еще когда-нибудь выйдут на сцену в этом составе, даром что все они востребованы и (в разной степени) активны. Во-вторых, это памятник бессмертному духу настоящего рок-н-ролла, лучшим воплощением которого были все-таки именно Led Zeppelin с их сочетанием музыкальной изысканности и отвязной бесшабашности. Это они, а не Джим Моррисон, сделали «шаг на другую сторону» - от контркультуры к большой, настоящей культуре — и остались в ней навсегда.
И в-третьих, нам, зрителям, остается только молча смотреть на чудеса, которые творили на сцене уже 15 (!) лет назад немолодые мужчины, некогда стоявшие у начала рок-н-ролла и сохранившие себя настолько, чтобы показать всем и каждому, с какой легкостью и вдохновением он делается.
#UK
#music
#liveconcert
#year2012
Led Zeppelin Celebration Day
Режиссер Дик Каррузерс
Великобритания, 2012
В декабре 2007 года — в третий и, вероятно, последний раз с момента смерти барабанщика группы Джона «Бонзо» Бонэма — музыканты Led Zeppelin (гитарист Джимми Пейдж, вокалист Роберт Плант и бас-гитарист Джон Пол Джонс) собрались на сцене лондонского зала O2 Arena, чтобы сыграть концерт в память своего друга, основателя лейбла Atlantic Records Ахмета Эртегюна. Место за ударными занял сын Бонэма — Джейсон, ставший известным и востребованным музыкантом.
Собственно говоря, это был фестиваль, и в нем, помимо Led Zeppelin, приняли участие экс-басист Rolling Stones Билл Уаймен, Кит Эмерсон из Emerson, Lake and Palmer, Пол Роджерс из Bad Company, группа Foreigner и певец Паоло Нутини – последний музыкант, с которым подписал контракт Эртегюн. Однако очевидно было, что все они — лишь аперитив перед главным блюдом. Группа сыграла 16 песен, среди которых были Whole Lotta Love, Rock And Roll, Kashmir и Stairway To Heaven — и сыграла на редкость удачно.
Счастливчики, побывавшие на концерте, говорили, что волшебство, связывавшее музыкантов в 1970-е, никуда не делось — даром что Джон Пол Джонс не очень любил разговоры о группе и занимался далекими от классического рока делами. В зале сидели Пол Маккартни и Джефф Бек, Мэрилин Мэнсон и Мик Джаггер, братья Галлахеры и прочие деятели мировой рок-музыки; светских персонажей никто не считал. Это был праздник для всех — и для тинейджеров, которые с неизменным упорством стараются изменить мир при помощи электрогитары, и для 50-летних клерков и СЕО, которые были молодыми в те времена, когда аббревиатура LZ значила все — и немного больше.
Снятый на этом концерте фильм, получивший название Celebration Day (по одной из песен группы), переоценить трудно. Во-первых, экс-цеппелины вряд ли еще когда-нибудь выйдут на сцену в этом составе, даром что все они востребованы и (в разной степени) активны. Во-вторых, это памятник бессмертному духу настоящего рок-н-ролла, лучшим воплощением которого были все-таки именно Led Zeppelin с их сочетанием музыкальной изысканности и отвязной бесшабашности. Это они, а не Джим Моррисон, сделали «шаг на другую сторону» - от контркультуры к большой, настоящей культуре — и остались в ней навсегда.
И в-третьих, нам, зрителям, остается только молча смотреть на чудеса, которые творили на сцене уже 15 (!) лет назад немолодые мужчины, некогда стоявшие у начала рок-н-ролла и сохранившие себя настолько, чтобы показать всем и каждому, с какой легкостью и вдохновением он делается.
#UK
#music
#liveconcert
#year2012
Ветер в ивах
Wind In The Willows
Режиссер Терри Джонс
Великобритания, 1996
Эта история, сочиненная Кеннетом Грэмом в первой половине прошлого века, экранизировалась много раз — и в игровой форме, и в анимационной, — но этот фильм стоит от прочих наособицу. Прежде всего потому, что им занималась компания развеселых англичан, известных также под названием Летающий Цирк Монти Питона. «Ветер в ивах» — сказка, конечно, философская, как и все британские, но в ней еще и очень сильно игровое начало, так что Терри Джонс, Эрик Айдл, Джон Клиз и примкнувшие к ним не-питоны Стив Куган и Стивен Фрай справились с миром, созданным Грэмом, просто на отлично. Они играют говорящих животных почти без грима: у Джонса, играющего Жаба, лицо раскрашено зеленым, а Куган-крот носит каску с фонариком, и этого более чем достаточно, чтобы обозначить контуры героя. Поскольку в сказке много смешного, они комикуют, но не натужно; там, где есть место грусти и романтике, они нежны и задумчивы; в общем, они полностью совпадают с Грэмом. Но «Питоны» делают больше. Они переносят сказку, считающуюся у нас детской, на воистину вневозрастной — с одной стороны — и несколько контркультурный с другой — уровень. Они начинают жить на экране, и, кажется, что и ссорятся, и мирятся совсем взаправду, но очаровательно и совсем не зло. И еще одна важная штука, которую понимаешь, посмотрев именно эту версию «Ветра и ивах»: киношный фейерверк переодеваний в зверей свидетельствует лишь о том, что лучшие из нас хотели был вернуться туда, где зло чисто, понятно и действует хоть и хитро, но прямолинейно.
Не так, как у людей.
#UK
#kids
#family
#comedy
#year1996
Wind In The Willows
Режиссер Терри Джонс
Великобритания, 1996
Эта история, сочиненная Кеннетом Грэмом в первой половине прошлого века, экранизировалась много раз — и в игровой форме, и в анимационной, — но этот фильм стоит от прочих наособицу. Прежде всего потому, что им занималась компания развеселых англичан, известных также под названием Летающий Цирк Монти Питона. «Ветер в ивах» — сказка, конечно, философская, как и все британские, но в ней еще и очень сильно игровое начало, так что Терри Джонс, Эрик Айдл, Джон Клиз и примкнувшие к ним не-питоны Стив Куган и Стивен Фрай справились с миром, созданным Грэмом, просто на отлично. Они играют говорящих животных почти без грима: у Джонса, играющего Жаба, лицо раскрашено зеленым, а Куган-крот носит каску с фонариком, и этого более чем достаточно, чтобы обозначить контуры героя. Поскольку в сказке много смешного, они комикуют, но не натужно; там, где есть место грусти и романтике, они нежны и задумчивы; в общем, они полностью совпадают с Грэмом. Но «Питоны» делают больше. Они переносят сказку, считающуюся у нас детской, на воистину вневозрастной — с одной стороны — и несколько контркультурный с другой — уровень. Они начинают жить на экране, и, кажется, что и ссорятся, и мирятся совсем взаправду, но очаровательно и совсем не зло. И еще одна важная штука, которую понимаешь, посмотрев именно эту версию «Ветра и ивах»: киношный фейерверк переодеваний в зверей свидетельствует лишь о том, что лучшие из нас хотели был вернуться туда, где зло чисто, понятно и действует хоть и хитро, но прямолинейно.
Не так, как у людей.
#UK
#kids
#family
#comedy
#year1996
👍3
Заводной апельсин
Clockwork Orange
Режиссер Стэнли Кубрик
Великобритания, 1972
Это — один из самых непонятых фильмов в истории кинематографа. Снятый в Англии по книге английского писателя и принесший всемирную славу одному из лучших британских актеров семидесятых, в течение двадцати шести лет он был недоступен британскому зрителю. Высокоморальный фильм — и объект самых серьезных упреков в аморальности и насилии на киноэкране; построенный по симфоническим законам, он стал по сути первым панк-фильмом, юные бандиты-британцы в нем говорят на слэнге, основанном на русских словах — и это всего несколько парадоксов из всех, что связаны с этим фильмом. Главного героя, Алекса, очень хотел сыграть Мик Джаггер - и сыграл бы отлично, но Кубрик предпочел Малколма Макдауэлла.
Насилие, смерть и воздаяние - вот три кита, на которых стоит роман Энтони Берджесса, по которому снят этот фильм. Юный насильник, попадающий за решетку, где его лечат от тяги к разрушению сатанинскими методами, где насилие ассоциируется с музыкой любимого композитора Алекса, Бетховена, по выходу на волю становится заложником своего прошлого и пленником настоящего; за его судьбу бьются тюремщики и либералы, но он, несчастный, раздерганный на части, стремится всего лишь быть собой, и его финальный вопль — "я излечился наконец!" — не более чем крик о помощи, и крик этот едва ли не страшнее описанного у Берджесса превращения в банального буржуа.
Кубрика обвиняли в поэтизации насилия, в том, что подражавшие героям фильма подростки начали лупить благопристойных граждан и, конечно, это была полная чушь. Однако уставший от обвинений режиссер изъял фильм из британского проката — при том, что в молодежной и культурной среде он стал безусловно культовым. Однако не это главное. Главное — Кубрик наглядно показал, что в любом государстве человек (плохой ли, хороший) всегда заложник, всегда невольник, всегда страдательная фигура. И неважно, кто этот человек, насильник и убийца — или его жертва.
#UK
#drama
#scifi
#year1972
Clockwork Orange
Режиссер Стэнли Кубрик
Великобритания, 1972
Это — один из самых непонятых фильмов в истории кинематографа. Снятый в Англии по книге английского писателя и принесший всемирную славу одному из лучших британских актеров семидесятых, в течение двадцати шести лет он был недоступен британскому зрителю. Высокоморальный фильм — и объект самых серьезных упреков в аморальности и насилии на киноэкране; построенный по симфоническим законам, он стал по сути первым панк-фильмом, юные бандиты-британцы в нем говорят на слэнге, основанном на русских словах — и это всего несколько парадоксов из всех, что связаны с этим фильмом. Главного героя, Алекса, очень хотел сыграть Мик Джаггер - и сыграл бы отлично, но Кубрик предпочел Малколма Макдауэлла.
Насилие, смерть и воздаяние - вот три кита, на которых стоит роман Энтони Берджесса, по которому снят этот фильм. Юный насильник, попадающий за решетку, где его лечат от тяги к разрушению сатанинскими методами, где насилие ассоциируется с музыкой любимого композитора Алекса, Бетховена, по выходу на волю становится заложником своего прошлого и пленником настоящего; за его судьбу бьются тюремщики и либералы, но он, несчастный, раздерганный на части, стремится всего лишь быть собой, и его финальный вопль — "я излечился наконец!" — не более чем крик о помощи, и крик этот едва ли не страшнее описанного у Берджесса превращения в банального буржуа.
Кубрика обвиняли в поэтизации насилия, в том, что подражавшие героям фильма подростки начали лупить благопристойных граждан и, конечно, это была полная чушь. Однако уставший от обвинений режиссер изъял фильм из британского проката — при том, что в молодежной и культурной среде он стал безусловно культовым. Однако не это главное. Главное — Кубрик наглядно показал, что в любом государстве человек (плохой ли, хороший) всегда заложник, всегда невольник, всегда страдательная фигура. И неважно, кто этот человек, насильник и убийца — или его жертва.
#UK
#drama
#scifi
#year1972
👍1
В поисках Эрика
Looking For Eric
Режиссер Кен Лоуч
Великобритания, Франция, Италия, Бельгия, 2009
Живет себе в Англии почтальон по имени Эрик (Стив Эветс) — с несложившейся судьбой, брошенными женой и дочерью, сыновьями от второй жены, которые не воспринимают его всерьез и общаются с какими-то неприятными типами — и неизбывной горечью оттого, что все оказалось совсем не так, как казалось. Одна была в жизни радость у Эрика — игры его любимой команды «Манчестер Юнайтед», на которую он, собственно, и работал, да и то не все, а те, в которых участвовал великий Эрик Кантона. И вот однажды, когда почтальон Эрик, уже расписавшись в собственной несостоятельности, курнув травки, в полном отчаянии обращается к плакату на стене, то есть к Кантона, тот... сходит с плаката и берет жизнь почтальона в свои руки.
Кантна играет сам себя, и хорошо играет: он вытягивает почтальона буквально за волосы из колодца, в который тот так удачно залез, заставляет его заняться тем же с собственными детьми, а главное, заставляет постучаться в двери к той, кого он оставил много лет назад. Лузер побеждает себя, общаясь с призраком любимого футболиста, и недаром Кен Лоуч, корифей британского кинореализма включает тут мистика: его герой — не тот, кто сошел с плаката, а вовсе даже почтальон Эрик, который символизирует здесь всех тех простых парней, кто в 90-е был фанатом «Манчестера», а в непростые годы разнообразных кризисов пытался хоть как-то свести концы с концами и уберечь детей от улицы. Но Кантона все равно царит на экране, и зритель понимает, почему его так любят все поклонники знаменитой команды. Ведь по сути говоря, он, не доигравший до первого выигрыша в Лиге чемпионов, особо не отличившийся в сборной, был в «Юнайтед» главным. Потому-то его, француза, безоговорочно приняли британцы.
И реабилитация немолодого лузера — это, в сущности, тоже часть его нынешних обязанностей. Потому что «Манчестер», в отличие от многих, прикрывающихся этим лозунгом, своих не бросает.
#UK
#Belgium
#France
#Italy
#comedy
#sports
#year2009
Looking For Eric
Режиссер Кен Лоуч
Великобритания, Франция, Италия, Бельгия, 2009
Живет себе в Англии почтальон по имени Эрик (Стив Эветс) — с несложившейся судьбой, брошенными женой и дочерью, сыновьями от второй жены, которые не воспринимают его всерьез и общаются с какими-то неприятными типами — и неизбывной горечью оттого, что все оказалось совсем не так, как казалось. Одна была в жизни радость у Эрика — игры его любимой команды «Манчестер Юнайтед», на которую он, собственно, и работал, да и то не все, а те, в которых участвовал великий Эрик Кантона. И вот однажды, когда почтальон Эрик, уже расписавшись в собственной несостоятельности, курнув травки, в полном отчаянии обращается к плакату на стене, то есть к Кантона, тот... сходит с плаката и берет жизнь почтальона в свои руки.
Кантна играет сам себя, и хорошо играет: он вытягивает почтальона буквально за волосы из колодца, в который тот так удачно залез, заставляет его заняться тем же с собственными детьми, а главное, заставляет постучаться в двери к той, кого он оставил много лет назад. Лузер побеждает себя, общаясь с призраком любимого футболиста, и недаром Кен Лоуч, корифей британского кинореализма включает тут мистика: его герой — не тот, кто сошел с плаката, а вовсе даже почтальон Эрик, который символизирует здесь всех тех простых парней, кто в 90-е был фанатом «Манчестера», а в непростые годы разнообразных кризисов пытался хоть как-то свести концы с концами и уберечь детей от улицы. Но Кантона все равно царит на экране, и зритель понимает, почему его так любят все поклонники знаменитой команды. Ведь по сути говоря, он, не доигравший до первого выигрыша в Лиге чемпионов, особо не отличившийся в сборной, был в «Юнайтед» главным. Потому-то его, француза, безоговорочно приняли британцы.
И реабилитация немолодого лузера — это, в сущности, тоже часть его нынешних обязанностей. Потому что «Манчестер», в отличие от многих, прикрывающихся этим лозунгом, своих не бросает.
#UK
#Belgium
#France
#Italy
#comedy
#sports
#year2009
👍7
Снеговик
The Snowman
Режиссеры Дайана Джексон, Джимми Мураками
Великобритания, 1982
С 1982 года ни одно Рождество в Британии не обходится без этого мультфильма. 27-минутная экранизация рисованной детской книжки стала для английских детей символом этого праздника.
В этом фильме два героя - мальчик Джеймс и его создание, Снеговик. Оба нарисованы карандашом - так нынче не делают, но так делал художник Рэймонд Бриггс, автор той самой книжки: он рисовал и до сих пор рисует карандашами. Итак, однажды утром мадьчик просыпается и видит снег, много снега - и поэтому, не успев толком проснуться, он бежит на улицу. А кто бы не побежал?
И там, во дворе обычного английского двухэтажного дома, мальчик Джеймс делает снеговика. Немного не такого, как наши - у него круглая только голова. Но это, несомненно, снеговик. Джеймс приносит с кухни овощи и угольки; снеговик обретает лицо и улыбку. Потом настает очередь костюма: на голову отправляется шляпа, а на шею Джеймс повязывает снеговику кашне. Да, и вот еще, это важно. Снеговик стоит спиной к двери дома - и к окнам комнаты Джеймса.
Ночью мальчику Джеймсу не спится. Он подходит к стеклянной двери во двор - и ровно в полночь снеговик с улыбкой поворачивается к мальчику...
Я на самом деле ничего не рассказал — потому что главное чудо настанет потом. Когда дверь распахнется, и снеговик войдет на кухню.
...33 года назад в Англии совершилось чудо. К нему потом оказались причастны многие - и Дэвид Боуи, который сыграл в игровом вступлении к мультфильму выросшего Джеймса, и сам Бриггс, который в другом варианте вступления шел по снежному полю и вспоминал о том, какой снежной была зима в том году, когда он рисовал свою книгу, и еще один бриггсовский персонаж, Дед Мороз, который появился в третьем варианте вступления. И даже Снежный пес, который возник в продолжении, снятом к 30-летию мультфильма режиссером Хиллари Одус.
Но если бы не было ничего этого, даже если бы не было песни, прекрасной песни, написанной композитором Ховардом Блейком и гениально спетой певчим Собора Святого Павла Питером Оти, чудо все равно бы совершилось.
Потому что когда снеговик поворачивается к тебе, добродушно улыбаясь, а потом кланяется и снимает шляпу - ну скажите мне сами, разве это не чудо?
#UK
#animation
#kids
#year1982
The Snowman
Режиссеры Дайана Джексон, Джимми Мураками
Великобритания, 1982
С 1982 года ни одно Рождество в Британии не обходится без этого мультфильма. 27-минутная экранизация рисованной детской книжки стала для английских детей символом этого праздника.
В этом фильме два героя - мальчик Джеймс и его создание, Снеговик. Оба нарисованы карандашом - так нынче не делают, но так делал художник Рэймонд Бриггс, автор той самой книжки: он рисовал и до сих пор рисует карандашами. Итак, однажды утром мадьчик просыпается и видит снег, много снега - и поэтому, не успев толком проснуться, он бежит на улицу. А кто бы не побежал?
И там, во дворе обычного английского двухэтажного дома, мальчик Джеймс делает снеговика. Немного не такого, как наши - у него круглая только голова. Но это, несомненно, снеговик. Джеймс приносит с кухни овощи и угольки; снеговик обретает лицо и улыбку. Потом настает очередь костюма: на голову отправляется шляпа, а на шею Джеймс повязывает снеговику кашне. Да, и вот еще, это важно. Снеговик стоит спиной к двери дома - и к окнам комнаты Джеймса.
Ночью мальчику Джеймсу не спится. Он подходит к стеклянной двери во двор - и ровно в полночь снеговик с улыбкой поворачивается к мальчику...
Я на самом деле ничего не рассказал — потому что главное чудо настанет потом. Когда дверь распахнется, и снеговик войдет на кухню.
...33 года назад в Англии совершилось чудо. К нему потом оказались причастны многие - и Дэвид Боуи, который сыграл в игровом вступлении к мультфильму выросшего Джеймса, и сам Бриггс, который в другом варианте вступления шел по снежному полю и вспоминал о том, какой снежной была зима в том году, когда он рисовал свою книгу, и еще один бриггсовский персонаж, Дед Мороз, который появился в третьем варианте вступления. И даже Снежный пес, который возник в продолжении, снятом к 30-летию мультфильма режиссером Хиллари Одус.
Но если бы не было ничего этого, даже если бы не было песни, прекрасной песни, написанной композитором Ховардом Блейком и гениально спетой певчим Собора Святого Павла Питером Оти, чудо все равно бы совершилось.
Потому что когда снеговик поворачивается к тебе, добродушно улыбаясь, а потом кланяется и снимает шляпу - ну скажите мне сами, разве это не чудо?
#UK
#animation
#kids
#year1982
👍16
Каррингтон
Carrington
Режиссер Кристофер Хэмптон
Великобритания, 1995
Это — один из непростых, не сказать — тяжелых фильмов, основанных на реальных событиях; картинами такого свойства славится британский кинематограф.
Рубеж ХIХ и ХХ веков; молодая многообещающая художница Дора Каррингтон (Эмма Томпсон) влюбляется в блестящего интеллектуала, писателя, критика, историка Литтона Стрейчи (Джонатан Прайс). Литтон — гомосексуалист, и это, понятное дело, некоторым образом осложняет развитие их отношений. Ради Литтона Дора выходит замуж за безнадежного гетеросексуала Партриджа (Стивен Уодингтон), в которого тот безответно влюблен. Их странный, изломанный тройственный союз продлится всю жизнь. Литтон прославится своими блистательными и едкими биографиями викторианских деятелей, а Дора останется в истории только лишь как влюбленная и возлюбленная, которая так и не смогла расстаться со Стрейчи: после всех своих отчаянных романов они оба снова возвращались друг к другу, но соединиться по понятным причинам не могли.
Мучительная и неизбывная связь Доры и Литтона сыграна Прайсом и Томпсон буквально навылет. Любовь, оказывается, может быть и такой – а вы и не знали, должно быть.
#UK
#drama
#biopic
#year1995
Carrington
Режиссер Кристофер Хэмптон
Великобритания, 1995
Это — один из непростых, не сказать — тяжелых фильмов, основанных на реальных событиях; картинами такого свойства славится британский кинематограф.
Рубеж ХIХ и ХХ веков; молодая многообещающая художница Дора Каррингтон (Эмма Томпсон) влюбляется в блестящего интеллектуала, писателя, критика, историка Литтона Стрейчи (Джонатан Прайс). Литтон — гомосексуалист, и это, понятное дело, некоторым образом осложняет развитие их отношений. Ради Литтона Дора выходит замуж за безнадежного гетеросексуала Партриджа (Стивен Уодингтон), в которого тот безответно влюблен. Их странный, изломанный тройственный союз продлится всю жизнь. Литтон прославится своими блистательными и едкими биографиями викторианских деятелей, а Дора останется в истории только лишь как влюбленная и возлюбленная, которая так и не смогла расстаться со Стрейчи: после всех своих отчаянных романов они оба снова возвращались друг к другу, но соединиться по понятным причинам не могли.
Мучительная и неизбывная связь Доры и Литтона сыграна Прайсом и Томпсон буквально навылет. Любовь, оказывается, может быть и такой – а вы и не знали, должно быть.
#UK
#drama
#biopic
#year1995
👍7
Странно
Strange
Режиссер Антон Корбайн
Великобритания, 1988
Память — занятная штука. Недавно я пересматривал «Самого опасного человека» — первый, наверное, фильм, после которого можно было сказать, что прекрасный Антон Корбайн наконец-то стал режиссером настоящим (и «Контроль», и «Американец», как по мне, были только ступенями на этом пути) — и вспомнил, что много лет назад принимал участие в запуске в российский телеэфир один из его лучших музыкальных фильмов.
Вот как это было.
Шла зима 1991 года. Я работал на Российском ТВ, которое тогда было флагманом свободы и вообще всего нового и прекрасного. На носу были новогодние праздники, а поскольку атомных бюджетов не было и никто бабло не пилил, руководитель нащего ТО Виктор Крюков вызвал к себе моего прямого босса Артемия Троицкого (ныне признанного иноагентом) и спросил: «А что мы предложим зрителю в Новый Год музыкального?». Тот взял тайм-аут, включил международные связи, и через пару дней заявил, что в праздники РТР покажет эксклюзивный видеофильм с участием группы Depeche Mode.
Теперь давайте поймем, что такое была группа Depeche Mode в те годы. Формально говоря, была она в общественном понимании адской попсой. Ну то есть было понятно, что это не отмороженная попса, но тем не менее. При этом все вокруг группу искренне любили, но стеснялись; чуть ли не у каждого, даже у ярого металлиста, кожаного и клепаного, обязательно была кассета с «депешами», и прежде всего с альбомом Music For The Masses, вышедшим за год до описываемых событий. В общем, двойственным было положение этой замечательной группы в Москве 1991 года.
Но заполучить ее на Новый Год — о, это было круто.
Итак, еще через неделю интенсивных переговоров с компанией Mute AK получил кассету системы Betacam SP с интервью Мартина Гора и Алана Уайлдера. Мы с коллегой Олегом Осетровым его довольно резво перевели и озвучили; оставалась малость – приклеить к этому материалу что-то интересное для прочих. Но и тут у моего босса был туз в рукаве. Оказывается, он договорился с выпускающим лейблом группы, компанией Mute о показе на нашем канале фильма Strange.
Строго говоря, это и не фильм вовсе, а видеокомпиляция, составленная из клипов, снятых на три сингла с Music For The Masses, одну композицию с предшествующего альбома Black Celebration и инструменталку Pimpf. Я видел тогда его впервые; понятно было, что дело имеешь с чем-то бОльшим, чем просто видеоклипы. В мини-фильмах, снятых на плёнку Super8, которую использовали в бытовых, домашних камерах, чудилось дыхание настоящего кино. И крупное зерно картинки, и Гаан с Гором, составлявшие удивительную кинопару, с легкостью встающую в синонимический ряд с лучшими кинопарами, назовите их сами. И еще было во всем этом какое-то невероятно щемящее чувство; ты чувствовал после просмотра, что тебя, как костыли Дэйва Гаана, отбросили и оставили в чистом поле. А мотороллер с Дэйвом и красавицей-итальянкой уехал.
...Остается рассказать совсем немного. Мастер-кассету из Лондона мы по каким-то причинам не получили, и потому пришлось перегнать фильм с фирменной, но абсолютно бытовой кассеты АК — так он и пошел в эфир; замечу, что тем самым мы фактически продолжили концепцию Корбайна, снимавшего профессиональное видео на домашнюю кинопленку: мы пустили в профессиональный эфир бытовую кассету системы VHS.
Вот, кажется, и все. Но ощущение, что тогда мы первые показали полноразмерное произведение ныне всемирно признанного фотохудожника и кинорежиссера по российскому телевидению, немного греет душу. Хотя РТР, как показала впоследствии практика, того не стоило. А фильм Strange, как ни странно, так и остался в аналоговом прошлом: выпущенный в мире (в том числе и в России в 1997-м) на VHS, а в Японии еще и на LaserDisc, он по сию пору не появился ни на DVD, ни на Blu-Ray.
Потом признанный ныне иноагентом Троицкий принес вторую часть депешмодовского балета - фильм Strange Too. Но это, как говорится, совсем другая история.
#UK
#music
#year1988
Strange
Режиссер Антон Корбайн
Великобритания, 1988
Память — занятная штука. Недавно я пересматривал «Самого опасного человека» — первый, наверное, фильм, после которого можно было сказать, что прекрасный Антон Корбайн наконец-то стал режиссером настоящим (и «Контроль», и «Американец», как по мне, были только ступенями на этом пути) — и вспомнил, что много лет назад принимал участие в запуске в российский телеэфир один из его лучших музыкальных фильмов.
Вот как это было.
Шла зима 1991 года. Я работал на Российском ТВ, которое тогда было флагманом свободы и вообще всего нового и прекрасного. На носу были новогодние праздники, а поскольку атомных бюджетов не было и никто бабло не пилил, руководитель нащего ТО Виктор Крюков вызвал к себе моего прямого босса Артемия Троицкого (ныне признанного иноагентом) и спросил: «А что мы предложим зрителю в Новый Год музыкального?». Тот взял тайм-аут, включил международные связи, и через пару дней заявил, что в праздники РТР покажет эксклюзивный видеофильм с участием группы Depeche Mode.
Теперь давайте поймем, что такое была группа Depeche Mode в те годы. Формально говоря, была она в общественном понимании адской попсой. Ну то есть было понятно, что это не отмороженная попса, но тем не менее. При этом все вокруг группу искренне любили, но стеснялись; чуть ли не у каждого, даже у ярого металлиста, кожаного и клепаного, обязательно была кассета с «депешами», и прежде всего с альбомом Music For The Masses, вышедшим за год до описываемых событий. В общем, двойственным было положение этой замечательной группы в Москве 1991 года.
Но заполучить ее на Новый Год — о, это было круто.
Итак, еще через неделю интенсивных переговоров с компанией Mute AK получил кассету системы Betacam SP с интервью Мартина Гора и Алана Уайлдера. Мы с коллегой Олегом Осетровым его довольно резво перевели и озвучили; оставалась малость – приклеить к этому материалу что-то интересное для прочих. Но и тут у моего босса был туз в рукаве. Оказывается, он договорился с выпускающим лейблом группы, компанией Mute о показе на нашем канале фильма Strange.
Строго говоря, это и не фильм вовсе, а видеокомпиляция, составленная из клипов, снятых на три сингла с Music For The Masses, одну композицию с предшествующего альбома Black Celebration и инструменталку Pimpf. Я видел тогда его впервые; понятно было, что дело имеешь с чем-то бОльшим, чем просто видеоклипы. В мини-фильмах, снятых на плёнку Super8, которую использовали в бытовых, домашних камерах, чудилось дыхание настоящего кино. И крупное зерно картинки, и Гаан с Гором, составлявшие удивительную кинопару, с легкостью встающую в синонимический ряд с лучшими кинопарами, назовите их сами. И еще было во всем этом какое-то невероятно щемящее чувство; ты чувствовал после просмотра, что тебя, как костыли Дэйва Гаана, отбросили и оставили в чистом поле. А мотороллер с Дэйвом и красавицей-итальянкой уехал.
...Остается рассказать совсем немного. Мастер-кассету из Лондона мы по каким-то причинам не получили, и потому пришлось перегнать фильм с фирменной, но абсолютно бытовой кассеты АК — так он и пошел в эфир; замечу, что тем самым мы фактически продолжили концепцию Корбайна, снимавшего профессиональное видео на домашнюю кинопленку: мы пустили в профессиональный эфир бытовую кассету системы VHS.
Вот, кажется, и все. Но ощущение, что тогда мы первые показали полноразмерное произведение ныне всемирно признанного фотохудожника и кинорежиссера по российскому телевидению, немного греет душу. Хотя РТР, как показала впоследствии практика, того не стоило. А фильм Strange, как ни странно, так и остался в аналоговом прошлом: выпущенный в мире (в том числе и в России в 1997-м) на VHS, а в Японии еще и на LaserDisc, он по сию пору не появился ни на DVD, ни на Blu-Ray.
Потом признанный ныне иноагентом Троицкий принес вторую часть депешмодовского балета - фильм Strange Too. Но это, как говорится, совсем другая история.
#UK
#music
#year1988
👍18
Почтальон Пэт
Postman Pat: The Movie
Режиссер Майк Диса
Великобритания
2014
Есть мультфильмы, которые настолько давно существуют в сознании детей, что их невозможно испортить. Именно таким и является нехитрый британский сериал про деревенского почтальона Пэта, добродушного и неглупого парня, который, помимо основного своего занятия, всегда готов прийти на помощь соседям по деревеньке Гриндейл (согласно легенде, она находится где-то между графством Камбрия и Северным Йоркширом), в какую бы ситуацию они не попали. Он не безупречен; зачастую его приключения вызваны его же собственными ошибками, но Пэт тем и хорош, что с достоинством и победой выходит из любых злоключений. Немаловажную роль в его победах играет его спутник, чёрно-белый кот Джесс.
Несмотря на то, что сегодня кажется - в том числе и британцам - что Пэт был всегда, на самом деле его легенда базируется всего лишь на одном 13-серийном сезоне, шедшем в эфине BBC One в 1981 году. Продолжение последовало спустя 16 лет, после чего был еще один, теперь уже семилетний перерыв, а потом дело было поставлено на серьезные рельсы и дошло аж до полного метра.
Вопреки всем современным возможностям, перевод Пэта в полнометражную, да еще и трехмерную версию деревенскому почтмейстеру, как ни странно, ничуть не повредил; то ли художники оказались бережны, то ли и впрямь сама ткань сериала протестовала против искажения и уродования. Так или иначе, у режиссера Диса вышло милое кино про то, как почтальон едва не попал под замену себя механической копией, принял участие в шоу талантов и в итоге спас мир.
А вот русский дубляж не сказать, что сильно помог полнометражному «Пэту»: почему-то интонационно наши актеры не дотягивают до Руперта Гринта, Дэвида Теннанта, Ронана Китинга и Джима Бродбента, а эмоционально местами так и просто-напросто лажают. Так что смотреть его стоит на языке оригинала - с субтитрами, если это необходимо.
#UK
#animation
#kids
#3D
#year2014
Postman Pat: The Movie
Режиссер Майк Диса
Великобритания
2014
Есть мультфильмы, которые настолько давно существуют в сознании детей, что их невозможно испортить. Именно таким и является нехитрый британский сериал про деревенского почтальона Пэта, добродушного и неглупого парня, который, помимо основного своего занятия, всегда готов прийти на помощь соседям по деревеньке Гриндейл (согласно легенде, она находится где-то между графством Камбрия и Северным Йоркширом), в какую бы ситуацию они не попали. Он не безупречен; зачастую его приключения вызваны его же собственными ошибками, но Пэт тем и хорош, что с достоинством и победой выходит из любых злоключений. Немаловажную роль в его победах играет его спутник, чёрно-белый кот Джесс.
Несмотря на то, что сегодня кажется - в том числе и британцам - что Пэт был всегда, на самом деле его легенда базируется всего лишь на одном 13-серийном сезоне, шедшем в эфине BBC One в 1981 году. Продолжение последовало спустя 16 лет, после чего был еще один, теперь уже семилетний перерыв, а потом дело было поставлено на серьезные рельсы и дошло аж до полного метра.
Вопреки всем современным возможностям, перевод Пэта в полнометражную, да еще и трехмерную версию деревенскому почтмейстеру, как ни странно, ничуть не повредил; то ли художники оказались бережны, то ли и впрямь сама ткань сериала протестовала против искажения и уродования. Так или иначе, у режиссера Диса вышло милое кино про то, как почтальон едва не попал под замену себя механической копией, принял участие в шоу талантов и в итоге спас мир.
А вот русский дубляж не сказать, что сильно помог полнометражному «Пэту»: почему-то интонационно наши актеры не дотягивают до Руперта Гринта, Дэвида Теннанта, Ронана Китинга и Джима Бродбента, а эмоционально местами так и просто-напросто лажают. Так что смотреть его стоит на языке оригинала - с субтитрами, если это необходимо.
#UK
#animation
#kids
#3D
#year2014
👍8
Пинк Флойд: концерт в Помпеях
Pink Floyd: Live at Pompeii
Режиссер Адриан Мабен
Великобритания, 1972
Что такое группа Pink Floyd образца 1972 года? Еще не записан Dark Side Of The Moon; за спиной три альбома без безумного шляпника Сида Барретта и один — с ним; группа понемногу завоевывает весомое место на британской сцене... и вот в октябре 1971 года эти четверо волосатых парней приезжают в выжженный лавой римский город Помпеи, располагаются в местном амфитеатре и снимают фильм, которому суждено стать едва ли не самым знаменитым концертным видео за всю историю рок-н-ролла.
Как? Почему? Все снимают концерты со зрителями, а эти четверо бродят по амфитеатру совершенно одни, самоуглубленно играют свои длиннющие пьесы и им никто вроде бы и не нужен.
«Это было скучно уже тогда», — говорит сегодня Адриан Мабен, режиссер фильма, - «все время одно и то же. Мы с подругой путешествовали по Италии, бродили по Помпеям под горячим солнцем, я потерял свой паспорт и возвратился в амфитеатр один, вечером, чтобы найти его. Было тихо, темно и очень мрачно. И я подумал: “Это именно то место, где должны быть Pink Floyd”. В нем есть смерть. В нем есть секс. И что-то все еще в нем живет... главным замыслом было сделать своего рода антивудсток - фильм, где не будет никого, где и музыка, и тишина, и пустой амфитеатр означали бы очень много, даже больше, чем многомиллионная толпа».
Конец цитаты.
У них получилось.
Удивительная атмосфера умершего тысячи лет назад города, невероятный свет, фантастические, нездешние цвета, античные фрески — и 20 тонн аппаратуры, четверо колдунов с гитарами и ударными, и их музыка, равной которой тогда просто не было. И тут же — экспромт, шутка, пес по имени Нобс, принадлежащий дочери владельца парижского цирка, воющий блюз под аккомпанемент группы: только что они взрывали миры, а тут — эдакая безделица. Коммерческий успех — вы представляете себе, что такое коммерческий успех для фильма, в котором звучит психоделический рок и нет ничего, кроме музыкантов и пейзажа античной смерти?
Потом было много всего — и тот самый Dark Side Of The Moon, ставший их опус магнум, и предложения к Мабену — снять The Moody Blues в Большом Каньоне, Deep Purple в Тадж-Махале... - и отказ, категорический отказ: такое возможно только один раз.
Один раз на этой планете три дня четверо волосатиков играли свою космическую музыку, и только местные дети слышали ее, проникнув за ограждение. Счастлив ли Мабен, что снял это? Говорит, что счастлив. Ему повезло — но повезло и четверым англичанам. Кто знает, если б Мабен не вернулся тогда за своим паспортом, было бы кино? Да, но не здесь и не такое.
А тогда он сделал главное в своей жизни: снял фильм, который никто никогда не забудет.
#UK
#music
#documentary
#year1972
Pink Floyd: Live at Pompeii
Режиссер Адриан Мабен
Великобритания, 1972
Что такое группа Pink Floyd образца 1972 года? Еще не записан Dark Side Of The Moon; за спиной три альбома без безумного шляпника Сида Барретта и один — с ним; группа понемногу завоевывает весомое место на британской сцене... и вот в октябре 1971 года эти четверо волосатых парней приезжают в выжженный лавой римский город Помпеи, располагаются в местном амфитеатре и снимают фильм, которому суждено стать едва ли не самым знаменитым концертным видео за всю историю рок-н-ролла.
Как? Почему? Все снимают концерты со зрителями, а эти четверо бродят по амфитеатру совершенно одни, самоуглубленно играют свои длиннющие пьесы и им никто вроде бы и не нужен.
«Это было скучно уже тогда», — говорит сегодня Адриан Мабен, режиссер фильма, - «все время одно и то же. Мы с подругой путешествовали по Италии, бродили по Помпеям под горячим солнцем, я потерял свой паспорт и возвратился в амфитеатр один, вечером, чтобы найти его. Было тихо, темно и очень мрачно. И я подумал: “Это именно то место, где должны быть Pink Floyd”. В нем есть смерть. В нем есть секс. И что-то все еще в нем живет... главным замыслом было сделать своего рода антивудсток - фильм, где не будет никого, где и музыка, и тишина, и пустой амфитеатр означали бы очень много, даже больше, чем многомиллионная толпа».
Конец цитаты.
У них получилось.
Удивительная атмосфера умершего тысячи лет назад города, невероятный свет, фантастические, нездешние цвета, античные фрески — и 20 тонн аппаратуры, четверо колдунов с гитарами и ударными, и их музыка, равной которой тогда просто не было. И тут же — экспромт, шутка, пес по имени Нобс, принадлежащий дочери владельца парижского цирка, воющий блюз под аккомпанемент группы: только что они взрывали миры, а тут — эдакая безделица. Коммерческий успех — вы представляете себе, что такое коммерческий успех для фильма, в котором звучит психоделический рок и нет ничего, кроме музыкантов и пейзажа античной смерти?
Потом было много всего — и тот самый Dark Side Of The Moon, ставший их опус магнум, и предложения к Мабену — снять The Moody Blues в Большом Каньоне, Deep Purple в Тадж-Махале... - и отказ, категорический отказ: такое возможно только один раз.
Один раз на этой планете три дня четверо волосатиков играли свою космическую музыку, и только местные дети слышали ее, проникнув за ограждение. Счастлив ли Мабен, что снял это? Говорит, что счастлив. Ему повезло — но повезло и четверым англичанам. Кто знает, если б Мабен не вернулся тогда за своим паспортом, было бы кино? Да, но не здесь и не такое.
А тогда он сделал главное в своей жизни: снял фильм, который никто никогда не забудет.
#UK
#music
#documentary
#year1972
👍11
Грек Зорба
Zorba The Greek
Режиссёр Михалис Какояннис
США, Греция, Великобритания
1964
Так начинается экранизация романа одного из крупнейших греческих писателей XX века Никоса Казандзакиса. «Грек Зорба» впервые был опубликован в 1946 году; в 1952-м английский перевод романа вышел в Великобритании, а год спустя —в США.
С прототипом главного героя романа Казандзакис познакомился в 1916 году; в написанной им тридцать лет спустя книге встречаются не просто два человека, но две фундаментальные стратегии жизни: молчаливый, анализирующий всё на свете англогрек и его антагонист, человек со сложной биографией, который не думает о жизни, а танцует её. Зорба — не просто жизнелюбивый язычник, каким его часто воспринимают; в самом центре его свободы — пустота: он, как сказано в книге, «освободился от родины, от попов, от денег», но обретённая свобода скорее похожа на изгнание. Он нигде не свой, его дом — дорога.
В фильме Михалиса Какоянниса философский дуализм романа переведён в пластику, взгляд, ритм. Камера фиксирует отчётливый контраст между чопорным, «застёгнутым» Бэзилом и Зорбой; и если Бэйтс и впрямь англичанин, играющий в грека, то Куинн не играет грека, он буквально становится им. Его Зорба учит свободе — не только Бэзила, но и зрителя. Сцена, где немолодая и отчаянно одинокая женщина (Ирен Папас) слушает его обещания жениться на ней — и верит им! — пробивает любую броню: перед нами не стареющая кокетка, а ребёнок, запертый внутри неё. И Зорба единственный, кто это видит.
Бэзил пытается поймать мудрость Зорбы — и постоянно промахивается, потому что истину можно только прожить. «Грек Зорба» — вовсе не гимн простой и обыденной, но прекрасной жизни, а почти что признание интеллектуала в том, что он может бесконечно анализировать танец, но никогда не научится растворять душу в движении. Однако когда у героев ничего не получается, когда рушатся все надежды, Зорба вновь начинает танец, и Бэзил, отбросив всю свою британскость, делает неуклюжие, но решительные движения вслед за ним.
Потому что необходимо жить дальше, даже если всё потеряно.
Танцевать, даже если не умеешь.
Танцевать не потому, что жизнь прекрасна, а потому что без танца она невыносима.
P.S. Ирония судьбы и парадокс состоят в том, что знаменитый танец «сиртаки», ставший визитной карточкой Греции, создан специально для фильма композитором Микисом Теодоракисом и хореографом Йоргосом Провиасом. В финале герой Куинна танцует со сломанной ногой, не прыгая, а скользя, и именно этот вынужденный жест породил культурный миф.
#USA
#Greece
#UK
#drama
#screenization
#year1964
Zorba The Greek
Режиссёр Михалис Какояннис
США, Греция, Великобритания
1964
Так начинается экранизация романа одного из крупнейших греческих писателей XX века Никоса Казандзакиса. «Грек Зорба» впервые был опубликован в 1946 году; в 1952-м английский перевод романа вышел в Великобритании, а год спустя —в США.
С прототипом главного героя романа Казандзакис познакомился в 1916 году; в написанной им тридцать лет спустя книге встречаются не просто два человека, но две фундаментальные стратегии жизни: молчаливый, анализирующий всё на свете англогрек и его антагонист, человек со сложной биографией, который не думает о жизни, а танцует её. Зорба — не просто жизнелюбивый язычник, каким его часто воспринимают; в самом центре его свободы — пустота: он, как сказано в книге, «освободился от родины, от попов, от денег», но обретённая свобода скорее похожа на изгнание. Он нигде не свой, его дом — дорога.
В фильме Михалиса Какоянниса философский дуализм романа переведён в пластику, взгляд, ритм. Камера фиксирует отчётливый контраст между чопорным, «застёгнутым» Бэзилом и Зорбой; и если Бэйтс и впрямь англичанин, играющий в грека, то Куинн не играет грека, он буквально становится им. Его Зорба учит свободе — не только Бэзила, но и зрителя. Сцена, где немолодая и отчаянно одинокая женщина (Ирен Папас) слушает его обещания жениться на ней — и верит им! — пробивает любую броню: перед нами не стареющая кокетка, а ребёнок, запертый внутри неё. И Зорба единственный, кто это видит.
Бэзил пытается поймать мудрость Зорбы — и постоянно промахивается, потому что истину можно только прожить. «Грек Зорба» — вовсе не гимн простой и обыденной, но прекрасной жизни, а почти что признание интеллектуала в том, что он может бесконечно анализировать танец, но никогда не научится растворять душу в движении. Однако когда у героев ничего не получается, когда рушатся все надежды, Зорба вновь начинает танец, и Бэзил, отбросив всю свою британскость, делает неуклюжие, но решительные движения вслед за ним.
Потому что необходимо жить дальше, даже если всё потеряно.
Танцевать, даже если не умеешь.
Танцевать не потому, что жизнь прекрасна, а потому что без танца она невыносима.
P.S. Ирония судьбы и парадокс состоят в том, что знаменитый танец «сиртаки», ставший визитной карточкой Греции, создан специально для фильма композитором Микисом Теодоракисом и хореографом Йоргосом Провиасом. В финале герой Куинна танцует со сломанной ногой, не прыгая, а скользя, и именно этот вынужденный жест породил культурный миф.
#USA
#Greece
#UK
#drama
#screenization
#year1964
👍8